Jean-Baptiste-Camille Corot

1796 - 1875 French

Pont entre néoclassicisme et impressionnisme

Jean-Baptiste-Camille Corot était un peintre français de paysages et de portraits, ainsi qu'un graveur en eau-forte. Figure centrale de la peinture de paysage, son œuvre abondante fait référence à la fois à la tradition néo-classique et anticipe les innovations de l'impressionnisme en matière de peinture en plein air. Jean-Baptiste-Camille Corot (souvent appelé Camille Corot) est né à Paris le 16 juillet 1796 dans une maison située au 125 rue du Bac, aujourd'hui démolie. Sa famille appartenait à la bourgeoisie : son père était perruquier et sa mère chapelière. Contrairement à certains de ses collègues artistes, il ne connut jamais la gêne financière durant toute sa vie, ses parents ayant bien investi et bien géré leurs affaires. Après leur mariage, ses parents achetèrent la chapellerie où sa mère avait travaillé, et son père abandonna sa carrière de perruquier pour s'occuper de la gestion du commerce. Le magasin devint une destination célèbre pour les Parisiens à la mode et procura à la famille des revenus excellents. Corot fut le deuxième des trois enfants de cette famille, qui habitait au-dessus de leur boutique à cette époque. Corot reçut une bourse pour étudier au lycée Pierre-Corneille à Rouen, mais quitta après avoir rencontré des difficultés scolaires et entra dans une école privée. Il « n'était pas un élève brillant, et durant toute sa scolarité, il ne reçut jamais la moindre nomination pour un prix, même pas en dessin ». Contrairement à de nombreux maîtres qui avaient montré précocement leur talent et leur inclination vers l'art, Corot ne manifesta aucun intérêt particulier avant 1815. Pendant ces années-là, il vécut avec la famille Sennegon, dont le patriarche était un ami du père de Corot et passait beaucoup de temps avec le jeune Corot en promenades dans la nature. C'est dans cette région que Corot fit ses premières peintures d'après la nature. À dix-neuf ans, Corot était un « grand enfant, timide et maladroit. Il rougissait quand on lui parlait. Devant les belles dames qui fréquentaient le salon de sa mère, il se sentait embarrassé et s'enfuyait comme un animal sauvage... Sur le plan émotionnel, c'était un fils affectueux et bien élevé, qui adorait sa mère et tremblait quand son père parlait. » Quand les parents de Corot déménagèrent dans un nouveau logement en 1817, le Corot âgé de 21 ans emménagea dans la chambre mansardée du troisième étage, qui devint également son premier atelier. Avec l'aide de son père, Corot devint apprenti chez un drapier, mais il détestait la vie commerciale et méprisait ce qu'il appelait les « tours de commerce », pourtant il resta fidèlement dans ce métier jusqu'à l'âge de 26 ans, moment où son père accepta qu'il adopte la profession d'artiste. Plus tard, Corot déclara : « J'ai dit à mon père que le commerce et moi étions tout simplement incompatibles, et que je divorçais. » L'expérience du commerce s'avéra cependant bénéfique, car elle l'aida à développer son sens esthétique grâce à l'exposition aux couleurs et aux textures des tissus. Peut-être par ennui, il se tourna vers la peinture à l'huile vers 1821 et commença immédiatement avec des paysages. À partir de 1822, après la mort de sa sœur, Corot reçut une allocation annuelle de 1500 francs qui finança adéquatement le reste de sa vie, son atelier, ses matériaux et ses voyages. Il loua immédiatement un atelier sur le quai Voltaire. Pendant la période où Corot acquit les moyens de se consacrer entièrement à l'art, la peinture de paysage connaissait un essor et se divisait généralement en deux courants : d'une part, le paysage historique des néoclassiques du sud de l'Europe, qui représentait des vues idéalisées de lieux réels ou imaginaires peuplés de personnages antiques, mythologiques ou bibliques ; d'autre part, le paysage réaliste, plus courant dans le nord de l'Europe, fidèle dans une large mesure à la topographie, à l'architecture et à la flore réelles, souvent peuplé de figures de paysans. Dans les deux approches, les artistes commençaient typiquement par des croquis et des peintures préliminaires en extérieur, achevant leur travail à l'intérieur. Les œuvres des Anglais John Constable et J. M. W. Turner eurent une influence considérable sur les artistes français au début du XIXe siècle, renforçant la tendance vers le réalisme et s'éloignant du néoclassicisme. Durant une courte période entre 1821 et 1822, Corot étudia auprès d'Achille Etna Michallon, un peintre paysagiste du même âge que Corot, protégé du peintre Jacques-Louis David et déjà un enseignant très respecté. Michallon eut une grande influence sur la carrière de Corot. Les cours de dessin de Corot comprenaient le tracé de lithographies, la copie de formes en trois dimensions et la réalisation de croquis et de tableaux de paysages en extérieur, notamment dans les forêts de Fontainebleau, les ports de mer de Normandie et les villages à l'ouest de Paris tels que Ville-d'Avray (où ses parents possédaient une maison de campagne). Michallon lui fit également découvrir les principes de la tradition néoclassique française, tels qu'ils étaient exposés dans le célèbre traité du théoricien Pierre-Henri de Valenciennes et illustrés par les œuvres des néoclassiques français Claude Lorrain et Nicolas Poussin, dont l'objectif principal était la représentation de la Beauté idéale dans la nature, liée aux événements de l'Antiquité. Bien que cette école fût en déclin, elle exerçait toujours une grande influence au Salon, la plus prestigieuse exposition d'art en France, qui rassemblait des milliers de personnes à chaque événement. Corot déclara plus tard : « J'ai fait mon premier paysage d'après la nature... sous l'œil de ce peintre, dont le seul conseil était de représenter avec la plus grande rigueur tout ce que je voyais devant moi. La leçon a porté ses fruits ; depuis lors, j'ai toujours chéri la précision. » Après la mort prématurée de Michallon en 1822, Corot étudia auprès du professeur de Michallon, Jean-Victor Bertin, l'un des peintres paysagistes néoclassiques les plus célèbres de France, qui fit copier à Corot des lithographies de sujets botaniques pour lui apprendre à dessiner des formes organiques précises. Bien qu'il eût le plus grand respect pour les néoclassiques, Corot ne se limita pas à leur tradition allégorique placée dans une nature imaginaire. Ses carnets révèlent des représentations fidèles de troncs d'arbres, de rochers et de plantes, montrant l'influence du réalisme nordique. Tout au long de sa carrière, Corot manifesta une tendance à appliquer les deux traditions dans son œuvre, parfois en les combinant. Avec le soutien de ses parents, Corot suivit le modèle bien établi des peintres français qui allaient en Italie étudier les maîtres de la Renaissance italienne et dessiner les monuments délabrés de l'antiquité romaine. Une condition posée par ses parents avant son départ était qu'il leur peigne un autoportrait, sa première œuvre de ce genre. Le séjour de Corot en Italie de 1825 à 1828 fut une période particulièrement formatrice et productive durant laquelle il réalisa plus de 200 dessins et 150 tableaux. Il travailla et voyagea avec plusieurs jeunes peintres français également en train d'étudier à l'étranger, peignant ensemble pendant la journée et se retrouvant le soir dans les cafés pour commenter mutuellement leurs œuvres et bavarder. Corot apprit peu auprès des maîtres de la Renaissance (bien qu'il ait plus tard cité Léonard de Vinci comme son peintre préféré) et passa la plupart de son temps autour de Rome et dans la campagne italienne. Les jardins Farnèse, offrant une vue splendide sur les ruines antiques, furent une destination fréquente, et il les peignit à trois moments différents de la journée. Cette formation s'avéra particulièrement précieuse pour acquérir une compréhension des défis liés à la perspective intermédiaire et panoramique, ainsi qu'à l'intégration efficace des constructions humaines dans un environnement naturel. Il apprit également comment donner aux bâtiments et aux rochers un effet de volume et de solidité grâce à une lumière et une ombre appropriées, tout en utilisant une technique lisse et fine. En outre, placer des figures appropriées dans un cadre profane était une nécessité pour une bonne peinture de paysage, afin d'ajouter un contexte humain et une échelle, et c'était encore plus important dans les paysages allégoriques. À cette fin, Corot travailla sur des études de figures en costume traditionnel ainsi que nues. Pendant l'hiver, il passait du temps dans un atelier mais retournait travailler à l'extérieur dès que le temps le permettait. La lumière intense de l'Italie posait des défis considérables : « Ce soleil dégage une lumière qui me désespère. Il me fait ressentir l'impuissance totale de ma palette. » Il apprit à maîtriser la lumière et à peindre les pierres et le ciel avec des variations subtiles et dramatiques. Ce n'était pas seulement l'architecture et la lumière italiennes qui avaient captivé l'attention de Corot. Le Corot tardif fut également fasciné par les femmes italiennes : « Elles ont encore les plus belles femmes du monde que j'ai rencontrées... leurs yeux, leurs épaules, leurs mains sont spectaculaires. En cela, elles surpassent nos femmes, mais d'un autre côté, elles ne leur sont pas égales en grâce et en bonté... Moi-même, en tant que peintre, je préfère la femme italienne, mais c'est vers la femme française que je penche en matière d'émotion. » Malgré son attirance forte pour les femmes, il écrivait sur son engagement envers la peinture : « J'ai un seul objectif dans la vie que je veux poursuivre fidèlement : faire des paysages. Cette résolution ferme m'empêche de m'attacher sérieusement. C'est-à-dire, en ce qui concerne le mariage... mais mon tempérament indépendant et mon grand besoin d'étude sérieuse me font prendre cela à la légère. » Au cours des six années qui séparèrent sa première visite en Italie de la seconde, Corot se concentra sur la préparation de grands paysages destinés à être présentés au Salon. Plusieurs de ses tableaux du Salon étaient des adaptations de ses croquis italiens à l'huile retravaillés dans l'atelier par l'ajout d'éléments formels imaginaires conformes aux principes néoclassiques. Un exemple en est sa première participation au Salon, Vue à Narni (1827), où il prit son étude rapide et naturelle d'une ruine d'aqueduc romain sous le soleil éclatant poussiéreux et la transforma en un cadre pastoral idyllique artificiel avec de gigantesques arbres ombragés et des pelouses vertes, une conversion destinée à plaire aux jurés néoclassiques. De nombreux critiques ont très hautement apprécié ses peintures italiennes en plein air pour leur « germe d'impressionnisme », leur fidélité à la lumière naturelle et leur rejet des valeurs académiques, même si elles étaient destinées à être des études. Plusieurs décennies plus tard, l'impressionnisme révolutionna l'art en adoptant une approche similaire — peinture rapide et spontanée faite en extérieur ; cependant, là où les impressionnistes utilisaient des couleurs appliquées rapidement sans mélange pour capturer la lumière et l'ambiance, Corot mélangeait généralement et fondait ses couleurs pour obtenir ses effets rêveurs. Lorsqu'il quittait l'atelier, Corot voyageait à travers la France, imitant ses méthodes italiennes, et se concentrait sur des paysages rustiques. Il retourna sur la côte normande et à Rouen, la ville où il avait vécu durant sa jeunesse. Corot fit également quelques portraits d'amis et de proches, et reçut ses premières commandes. Son portrait sensible de sa nièce, Laure Sennegon, vêtue de bleu poudré, fut l'une de ses œuvres les plus réussies et fut plus tard offert au Louvre. Il peignait généralement deux copies de chaque portrait familial, une pour le modèle et une pour la famille, et reproduisait souvent aussi ses paysages. Au printemps 1829, Corot vint à Barbizon pour peindre dans la forêt de Fontainebleau ; il avait déjà peint dans la forêt de Chailly en 1822. Il revint à Barbizon à l'automne 1830 et en été 1831, où il fit des dessins et des études à l'huile, à partir desquelles il réalisa une peinture destinée au Salon de 1830 : sa Vue de la forêt de Fontainebleau (actuellement conservée à la National Gallery de Washington) et, pour le Salon de 1831, une autre Vue de la forêt de Fontainebleau. Lors de son séjour, il rencontra les membres de l'école de Barbizon : Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet, et le jeune Charles-François Daubigny. Corot exposa un portrait et plusieurs paysages au Salon en 1831 et 1833. L'accueil réservé par les critiques au Salon fut froid, et Corot décida de retourner en Italie, n'ayant pas réussi à satisfaire les attentes avec ses thèmes néoclassiques. Durant ses deux voyages de retour en Italie, il visita le nord de l'Italie, Venise et de nouveau la campagne romaine. En 1835, Corot créa une sensation au Salon avec sa peinture biblique Agar dans le désert, qui représentait Agar, la servante de Sara, et l'enfant Ismaël mourant de soif dans le désert jusqu'à ce qu'un ange les sauve. L'arrière-plan semblait s'inspirer d'une étude italienne. Cette fois-ci, l'énoncé inattendu, audacieux et frais de l'idéal néoclassique par Corot réussit auprès des critiques en démontrant « l'harmonie entre le décor et la passion ou la souffrance que le peintre choisit de représenter ». Il poursuivit avec d'autres sujets bibliques et mythologiques, mais ces tableaux eurent moins de succès, car les critiques du Salon le trouvèrent inférieur lors des comparaisons avec Poussin. En 1837, il peignit son premier nu connu, La Nymphe de la Seine. Plus tard, il conseilla à ses élèves : « L'étude du nu, vous voyez, est la meilleure leçon qu'un peintre de paysage puisse avoir. Si quelqu'un sait, sans aucune astuce, représenter une figure, il est capable de faire un paysage ; sinon, il ne pourra jamais y parvenir. » Durant les années 1840, Corot continua à avoir des difficultés avec les critiques (nombre de ses œuvres furent carrément refusées pour les expositions du Salon), et peu d'entre elles ne furent achetées par le public. Alors que la reconnaissance et l'acceptation par le milieu institutionnel vinrent lentement, en 1845 Baudelaire mena une campagne louant Corot comme le chef de file de « l'école moderne de peinture paysagère ». Bien que certains critiques trouvassent les couleurs de Corot « pâles » et son travail empreint d'une « naïveté maladroite », Baudelaire répondit avec pertinence : « M. Corot est plus harmoniste que coloriste, et ses compositions, toujours entièrement dégagées de pédanterie, sont séduisantes précisément par leur simplicité chromatique. » En 1846, le gouvernement français lui décerna la croix de la Légion d'honneur, et en 1848 il reçut une médaille de deuxième classe au Salon, mais cela ne lui valut guère de mécénat étatique. Sa seule commande fut une peinture religieuse pour une chapelle baptistère, réalisée en 1847 dans le style des maîtres de la Renaissance. Bien que l'establishment continuât à se montrer réservé, d'autres peintres reconnurent la montée en puissance de Corot. En 1847, Delacroix nota dans son journal : « Corot est un vrai artiste. Il faut voir un peintre à sa place pour se faire une idée de sa valeur... Corot creuse profondément un sujet : des idées lui viennent pendant qu'il travaille, et il ajoute au fur et à mesure ; c'est là la bonne méthode. » Sur la recommandation de Delacroix, le peintre Constant Dutilleux acheta un tableau de Corot et entama une relation longue et fructueuse avec l'artiste, lui apportant amitié et mécènes. Le traitement public de Corot s'améliora considérablement après la Révolution de 1848, lorsqu'il fut admis comme membre du jury du Salon. Il fut promu officier du Salon en 1867. Ayant abandonné toute relation à long terme avec les femmes, Corot est resté très proche de ses parents même dans la cinquantaine. Un contemporain disait de lui : « Corot est un homme de principes, inconsciemment chrétien ; il abandonne toute sa liberté à sa mère... il doit la supplier à plusieurs reprises pour obtenir l'autorisation de sortir... pour dîner tous les deux vendredis ». Hormis ses nombreux voyages, Corot est resté étroitement lié à sa famille jusqu'à la mort de ses parents, puis enfin il obtint la liberté d'aller où bon lui semblait. Cette liberté lui permit d'accepter des élèves pour des séances informelles, notamment les artistes juifs Édouard Brandon et le futur impressionniste Camille Pissarro, qui fut brièvement parmi eux. L'énergie et les conseils perspicaces de Corot impressionnèrent ses élèves. Charles Daubigny déclara : « C'est un parfait vieillard joyeux, ce père Corot. C'est un homme tout à fait merveilleux, qui mêle plaisanterie et bons conseils. » Un autre élève dit de Corot : « Les journaux avaient tellement déformé l'image de Corot, mettant entre ses mains Théocrite et Virgile, que je fus fort surpris de le trouver ignorant du grec et du latin... Son accueil est très ouvert, très libre, très amusant : il vous parle ou vous écoute en sautillant sur un pied ou sur les deux ; il chante des extraits d'opéra d'une voix très juste », mais il a « un côté rusé et mordant soigneusement dissimulé derrière sa bonne nature. » À partir du milieu des années 1850, le style de plus en plus impressionniste de Corot commença à être reconnu et assura sa place dans l'art français. « M. Corot excelle... à reproduire la végétation dans ses débuts frais ; il rend merveilleusement les premiers signes d'un monde nouveau. » À partir des années 1850, Corot peignit de nombreux souvenirs de paysages et paysages rêvés, des lieux qu'il avait visités antérieurement, avec des touches légères et desserrées. Dans les années 1860, Corot continuait à mélanger des figures paysannes avec des figures mythologiques, associant néoclassicisme et réalisme, ce qui poussa un critique à déplorer : « Si M. Corot tuait une fois pour toutes les nymphes de ses bois et les remplaçait par des paysans, je l'aimerais infiniment ». En réalité, dans sa période tardive, les figures humaines augmentèrent effectivement tandis que les nymphes diminuèrent, mais même ces figures humaines étaient souvent placées dans des rêveries idylliques. Dans ses dernières années, l'atelier de Corot était rempli d'étudiants, de modèles, d'amis, de collectionneurs et de marchands qui allaient et venaient sous l'œil tolérant du maître, ce qui lui valut de dire : « Pourquoi êtes-vous dix autour de moi sans que l'un d'entre vous pense à rallumer ma pipe ? » Les marchands s'emparaient de ses œuvres et ses prix dépassaient souvent 4 000 francs par tableau. Avec son succès assuré, Corot donna généreusement de son argent et de son temps. Il devint un aîné de la communauté artistique et utilisait son influence pour obtenir des commandes pour d'autres artistes. En 1871, il offrit 2 000 livres sterling aux pauvres de Paris, assiégé par les Prussiens. (voir : Guerre franco-prussienne) Pendant la Commune de Paris, il se trouvait à Arras avec Alfred Robaut. En 1872, il acheta une maison à Auvers comme cadeau pour Honoré Daumier, aveugle, sans ressources et sans domicile à cette époque. En 1875, il versa 10 000 francs à la veuve de Millet pour aider ses enfants. Sa charité était proverbiale. Il soutenait financièrement également un centre d'accueil pour enfants situé rue Vandrezanne à Paris. Toute sa vie durant, il resta un homme humble et modeste, apolitique, satisfait de sa chance dans la vie, et croyait fermement que « les hommes ne devraient pas s'enfler d'orgueil, qu'ils soient empereurs ajoutant telle ou telle province à leur empire ou peintres gagnant en réputation. » Malgré un grand succès et une reconnaissance parmi les artistes, les collectionneurs et les critiques les plus bienveillants, ses nombreux amis considéraient néanmoins qu'il avait été officiellement négligé, et en 1874, peu de temps avant sa mort, ils lui offrirent une médaille d'or. Il mourut à Paris d'un trouble gastrique à l'âge de 78 ans et fut enterré au cimetière du Père-Lachaise. Un certain nombre de disciples se sont considérés comme les élèves de Corot. Les plus célèbres sont Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux et Alexandre Defaux.