Jean-Léon Gérôme

1824-1904 French

Cumbre del academicismo

Jean-Léon Gérôme fue un pintor y escultor francés del estilo que hoy conocemos como academicismo. Sus pinturas se reproducían tan ampliamente que llegó a ser «probablemente el artista vivo más famoso del mundo en 1880». La variedad de su obra incluyó pintura histórica, mitología griega, orientalismo, retratos y otros temas, llevando la tradición de la pintura académica a su clímax artístico. Se le considera uno de los pintores más importantes de este periodo académico. También fue profesor con una larga lista de estudiantes. Jean-Léon Gérôme nació en Vesoul, Haute-Saône. Fue a París en 1840 donde estudió bajo la dirección de Paul Delaroche, a quien acompañó a Italia en 1843. Visitó Florencia, Roma, el Vaticano y Pompeya. A su regreso a París en 1844, como muchos estudiantes de Delaroche, se unió al taller de Charles Gleyre y estudió allí brevemente. Luego asistió a la École des Beaux-Arts. En 1846 intentó ingresar al prestigioso Premio de Roma, pero fracasó en la etapa final porque sus dibujos de figuras humanas eran deficientes. Su pintura La pelea de gallos (1846) es un ejercicio académico que representa a un joven desnudo y una mujer joven muy ligeramente vestida con dos gallos peleando, con la bahía de Nápoles al fondo. Envió esta pintura al Salón de París de 1847, donde obtuvo una medalla de tercer grado. Esta obra fue vista como la encarnación del movimiento Neo-Grec que se había formado en el taller de Gleyre (incluyendo a Henri-Pierre Picou y Jean-Louis Hamon), y fue defendida por el influyente crítico francés Théophile Gautier, cuya reseña hizo famoso a Gérôme y efectivamente lanzó su carrera. Gérôme abandonó su sueño de ganar el Premio de Roma y aprovechó su repentino éxito. Sus pinturas La Virgen, el Niño Jesús y San Juan y Anacreonte, Baco y Eros obtuvieron una medalla de segunda clase en el Salón de París en 1848. En 1849, produjo las pinturas Miguel Ángel (también llamada En su taller) y Retrato de una dama. En 1851 decoró una vasija que posteriormente fue ofrecida por el emperador Napoleón III de Francia al príncipe Alberto, y que ahora forma parte de la Colección Real en el Palacio de St. James en Londres. Exhibió Interior griego, Recuerdo de Italia, Baco y el Amor ebrio en 1851; Paestum en 1852; y Una idilio en 1853. En 1852, Gérôme recibió un encargo para pintar un mural grande con un tema alegórico de su elección. La edad de Augusto, el nacimiento de Cristo, que combinaba el nacimiento de Cristo con las naciones conquistadas rindiendo homenaje a Augusto, podría haber tenido como finalidad halagar a Napoleón III, cuyo gobierno encargó el mural y al que se identificaba como un «nuevo Augusto». Un anticipo considerable permitió a Gérôme viajar e investigar; primero en 1853 fue a Constantinopla junto con el actor Edmond Got, y en 1854 viajó a Grecia, Turquía y las orillas del Danubio, donde estuvo presente en un concierto de reclutas rusos que hacían música bajo la amenaza de un látigo. En 1853, Gérôme se mudó a la Boîte à Thé, un grupo de estudios en la Rue Notre-Dame-des-Champs, París. Este lugar se convirtió en un punto de encuentro para artistas, escritores y actores, donde George Sand entretenía a compositores como Hector Berlioz, Johannes Brahms y Gioachino Rossini, y a novelistas como Théophile Gautier e Iván Turguéniev. En 1854 completó otra comisión importante, decorando la capilla de San Jerónimo en la iglesia de San Severino en París. Su obra La última comunión de San Jerónimo en esta capilla refleja la influencia de la escuela de Ingres en sus obras religiosas. Para la Exposición Universal de 1855 presentó Pifferaro, pastor y La edad de Augusto, el nacimiento de Cristo, pero fue la modesta pintura Recreación en un campamento ruso la que atrajo más atención. En 1856, Gérôme visitó Egipto por primera vez. Su itinerario siguió la clásica Gran Gira del Oriente Próximo, subiendo por el Nilo hasta El Cairo, cruzando hacia Fayum, luego más arriba por el Nilo hasta Abu Simbel, y después de regreso al Cairo, a través de la península del Sinaí por el Sinaí y subiendo por el Wadi el-Araba hasta Jerusalén y finalmente Damasco. Esto marcó el comienzo de muchas pinturas orientalistas que representaban prácticas religiosas árabes, escenas de género y paisajes del norte de África. Entre ellas se encuentran pinturas en las que el entorno oriental se combina con representaciones de desnudos femeninos. El Mercado de esclavos, La Gran piscina de Bursa, Piscina en un harén y temas similares fueron obras de imaginación en las que Gérôme combinó con precisión detalles arquitectónicos del Medio Oriente observados por él mismo con desnudos idealizados pintados en su taller de París. (En 2019, el partido populista de derecha alemán Alternativa para Alemania utilizó El Mercado de esclavos en un cartel electoral durante las elecciones al Parlamento Europeo de 2019.) En sus viajes, Gérôme recolectó artefactos y trajes para recrear escenas orientales en el taller, y también realizó estudios al óleo directamente del natural para los fondos. En un ensayo autobiográfico de 1878, Gérôme describió lo importantes que eran para él los bocetos al óleo hechos sobre el terreno: "Incluso agotado tras largas marchas bajo el sol brillante, tan pronto como llegábamos al lugar de acampada me ponía a trabajar con concentración. ¡Pero ay! Cuántas cosas quedaban atrás de las cuales solo conservaba el recuerdo. Y prefiero tres toques de color sobre un pedazo de lienzo a la memoria más vívida, pero había que seguir adelante con cierta pena." La reputación de Gérôme aumentó considerablemente en el Salón de París de 1857 gracias a la exhibición de sus obras Reclutas egipcios cruzando el desierto, Memnón y Sesostri, Camellos bebiendo agua y Suite d'un bal masqué (adquirida por el duque de Aumale, actualmente en el Museo Condé en Chantilly; una copia realizada por Gérôme en 1859, El duelo después del baile de máscaras, se encuentra en el Museo de Arte Walters). En 1858, ayudó a decorar la casa parisina del príncipe Napoleón José Carlos Pablo Bonaparte al estilo pompeyano. El príncipe había comprado anteriormente su obra Interior griego (1850), una representación de un burdel también en el estilo pompeyano. En Ave Caesar! Morituri te Salutant, exhibida en el Salón de 1859, Gérôme regresó a la pintura de temas clásicos, pero la obra no logró interesar al público. El Rey Candaules (1859) y Frine ante el Areópago y Sócrates buscando a Alcibíades en casa de Aspasia (ambas de 1861) causaron cierto escándalo debido a los temas seleccionados por el pintor, e inspiraron duras críticas de Paul de Saint-Victor y Maxime Du Camp. También en el Salón de 1861 expuso Egipcios picando paja y Rembrandt mordiendo una aguafuerte, dos obras terminadas con gran minuciosidad. En 1863 se casó con Marie Goupil (1842–1912), hija del comerciante internacional de arte Adolphe Goupil. Tuvieron cuatro hijas y un hijo. Su hija mayor fue Jeanne (1863-1944), seguida por Suzanne (1867-1941; casada con Aimé Morot), Blanche (1868-1918) y Madeleine (1875-1905). Tras su matrimonio, se mudó a una casa en la Rue de Bruxelles, cerca de las Folies Bergère. La amplió convirtiéndola en una gran mansión con establos, con un taller de escultura en la parte inferior y un taller de pintura en el último piso. Gérôme fue nombrado uno de los tres profesores de la École des Beaux-Arts. Comenzó con dieciséis estudiantes. Entre 1864 y 1904, más de 2.000 alumnos recibieron al menos parte de su formación artística a través del taller de Gérôme en la École des Beaux-Arts. Las plazas en el taller de Gérôme eran limitadas, muy codiciadas y altamente competitivas. Sólo se admitía a los mejores estudiantes, y los aspirantes consideraban un honor ser seleccionados. Gérôme hacía progresar a sus alumnos mediante el dibujo de obras antiguas y moldes, seguido por estudios de modelos vivos generalmente elegidos según su físico, aunque ocasionalmente por su expresión facial, en una secuencia de ejercicios conocida como académie. Los estudiantes dibujaban partes de un busto antes del busto completo, y luego partes del modelo vivo antes de preparar figuras completas. Sólo cuando dominaban el dibujo a lápiz se les permitía trabajar con óleo. También se les enseñaba a dibujar con claridad y precisión antes de considerar las cualidades tonales. En su escuela, el suelo estaba inclinado para que los estudiantes tuvieran la mejor vista posible del modelo desde la parte trasera del aula. Los estudiantes rodeaban al modelo según su antigüedad, con los más veteranos en la parte posterior para poder dibujar la figura completa, mientras que los más jóvenes se sentaban en la parte frontal y se concentraban en el busto u otras partes de la anatomía. Según John Milner, quien estudió con Gérôme, su taller era el más «alborotador» y «libertino» de todos los estudios de la École des Beaux-Arts. Los estudiantes eran sometidos a ritos de iniciación extraños que incluían cortar las telas de sus compañeros, arrojar a estudiantes por las escaleras, por ventanas o sobre sillas volteadas, y organizar combates de esgrima desnudos sobre la tarima del modelo, con pinceles cargados de pintura. Gérôme asistía cada miércoles y sábado, exigiendo una asistencia puntual a sus instrucciones. Su reputación como crítico severo era muy conocida. Uno de sus estudiantes americanos, Stephen Wilson Van Shaick, comentó que Gérôme era 'implacable en el juicio', pero poseía un 'magnetismo singular'. Aunque Gérôme exigía mucho a sus alumnos, les ofrecía una considerable ayuda fuera de la École des Beaux-Arts, invitándolos a su taller personal, haciendo recomendaciones en su nombre al Salón y animándoles a estudiar con sus colegas. Gérôme fue elegido, en su quinto intento, miembro del Instituto de Francia en 1865. Ya era caballero de la Legión de Honor y fue ascendido a oficial en 1867. En 1869 fue elegido miembro honorario de la Real Academia Británica. El rey de Prusia, Guillermo I, le otorgó la Gran Cruz de la Orden del Águila Roja, tercera clase. Su influencia se volvió extensa y se convirtió en huésped habitual de la emperatriz Eugenia en la corte imperial de Compiègne. Junto con los artistas franceses más destacados, fue invitado a la inauguración del Canal de Suez en 1869. La Sociedad de Pintores Orientalistas Franceses, fundada en 1893, nombró a Gérôme presidente honorario. La ejecución del mariscal Ney se exhibió en el Salón de 1868. A petición de los descendientes de Ney, Gérôme fue invitado a retirar la pintura, pero no lo hizo. La recepción general fue muy dividida y el Salón de 1868 marcó el comienzo de una división duradera entre Gérôme y muchos críticos de arte franceses, quienes lo acusaron de recurrir a técnicas literarias, de comercializar el arte y de introducir la política en el arte. Henri Oulevay realizó una caricatura en la que Gérôme aparece frente a una pared con los críticos de arte como pelotón de fusilamiento. En 1872, Gérôme produjo Pollice Verso, una pintura de gladiadores sangrientos y vírgenes vestales sedientas de sangre en el Coliseo que se convirtió en una de sus obras más famosas. Alexander Turney Stewart compró la pintura a Gérôme por un precio de 80.000 francos, estableciendo un nuevo récord para el artista. La imagen creada por Gérôme del pulgar girado para señalar la vida o la muerte de un gladiador caído fue repetida en multitud de películas, desde la época del cine mudo hasta la película ganadora del Oscar en 2000, Gladiador. Gérôme regresó con éxito al Salón en 1873 con su pintura L'Éminence grise (Museo de Bellas Artes de Boston), una representación colorida del vestíbulo principal de la escalera del palacio del cardenal Richelieu, conocido popularmente como el Cardenal Rojo (L'Éminence rouge), quien fue el gobernante de facto de Francia bajo el rey Luis XIII desde 1624. En la pintura, François Leclerc du Tremblay, un fraile capuchino apodado L'Éminence grise (el Cardenal Gris), baja por la escalera ceremonial sumergido en la lectura de la Biblia mientras todos los demás o bien se inclinan ante él o fijan su mirada en él. Como consejero principal de Richelieu, L'Éminence grise era llamado En sus treinta años, Gérôme se dedicó a la escultura. Su primera obra fue una gran estatua de bronce de un gladiador apoyando su pie sobre su víctima, basada en su cuadro Pulgar hacia abajo (1872) y exhibida al público en la Exposición Universal de 1878. Ese mismo año expuso una estatua de mármol en el Salón de 1878, basada en su cuadro temprano Anacreonte, Baco y Eros (1848). Consciente de los experimentos contemporáneos sobre tintura del mármol (como los realizados por John Gibson), produjo Bailarina con tres máscaras, combinando movimiento y color, exhibida por primera vez en 1902 y actualmente en el Museo de Bellas Artes de Caen. Entre sus otras esculturas están Omphale (1887) y la estatua del duque de Aumale que se encuentra frente al Castillo de Chantilly (1899). Experimentó con ingredientes mixtos, utilizando para sus estatuas mármol tintado, bronce y marfil incrustados con piedras preciosas y pasta. Su obra Bailarina se exhibió en 1891. Su estatua de tamaño natural Bellona, hecha de marfil, bronce y gemas, atrajo gran atención en la exposición de 1892 en la Royal Academy de Londres. Entonces Gérôme comenzó una serie de conquistadores, elaborados en oro, plata y gemas: Napoleón entrando en El Cairo (1897), Tamerlán (1898) y Federico el Grande (1899). En 1903, Gérôme ejecutó una comisión escultórica de dos piezas, Trabajador metalúrgico y Ciencia metalúrgica, para el millonario estadounidense Charles M. Schwab con el fin de glorificar la producción del acero. Schwab envió a un verdadero trabajador siderúrgico a París para que posara como modelo de las obras. Durante las últimas décadas de su carrera, cuando sus propias obras cayeron en desuso, Gérôme fue muy crítico con el impresionismo. En 1894 causó un escándalo por su oposición a la herencia de Caillebotte al Estado, que finalmente se convirtió en la base de la colección del Museo de Orsay. Organizó una manifestación pública en su taller y concedió entrevistas a periodistas, incluyendo estos comentarios publicados en la revista L'Éclair: El Instituto de Francia no puede permanecer inmóvil ante un escándalo semejante... ¿Cómo se atreve el gobierno a acoger en un museo una colección tan absurda? ¿Ha visto usted esa colección? ¡El Estado, encargado de semejante basura!... ¿Qué lecciones van a recibir nuestros jóvenes artistas a partir de ahora? ¡Todos van a empezar a hacer impresionismo! ¡Ah! Esta gente cree que está pintando la naturaleza, ¡tan admirable en todas sus manifestaciones! ¡Qué pretensión! ¡La naturaleza no es para ellos! Este Monet, ¿recuerda sus catedrales? ¡Y ese hombre sabía cómo pintar antes! Sí, he visto cosas buenas suyas, pero ¡ahora! Del mismo modo, se opuso a la exposición conmemorativa de Manet en la École des Beaux Arts en 1884. Pero sí asistió a la inauguración, tras la cual le hizo a Manet el cumplido irónico de que la exposición «no era tan mala como pensaba». A partir de 1890, Gerome volvió a inspirarse en el mundo antiguo con una serie interconectada y sutilmente autorreferencial de pinturas y esculturas que representaban a Pigmalión y Galatea; el espíritu de Tanagra; y él mismo. En 1890, Gérôme realizó al menos dos pinturas del escultor griego mítico Pigmalión besando su estatua de Galatea en el preciso momento en que se transforma del mármol en carne viva. La más famosa de estas pinturas, titulada Pigmalión y Galatea, ahora está en el Museo Metropolitano de Arte; muestra al escultor y a su estatua viva desde la parte trasera. Una variación (en manos privadas) los muestra desde el frente. También en 1890, en respuesta al gran interés despertado por las recientes excavaciones en Grecia de las antiguas figurillas de Tanagra, Gérôme esculpió una figura de Tanagra de cinco pies de altura, hecha de mármol teñido, representando a una mujer desnuda que personificaba a la Tyche, o espíritu protector, de la antigua ciudad. Sostiene en su palma elevada una pequeña figura de una bailarina con aro femenina (una invención propia de Gérôme, inspirada pero no copiada de una verdadera figurilla de Tanagra). «Inspirado por su característico deseo tanto de precisión arqueológica como de realismo, Gérôme tinturó delicadamente la piel, el cabello, los labios y los pezones de su Tanagra, causando sensación en el Salón de 1890.» Gérôme creó posteriormente versiones más pequeñas en bronce dorado de Tanagra; varias versiones de la figura de la bailarina con aro sostenida por Tanagra (éstas se convirtieron en «la escultura más popular y ampliamente reproducida de Gérôme»); dos pinturas de un taller imaginario de la antigua Tanagra donde se exhiben copias de su propia Bailarina con aro; y dos autorretratos suyos mismos esculpiendo Tanagra a partir de un modelo vivo en su taller parisino, en los cuales pueden verse en el fondo una Bailarina con aro y dos versiones diferentes de Pigmalión y Galatea. Este complejo autorretrato ha sido calificado como «una síntesis de la notable carrera de Gérôme tanto como pintor como escultor». Gérôme también esculpió una escultura de mármol tintado de Pigmalión y Galatea (1891) basada en sus pinturas. En este ciclo de obras, con su exploración de la antigüedad clásica, la inspiración creativa, los dobles y la belleza femenina, vemos a Gérôme "evocando poderosamente la interacción continua entre pintura y escultura, realidad y artificio, así como resaltando la naturaleza inherentemente teatral del taller del artista." A partir de mediados de la década de 1890, en la última década de su vida, Gérôme realizó al menos cuatro pinturas que personificaban la Verdad como una mujer desnuda, ya sea arrojada a un pozo, en el fondo del mismo o emergiendo de él. La imagen se inspiró en un aforismo del filósofo Demócrito: "De la verdad no sabemos nada, porque la verdad está en un pozo." "La Verdad saliendo de su pozo, armada con su látigo para castigar a la humanidad" se exhibió en el Salón del Campo de Marte en 1896. Se ha asumido que la pintura era un comentario sobre el caso Dreyfus, pero el historiador del arte Bernard Tillier argumenta que las imágenes de la Verdad y el pozo realizadas por Gérôme formaban parte de su diatriba continua contra el impresionismo. El propio Gérôme invocó la metáfora de la Verdad y el pozo en un prefacio que escribió para Le Nu Esthétique de Émile Bayard, publicado en 1902, para caracterizar la profunda e irreversible influencia de la fotografía: La fotografía es un arte. La fotografía obliga a los artistas a desprenderse de las viejas rutinas y a olvidar las fórmulas antiguas. Nos ha abierto los ojos y nos ha forzado a mirar lo que antes nunca habíamos visto, un servicio precioso e invaluable que le ha prestado al Arte. Gracias a ella, la verdad por fin ha salido de su pozo. Ya no volverá a entrar. La fotografía es un arte. Obliga a los artistas a desechar sus antiguas rutinas y olvidar sus viejas fórmulas. Ha abierto nuestros ojos y nos ha obligado a ver aquello que antes no veíamos; un servicio grande e inexpresable para el Arte. Es gracias a la fotografía que la Verdad por fin ha salido de su pozo. Nunca más volverá atrás. En 2012, el Musée Anne de Beaujeu en Moulins, Francia, que ahora posee la pintura, organizó la exposición La vérité est au musée ("La verdad está en el museo"), que reunió numerosos dibujos, bocetos y variantes realizados por Gérôme y otros artistas relacionados con la pintura y su tema. Las múltiples interpretaciones del significado enigmático de la obra llevaron a uno de los comisarios del museo a decir: "Es nuestra Joconde." ("Esta es nuestra Mona Lisa.") Al final de su vida, Gérôme se sintió muy fuera de su tiempo. En 1903, recordando su primer encuentro con Charles Jalabert en 1840, escribió: En aquel tiempo, París no tenía nada que ver con el París actual: no había ferrocarriles, ni bicicletas, ni automóviles; estábamos menos agitados, y ciertos barrios, entre ellos el que habitábamos y al que llamábamos Barrio Latino, tenían un aspecto provinciano en su calma y tranquilidad. Ahora todo ha cambiado; ya no caminamos, corremos como locos; si no somos aplastados durante el día, tenemos buenas probabilidades de ser asesinados por la noche. Es encantador. Hemos sido testigos del fin de un mundo, estamos presenciando el amanecer de uno nuevo, que carece de pintoresquismo y sobre todo de serenidad. No está lejos el día en que, por nuestras costumbres, nuestras formas de ser, nuestro amor por el dólar (auri sacra fames), ya no seamos franceses, ni en espíritu ni en corazón. ¡Horrible pensar en ello! ¡Seremos americanos! El 31 de diciembre de 1903, Gérôme escribió a su alumno y antiguo ayudante Albert Aublet: "Estoy empezando a cansarme de la vida. He visto demasiada miseria y desgracia en la vida de los demás. Todavía la veo cada día, y tengo ganas de escapar de este teatro". Solo vivió diez días más. El 10 de enero de 1904, "la criada lo encontró muerto en la pequeña habitación contigua a su taller, desplomado frente a un retrato de Rembrandt y a los pies de su propia pintura La Verdad"—pero la fuente de esta anécdota, el biógrafo Moreau-Vauthier, no especifica cuál pintura de La Verdad. Tenía 79 años. A petición suya, se le dio un servicio funerario sencillo sin flores. Pero la misa de réquiem celebrada en su memoria fue asistida por un ex presidente de la República, los políticos más prominentes y muchos pintores y escritores. Fue enterrado en el Cementerio de Montmartre frente a la estatua La Douleur (El Dolor), que había fundido para su hijo Jean, quien murió en 1891. El legado de Gérôme continuó a través de las obras de sus miles de estudiantes de muchos países, entre ellos: Odilon Redon, Mary Cassatt, Vasili Vasílievich Vereshchagin, Stanisław Chlebowski, Ahmed Ali Bey, Henri-Camille Danger y Hosui Yamamoto, y muchos otros que viajaron a París desde Estados Unidos para estudiar con él, incluidos Thomas Eakins, Edwin Lord Weeks y Gottardo Piazzoni. La prodigiosa energía de Gérôme, su larga carrera y su gran popularidad dieron como resultado una extensa obra que ahora reside en museos y colecciones privadas de todo el mundo; el catálogo razonado revisado por Ackerman en 2018 incluye aproximadamente 700 pinturas y 70 esculturas. A principios de los años 1870, Gérôme era conocido por una asombrosa gama de exotismo visual, todo realizado con precisión y minuciosidad, logrado con capas delgadas de pintura que apenas revelaban trazos de pincel... Sus obras eran especialmente codiciadas por americanos ricos... A lo largo de su carrera, Gérôme vendió 144 pinturas a mecenas americanos, casi un cuarto de su producción. [Una obra de Gérôme en la mansión de Leland Stanford en Nob Hill fue destruida en el terremoto y el incendio de San Francisco en 1906.] A pesar de su producción prodigiosa y su enorme éxito transatlántico, la mayoría de los artículos académicos de las últimas décadas citan la obra de Gérôme como una mezcla nociva de lo trivial, lo explotador y lo estancado académicamente. Sin embargo, la más reciente investigación está reevaluando a Gérôme y su importancia en el siglo XIX. Un ensayo de 2010 de la historiadora del arte Mary G. Morton… señala que, al contrario de la mayoría de las perspectivas del siglo veinte y veintiuno… los [estadounidenses del siglo XIX] encontraban las pinturas de Gérôme complejas, instructivas y completamente modernas. Sus imágenes bien investigadas y detalladas de combates de gladiadores, carreras de carros, mercados de esclavos y muchos otros temas del mundo antiguo crearon una impresión indeleble en la cultura popular. Su imagen etnográfica de la cultura árabe e islámica, polémica en su propia vida, ahora se examina aún más de cerca, al igual que su afición por la desnudez femenina; los críticos modernos plantean cuestiones de «apropiación cultural» y «explotación sexual». Estos asuntos de sexo y raza quedaron ejemplificados por el uso en 2019 de su pintura El mercado de esclavos en un cartel de campaña antimusulmán por parte del partido populista de derecha alemán Alternativa para Alemania, lo cual causó consternación en el museo estadounidense propietario de la obra. A pesar de las acusaciones de que las pinturas orientalistas de Gérôme (y otros) explotaban y se complacían en estereotipos de las culturas árabes y musulmanas, ahora hay "un alto nivel de interés en coleccionar el arte de Gérôme en Medio Oriente", como lo demuestra el alto precio pagado en subasta por sus obras por parte de la Autoridad de los Museos de Catar en Doha. "Quieren recuperarlo y tenerlo para sí mismos", dice la historiadora del arte Emily M. Weeks. El industrial y coleccionista de arte egipcio Shafik Gabr ve a Gérôme y a otros pintores orientalistas como "globalizadores tempranos intrépidos que arriesgaron su vida para documentar un nuevo mundo abierto por la expedición napoleónica a Egipto entre 1798 y 1801... 'He estado inspirado por estos pintores... Estas personas viajaron en circunstancias muy difíciles sin saber qué esperar. No viajaron para conquistar o encontrar petróleo. Viajaron para descubrir y comprender'." La fuerte oposición de Gérôme al impresionismo fue un argumento perdedor, y su obra fue relegada a los márgenes de la historia del arte por críticos, historiadores y profesionales de museos que creían que sus temas elegidos corrompieron los fines más elevados del arte, conduciendo así al comercialismo... también se opusieron a su orientalismo, al que calumniaron por ser falso, una perversion o invención del Oriente verdadero... Ahora, con la exposición en el Museo Getty y una versión más grande de la muestra que se inaugurará en el Musée d'Orsay en octubre de 2010, Gérôme está recibiendo finalmente la atención que merece. Ya no quedará perdido en el tiempo, aunque sus pinturas, la forma en que las desarrolló y su relación con muchos de los asuntos importantes de la creatividad artística del siglo XIX y posteriores seguirán siendo polémicos. Al igual que otros pintores del realismo clásico y del arte académico del siglo XIX, el prestigio y la popularidad de Gérôme disminuyeron drásticamente en el siglo XX; su cuadro El encantador de serpientes, que se vendió por 19.500 dólares en 1888, se vendió por 500 dólares en 1942. Ahora sus obras vuelven a ser muy codiciadas en el mercado internacional del arte. En 2008, su pintura Femme circassienne voilée o Bella circasiana velada (1876) se subastó por 2.057.250 libras esterlinas; actualmente pertenece a las Autoridades de los Museos de Catar en Doha. En 2019, su cuadro El harén en el quiosco (c. 1870-1875) alcanzó las 2.655.000 libras esterlinas en una subasta, y su pintura Jinetes cruzando el desierto (1870) alcanzó las 3.135.000 libras esterlinas. La colección más amplia de obras de Gérôme puede ser la que comprende varias salas dedicadas a exponer sus pinturas y esculturas en el Museo Georges-Garret, en su ciudad natal, Vesoul. Gérôme donó varias obras al museo durante su vida, y sus herederos donaron más obras después de su muerte.