Jean-Baptiste-Camille Corot

1796 - 1875 French

Ponte tra neoclassicismo e impressionismo

Jean-Baptiste-Camille Corot fu un pittore francese di paesaggi e ritratti, nonché incisore specializzato in acquaforte. È una figura fondamentale nella pittura di paesaggio, e la sua vasta produzione rimanda contemporaneamente alla tradizione neoclassica e preannuncia le innovazioni dell'impressionismo all'aperto. Jean-Baptiste-Camille Corot (abbreviato in Camille Corot) nacque a Parigi il 16 luglio 1796 in una casa al numero 125 della Rue du Bac, oggi demolita. La sua famiglia apparteneva alla borghesia: suo padre era un parrucchiere e sua madre una modista. A differenza di alcuni dei suoi colleghi artisti, per tutta la vita non provò mai la mancanza di denaro, poiché i suoi genitori fecero buoni investimenti e gestirono bene i loro affari. Dopo il matrimonio, i suoi genitori comprarono la modisteria dove aveva lavorato sua madre, e suo padre abbandonò la professione di parrucchiere per occuparsi della gestione commerciale del negozio. Il negozio divenne una meta famosa per i parigini alla moda e garantì alla famiglia un ottimo reddito. Corot fu il secondo di tre figli nati in questa famiglia, che viveva sopra il loro negozio in quegli anni. Corot ricevette una borsa di studio per frequentare il Liceo Pierre-Corneille a Rouen, ma lasciò dopo aver avuto difficoltà scolastiche ed entrò in una scuola privata. Egli «non era uno studente brillante e per tutta la sua carriera scolastica non ottenne nemmeno una menzione per alcun premio, nemmeno per le classi di disegno». A differenza di molti maestri che mostrarono precocemente talento e inclinazione verso l’arte, prima del 1815 Corot non mostrò alcun interesse simile. In quegli anni visse con la famiglia Sennegon, il cui patriarca era amico del padre di Corot e trascorse molto tempo con il giovane Corot passeggiando nella natura. Fu in questa zona che Corot realizzò i suoi primi dipinti dal vero. A diciannove anni, Corot era «un ragazzone, timido e goffo. Arrossiva quando gli si parlava. Di fronte alle belle signore che frequentavano il salotto di sua madre, si sentiva a disagio e fuggiva come un animale selvatico... Sul piano emotivo, era un figlio affettuoso e ben educato, che adorava sua madre e tremava quando parlava suo padre». Quando i genitori di Corot si trasferirono in una nuova residenza nel 1817, il ventunenne Corot si trasferì nella stanza con finestra a tetto al terzo piano, che divenne anche il suo primo studio. Con l'aiuto di suo padre, Corot divenne apprendista presso un mercante di stoffe, ma odiava la vita commerciale e disprezzava ciò che definiva "trucchi commerciali"; tuttavia rimase fedelmente nel settore fino a 26 anni, quando suo padre acconsentì che egli intraprendesse la professione artistica. Successivamente Corot affermò: "Dissi a mio padre che io e gli affari eravamo semplicemente incompatibili, e che stavo divorziando". L'esperienza commerciale si rivelò però utile, poiché lo aiutò a sviluppare un senso estetico grazie all'esposizione ai colori e alle trame dei tessuti. Forse per noia, si dedicò alla pittura a olio intorno al 1821 e iniziò subito con paesaggi. Dal 1822, dopo la morte di sua sorella, Corot cominciò a ricevere un assegno annuale di 1500 franchi che finanziò adeguatamente la sua nuova carriera, il suo studio, i materiali e i viaggi per il resto della sua vita. Affittò immediatamente uno studio sul quai Voltaire. Nel periodo in cui Corot acquisì i mezzi per dedicarsi completamente all'arte, la pittura di paesaggio era in ascesa e si divideva generalmente in due correnti: da un lato, il paesaggio storico dei neoclassici dell'Europa meridionale, che rappresentava vedute idealizzate di luoghi reali o immaginari popolati da figure antiche, mitologiche e bibliche; dall'altro, il paesaggio realistico, più comune nell'Europa settentrionale, fedele nella maggior parte dei casi alla topografia, all'architettura e alla flora reali, spesso raffigurante figure di contadini. In entrambi gli approcci, gli artisti iniziavano tipicamente con schizzi e dipinti preliminari all'aperto, completando il lavoro all'interno. Le opere degli inglesi John Constable e J. M. W. Turner furono molto influenti sugli artisti francesi del paesaggio all'inizio del XIX secolo, rafforzando la tendenza verso il realismo e allontanandosi dal neoclassicismo. Per un breve periodo tra il 1821 e il 1822, Corot studiò con Achille Etna Michallon, un pittore paesaggista della stessa età di Corot che era un protetto del pittore Jacques-Louis David ed era già un insegnante molto rispettato. Michallon ebbe una grande influenza sulla carriera di Corot. Le lezioni di disegno di Corot includevano la riproduzione di litografie, la copia di forme tridimensionali e la realizzazione di schizzi e dipinti di paesaggi all'aperto, specialmente nelle foreste di Fontainebleau, nei porti lungo la Normandia e nei villaggi a ovest di Parigi come Ville-d'Avray (dove i suoi genitori avevano una casa di campagna). Michallon lo mise anche a confronto con i principi della tradizione neoclassica francese, come esposti nel celebre trattato del teorico Pierre-Henri de Valenciennes e rappresentati nelle opere dei neoclassici francesi Claude Lorrain e Nicolas Poussin, il cui obiettivo principale era la rappresentazione dell'Ideale di Bellezza in natura, collegato agli eventi dell'antichità. Sebbene questa scuola fosse in declino, continuava a esercitare influenza al Salon, la principale mostra d'arte in Francia, alla quale partecipavano migliaia di persone a ogni evento. Corot affermò in seguito: "Ho dipinto il mio primo paesaggio dalla natura... sotto lo sguardo di questo pittore, il cui unico consiglio era quello di rendere con la massima accuratezza tutto ciò che vedevo davanti a me. La lezione funzionò; da allora ho sempre apprezzato la precisione." Dopo la precoce morte di Michallon nel 1822, Corot studiò con il maestro di Michallon, Jean-Victor Bertin, uno dei più noti pittori paesaggisti neoclassici in Francia, che fece disegnare a Corot copie di litografie di soggetti botanici per imparare forme organiche precise. Benché avesse grande rispetto per i neoclassici, Corot non limitò la sua formazione alla loro tradizione allegorica ambientata in una natura immaginaria. I suoi taccuini rivelano rappresentazioni precise di tronchi d'albero, rocce e piante che mostrano l'influenza del realismo settentrionale. Per tutta la sua carriera, Corot dimostrò una propensione ad applicare entrambe le tradizioni nelle sue opere, combinandole talvolta. Con il sostegno dei suoi genitori, Corot seguì il modello ben consolidato dei pittori francesi che andavano in Italia per studiare i maestri del Rinascimento italiano e disegnare i monumenti decadenti dell'antichità romana. Una condizione imposta dai suoi genitori prima della partenza fu che dipingesse un autoritratto per loro, il suo primo. Il soggiorno di Corot in Italia dal 1825 al 1828 fu un periodo altamente formativo e produttivo, durante il quale completò oltre 200 disegni e 150 dipinti. Lavorò e viaggiò insieme ad altri giovani pittori francesi che studiavano all'estero, dipingendo insieme durante il giorno e socializzando la sera nei caffè, criticandosi a vicenda e spettegolando. Corot imparò poco dai maestri del Rinascimento (anche se successivamente indicò Leonardo da Vinci come il suo pittore preferito) e trascorse la maggior parte del tempo nei dintorni di Roma e nelle campagne italiane. I Giardini Farnese, con le loro splendide viste sulle rovine antiche, furono una destinazione frequente, e li dipinse in tre diversi momenti della giornata. Questa formazione si rivelò particolarmente preziosa per comprendere le sfide sia della prospettiva intermedia che di quella panoramica, e per collocare efficacemente strutture artificiali in un ambiente naturale. Imparò anche come dare agli edifici e alle rocce un effetto di volume e solidità attraverso una luce e un'ombra appropriate, utilizzando una tecnica liscia e sottile. Inoltre, collocare figure appropriate in un contesto secolare era una necessità della buona pittura di paesaggio, per aggiungere contesto e scala umani, ed era ancora più importante nei paesaggi allegorici. A tal fine Corot lavorò su studi di figure in abiti tradizionali così come figure nude. Durante l'inverno trascorse del tempo in uno studio ma tornò a lavorare all'aperto non appena il tempo lo permise. L'intensa luce dell'Italia pose notevoli sfide: "Questo sole emette una luce che mi dispera. Mi fa sentire l'assoluta impotenza della mia tavolozza." Imparò a padroneggiare la luce e a dipingere pietre e cielo con variazioni sottili e drammatiche. Non furono solo l'architettura e la luce italiane a catturare l'attenzione di Corot. L'uomo maturo Corot rimase affascinato anche dalle donne italiane: «Hanno ancora le donne più belle del mondo che io abbia mai incontrato... i loro occhi, le loro spalle, le loro mani sono spettacolari. In questo, superano le nostre donne, ma d'altra parte non sono loro pari in grazia e gentilezza... Io stesso, come pittore preferisco la donna italiana, ma quando si tratta di emozione tendo verso la donna francese.» Nonostante la sua forte attrazione per le donne, scrisse della sua dedizione alla pittura: «Ho un solo obiettivo nella vita che voglio perseguire fedelmente: fare paesaggi. Questa ferma risoluzione mi tiene lontano da legami seri. Cioè, per quanto riguarda il matrimonio... ma la mia natura indipendente e il mio grande bisogno di studio serio mi fanno prendere la cosa con leggerezza.» Nel corso del periodo di sei anni trascorsi tra la sua prima e la seconda visita in Italia, Corot si concentrò sulla preparazione di grandi paesaggi da presentare al Salon. Diversi dei suoi dipinti esposti al Salon furono adattamenti dei suoi schizzi a olio italiani rimaneggiati nello studio aggiungendo elementi formali immaginari coerenti con i principi neoclassici. Un esempio fu la sua prima opera presentata al Salon, Vista a Narni (1827), dove trasformò il suo rapido studio naturale di una rovina di un acquedotto romano sotto il sole luminoso e polveroso in un contesto pastorale artificialmente idilliaco con alberi giganti e prati verdi, una conversione pensata per attrarre i giurati neoclassici. Molti critici hanno molto apprezzato i suoi dipinti italiani all'aperto per il loro «germe di impressionismo», la fedeltà alla luce naturale e l'evitare i valori accademici, nonostante fossero intesi come studi. Diverse decadi dopo, l'impressionismo rivoluzionò l'arte adottando un approccio simile: pittura rapida e spontanea realizzata all'aperto; tuttavia, mentre gli impressionisti usavano colori applicati rapidamente senza mescolarli per catturare luce e atmosfera, Corot di solito mescolava e fondesse i suoi colori per ottenere effetti sognanti. Quando usciva dallo studio, Corot viaggiava per tutta la Francia, riprendendo i suoi metodi italiani, e si concentrava su paesaggi rustici. Tornò sulla costa della Normandia e a Rouen, la città dove aveva vissuto da giovane. Corot realizzò anche alcuni ritratti di amici e parenti e ricevette i suoi primi incarichi. Il suo sensibile ritratto di sua nipote, Laure Sennegon, vestita di blu polvere, fu uno dei suoi lavori più riusciti e in seguito fu donato al Louvre. Di solito dipingeva due copie di ogni ritratto familiare, una per il soggetto e una per la famiglia, e spesso faceva copie anche dei suoi paesaggi. Nella primavera del 1829, Corot giunse a Barbizon per dipingere nella foresta di Fontainebleau; aveva già dipinto per la prima volta nella foresta di Chailly nel 1822. Tornò a Barbizon nell'autunno del 1830 e nell'estate del 1831, dove realizzò disegni e studi a olio, dai quali trasse un dipinto destinato al Salon del 1830: la sua Veduta della foresta di Fontainebleau (ora conservata alla National Gallery di Washington) e, per il Salon del 1831, un'altra Veduta della foresta di Fontainebleau. Durante il soggiorno incontrò i membri della scuola di Barbizon: Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet e il giovane Charles-François Daubigny. Corot espose un ritratto e diversi paesaggi al Salon nel 1831 e nel 1833. La ricezione da parte dei critici al Salon fu fredda e Corot decise di tornare in Italia, non essendo riuscito a soddisfarli con i suoi temi neoclassici. Durante i suoi due viaggi di ritorno in Italia, visitò il nord Italia, Venezia e ancora una volta la campagna romana. Nel 1835, Corot creò una sensazione al Salon con il suo dipinto biblico Agar nel deserto, che rappresentava Agar, la serva di Sara, e il bambino Ismaele morenti di sete nel deserto fino a quando furono salvati da un angelo. Lo sfondo probabilmente derivava da uno studio italiano. Questa volta, la sorprendente dichiarazione audace e fresca dell'ideale neoclassico di Corot ebbe successo presso i critici dimostrando "l'armonia tra l'ambientazione e la passione o sofferenza che il pittore sceglie di rappresentare in essa." Successivamente realizzò altri soggetti biblici e mitologici, ma questi dipinti non ebbero altrettanto successo, poiché i critici del Salon lo giudicarono inferiore rispetto a Poussin. Nel 1837 dipinse il suo primo nudo sopravvissuto, La Ninfa della Senna. In seguito, consigliò ai suoi studenti: "Lo studio del nudo, vedete, è la migliore lezione che un pittore di paesaggio possa avere. Se qualcuno sa come, senza alcun trucco, raffigurare una figura, è in grado di fare un paesaggio; altrimenti non potrà mai farlo." Negli anni Quaranta, Corot continuò ad avere problemi con i critici (molte delle sue opere furono rifiutate per le esposizioni del Salone), e nemmeno molte furono acquistate dal pubblico. Mentre il riconoscimento e l'accettazione da parte dell'establishment giunsero lentamente, nel 1845 Baudelaire guidò una campagna proclamando Corot come leader della «scuola moderna di pittura paesaggistica». Benché alcuni critici trovassero i colori di Corot «pallidi» e la sua opera caratterizzata da «ingenua goffaggine», Baudelaire rispose acutamente: «M. Corot è più armonista che colorista, e le sue composizioni, sempre completamente libere da pedanteria, sono seducenti proprio per la loro semplicità cromatica». Nel 1846, il governo francese gli conferì la croce della Legion d'Onore e nel 1848 ricevette una medaglia di seconda classe al Salone, ma ciò non comportò un grande mecenatismo statale. La sua unica opera commissionata fu un dipinto religioso per una cappella battesimale, realizzato nel 1847 nello stile dei maestri del Rinascimento. Mentre l'establishment continuava a trattenersi, altri pittori riconobbero la crescente importanza di Corot. Nel 1847, Delacroix annotò nel suo diario: «Corot è un vero artista. Bisogna vedere un pittore nel suo ambiente per farsi un'idea del suo valore... Corot approfondisce profondamente un soggetto: mentre lavora gli vengono idee che aggiunge man mano; questo è l'approccio giusto.» Su raccomandazione di Delacroix, il pittore Constant Dutilleux acquistò un dipinto di Corot e iniziò una lunga e proficua relazione con l'artista, portandogli amicizia e committenti. Il trattamento pubblico di Corot migliorò notevolmente dopo la Rivoluzione del 1848, quando fu accolto come membro della giuria del Salon. Fu promosso ufficiale del Salon nel 1867. Dopo aver rinunciato a qualsiasi relazione a lungo termine con le donne, Corot rimase molto legato ai suoi genitori anche dopo i cinquant'anni. Un contemporaneo disse di lui: "Corot è un uomo di principio, inconsciamente cristiano; egli consegna tutta la sua libertà a sua madre... deve supplicarla ripetutamente per ottenere il permesso di uscire... a cena ogni due venerdì." Oltre ai suoi frequenti viaggi, Corot rimase strettamente legato alla sua famiglia fino alla morte dei suoi genitori, dopodiché finalmente ottenne la libertà di andare dove voleva. Questa libertà gli permise di accogliere allievi per sessioni informali, tra cui l'artista ebreo Édouard Brandon e il futuro impressionista Camille Pissarro, che fu brevemente tra questi. La vivacità e i consigli acuti di Corot impressionarono i suoi allievi. Charles Daubigny affermò: "È un perfetto Vecchio Gioioso, questo Padre Corot. È davvero un uomo straordinario, che mescola battute ai suoi ottimi consigli." Un altro studente disse di Corot: "i giornali avevano distorto così tanto Corot, mettendogli in mano Teocrito e Virgilio, che rimasi molto sorpreso scoprendolo digiuno sia di greco che di latino... Il suo modo di accogliere è molto aperto, molto libero, molto divertente: ti parla o ti ascolta mentre salta su un piede o su due; canta brani d'opera con una voce molto giusta", ma ha "un lato tagliente e pungente accuratamente nascosto dietro la sua buona natura." Verso la metà degli anni Cinquanta dell'Ottocento, lo stile sempre più impressionista di Corot cominciò a ricevere il riconoscimento che gli garantì un posto nell'arte francese. "M. Corot eccelle... nel riprodurre la vegetazione nei suoi primi germogli; rende meravigliosamente i primordi del nuovo mondo." Dagli anni Cinquanta in poi, Corot dipinse molti paesaggi ricordo e paysages, quadri sognanti e immaginati di luoghi ricordati da precedenti visite, con pennellate leggere e morbide. Negli anni Sessanta, Corot continuava a mescolare figure contadine con figure mitologiche, fondendo neoclassicismo e realismo, tanto che un critico si lamentò dicendo: "Se M. Corot uccidesse una volta per tutte le ninfe dei suoi boschi e le sostituisse con contadini, lo apprezzerei immensamente". Nella realtà, negli ultimi anni le sue figure umane aumentarono e le ninfe diminuirono, ma anche queste figure umane erano spesso inserite in reverie idilliache. Nella sua tarda vita, lo studio di Corot era pieno di studenti, modelli, amici, collezionisti e mercanti che andavano e venivano sotto lo sguardo tollerante del maestro, tanto da fargli dire: "Perché ci sono dieci persone intorno a me e nessuno pensa di riaccendermi la pipa?" I mercanti si contendevano le sue opere e i suoi prezzi spesso superavano i 4.000 franchi per quadro. Con il successo ormai consolidato, Corot diede generosamente tempo e denaro. Divenne un anziano della comunità artistica e usava la sua influenza per ottenere commissioni ad altri artisti. Nel 1871 donò 2.000 sterline ai poveri di Parigi, assediata dai prussiani. (vedi: Guerra franco-prussiana) Durante la Comune di Parigi, si trovava ad Arras insieme ad Alfred Robaut. Nel 1872 acquistò una casa ad Auvers come regalo per Honoré Daumier, che allora era cieco, senza risorse e senza tetto. Nel 1875, donò 10.000 franchi alla vedova di Millet per sostenere i suoi figli. La sua carità era quasi proverbiale. Sosteneva anche finanziariamente un centro diurno per bambini situato in rue Vandrezanne a Parigi. Nella sua tarda vita rimase un uomo umile e modesto, apolitico e soddisfatto della sua fortuna, e mantenne salda la convinzione che "gli uomini non dovrebbero gonfiarsi di orgoglio, siano essi imperatori che aggiungono questa o quella provincia ai loro imperi o pittori che ottengono fama." Nonostante il grande successo e apprezzamento tra artisti, collezionisti e i critici più generosi, molti suoi amici ritenevano comunque che fosse stato ufficialmente trascurato, e nel 1874, poco tempo prima della sua morte, gli consegnarono una medaglia d'oro. Morì a Parigi per disturbi gastrici all'età di 78 anni ed è stato sepolto al cimitero di Père Lachaise. Molti seguaci si definirono allievi di Corot. I più noti sono Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux e Alexandre Defaux.