Berthe Morisot

1841-1895 French

Führende französische Impressionistin

Berthe Marie Pauline Morisot war eine französische Malerin und Mitglied des Kreises von Malern in Paris, die als Impressionisten bekannt wurden. Im Jahr 1864 stellte Morisot zum ersten Mal im hochangesehenen Pariser Salon aus. Der vom Staat geförderte und von Akademikern bewertete Salon war die offizielle jährliche Ausstellung der Académie des Beaux-Arts in Paris. Ihr Werk wurde für sechs aufeinanderfolgende Salons ausgewählt, bis sie 1874 den „abgelehnten“ Impressionisten beitrat und an ihrer ersten eigenen Ausstellung teilnahm, zu der Paul Cézanne, Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir und Alfred Sisley gehörten. Diese fand im Atelier des Fotografen Nadar statt. Morisot nahm anschließend zwischen 1874 und 1886 an allen acht folgenden impressionistischen Ausstellungen außer einer teil. Morisot heiratete Eugène Manet, den Bruder ihres Freundes und Kollegen Édouard Manet. Gustave Geffroy beschrieb sie 1894 als eine der „drei großen Damen“ des Impressionismus neben Marie Bracquemond und Mary Cassatt. Morisot wurde am 14. Januar 1841 in Bourges, Frankreich, in eine wohlhabende bürgerliche Familie geboren. Ihr Vater, Edmé Tiburce Morisot, war der Präfekt (höherer Verwaltungsbeamter) des Départements Cher. Er studierte auch Architektur an der École des Beaux-Arts. Ihre Mutter, Marie-Joséphine-Cornélie Thomas, war die Urenkelin von Jean-Honoré Fragonard, einem der produktivsten Rokoko-Maler des Ancien Régime. Sie hatte zwei ältere Schwestern, Yves (1838–1893) und Edma (1839–1921), sowie einen jüngeren Bruder, Tiburce, geboren 1848. Die Familie zog 1852 nach Paris, als Morisot noch ein Kind war. Es war üblich, dass Töchter bürgerlicher Familien eine Kunstausbildung erhielten, daher wurden Berthe und ihre Schwestern Yves und Edma privat von Geoffroy-Alphonse Chocarne und Joseph Guichard unterrichtet. Die Morisot-Schwestern begannen zunächst mit dem Unterricht, um jeweils ein Gemälde für den Geburtstag ihres Vaters anzufertigen. Im Jahr 1857 führte Guichard, der eine Mädchenschule in der Rue des Moulins betrieb, Berthe und Edma in die Galerie des Louvre ein, wo sie ab 1858 durch das Kopieren von Gemälden lernten. Den Morisot-Schwestern war es nicht nur untersagt, ohne Begleitung im Museum zu arbeiten, sondern sie durften auch keinerlei offizielle Ausbildung erhalten. Guichard stellte ihnen zudem die Werke Gavarnis vor. Als Kunststudentinnen arbeiteten Berthe und Edma bis 1869 eng zusammen, als Edma den Marineoffizier Adolphe Pontillon heiratete, nach Cherbourg zog und weniger Zeit zum Malen hatte. Die Briefe zwischen den Schwestern zeigen eine liebevolle Beziehung, die durch Berties Bedauern über die Distanz zwischen ihnen und Edmas Rückzug aus der Malerei unterstrichen wird. Edma unterstützte Berties fortgesetzte Arbeit von ganzem Herzen, und ihre Familien blieben stets nah beieinander. Edma schrieb: „… Ich bin oft mit dir im Gedanken, liebe Berthe. Ich bin in deinem Atelier und mag mich für nur eine Viertelstunde davonstehlen, um jene Atmosphäre einzuatmen, die wir viele Jahre lang gemeinsam geteilt haben…“. Ihre Schwester Yves heiratete 1866 den Steuerinspektor Théodore Gobillard und wurde von Edgar Degas als Madame Théodore Gobillard gemalt (Metropolitan Museum of Art, New York City). Als Kopistin im Louvre lernte Morisot andere Künstler wie Manet und Monet kennen und freundete sich mit ihnen an. Im Jahr 1861 wurde sie Jean-Baptiste-Camille Corot vorgestellt, dem bedeutenden Landschaftsmaler der Barbizon-Schule, der auch in der Figurenmalerei hervorragend war. Unter Corots Einfluss nahm sie die Methode des Arbeitens im Freien (Pleinair) auf. Bis 1863 studierte sie bei Achille Oudinot [fr], einem weiteren Maler der Barbizon-Schule. Im Winter 1863–64 studierte sie Bildhauerei bei Aimé Millet, aber es ist nicht bekannt, dass eine ihrer Skulpturen überlebt hat. Es ist schwierig, die Phasen von Morisots Ausbildung nachzuvollziehen und den genauen Einfluss ihrer Lehrer zu bestimmen, da sie mit ihren Arbeiten nie zufrieden war und fast alle Kunstwerke, die sie vor 1869 schuf, zerstörte. Ihr erster Lehrer, Geoffroy-Alphonse Chocarne, unterrichtete sie in den Grundlagen des Zeichnens. Nach einigen Monaten begann Morisot, Kurse bei Guichard zu besuchen. In dieser Zeit zeichnete sie hauptsächlich antike klassische Figuren. Als Morisot ihr Interesse an der Freiluftmalerei zum Ausdruck brachte, schickte sie Guichard, um Corot und Oudinot zu folgen. Beim Malen im Freien verwendete sie leicht transportierbare Aquarelle. Zu dieser Zeit entwickelte Morisot auch ein Interesse an Pastell. In dieser Zeit fand Morisot die Ölmalerei weiterhin schwierig und arbeitete hauptsächlich in Aquarell. Ihre Farbgebung ist eher zurückhaltend; dennoch erzeugt die zarte Wiederholung der Farbtöne einen ausgewogenen Effekt. Aufgrund der spezifischen Eigenschaften von Aquarell als Medium konnte Morisot eine durchscheinende Atmosphäre und eine federleichte Pinselführung schaffen, was zur Frische ihrer Gemälde beiträgt. Immer sicherer in der Ölmalerei geworden, arbeitete Morisot gleichzeitig mit Öl, Aquarell und Pastell, wie es auch Degas tat. Sie malte sehr schnell, fertigte jedoch viele Skizzen als Vorbereitung an, sodass sie „einen Mund, Augen und eine Nase mit einem einzigen Pinselstrich“ malen konnte. Sie schuf unzählige Studien ihrer Motive, die aus ihrem eigenen Leben stammten, wodurch sie ihnen sehr vertraut wurde. Als das Malen im Freien unpraktisch wurde, ermöglichten ihr die in den vorbereitenden Phasen hochausgearbeiteten Aquarelle, später weiterhin drinnen zu malen. Nach 1885 begann das Zeichnen in Morisots Werken zunehmend die Führung zu übernehmen. Morisot experimentierte aktiv mit Kohle und Buntstiften. Ihr wiedererstarktes Interesse am Zeichnen wurde von ihren impressionistischen Freunden angeregt, die dafür bekannt waren, Formen zu verwischen. In dieser Zeit legte Morisot Wert auf die Klarheit von Form und Linie. Zudem ließ sie sich von der Fotografie und dem Japonismus beeinflussen. Sie übernahm den Stil, Objekte vom Zentrum der Komposition wegzurücken, wie er in den japanischen Drucken jener Zeit üblich war. Morisot begann, die Technik des Quadrierens und das Medium der Transparentpapier zu verwenden, um ihre Zeichnungen exakt auf die Leinwand zu übertragen. Durch den Einsatz dieser neuen Methode konnte Morisot Kompositionen mit komplexeren Interaktionen zwischen den Figuren schaffen. Sie betonte die Komposition und die Formen, während ihre impressionistischen Pinselstriche weiterhin erhalten blieben. Ihre ursprüngliche Synthese des impressionistischen Strichs mit breiten Pinselbewegungen und Lichtreflexionen sowie der grafische Ansatz durch klare Linien machten ihre späten Werke besonders charakteristisch. Da sie eine Künstlerin war, wurden die Gemälde von Morisot oft von männlichen Kritikern als voller „weiblicher Anmut“ etikettiert, aufgrund ihrer Eleganz und Leichtigkeit. Im Jahr 1890 schrieb Morisot in ein Notizbuch über ihre Kämpfe, ernst genommen zu werden: „Ich glaube nicht, dass es jemals einen Mann gab, der eine Frau als gleichwertig behandelte, und das wäre alles gewesen, was ich mir gewünscht hätte, denn ich weiß, dass ich genauso viel wert bin wie sie.“ Ihre leichten Pinselstriche führten dazu, dass Kritiker das Verb „effleurer“ (leicht berühren, streifen) verwendeten, um ihre Technik zu beschreiben. In ihrem frühen Leben malte Morisot im Freien, wie andere Impressionisten, um in der Beobachtung nach Wahrheiten zu suchen. Um 1880 begann sie auf ungegrundeten Leinwänden zu malen – eine Technik, die auch Manet und Eva Gonzalès damals ausprobierten – und ihr Pinselstrich wurde lockerer. In den Jahren 1888–89 wechselten ihre Pinselstriche von kurzen, schnellen Strichen zu langen, geschwungenen Linien, die Formen definieren. Die äußeren Ränder ihrer Gemälde blieben oft unvollendet, sodass die Leinwand durchschien und das Gefühl der Spontaneität zunahm. Nach 1885 arbeitete sie meist von vorbereitenden Zeichnungen aus, bevor sie ihre Ölgemälde begann. Sie arbeitete auch gleichzeitig mit Öl, Aquarell und Pastell und fertigte Skizzen mit verschiedenen Zeichenmedien an. Morisots Werke sind fast immer kleinformatig. Morisot erzeugt durch den Einsatz von Farbe ein Gefühl von Raum und Tiefe. Obwohl ihre Farbpalette eher begrenzt war, betrachteten ihre impressionistischen Kollegen sie als „virtuose Farbkünstlerin“. Sie setzte typischerweise weitreichend Weiß ein, um Transparenz zu erzeugen, sei es in reiner Form oder gemischt mit anderen Farben. In ihrem großen Gemälde Der Kirschbaum sind die Farben lebhafter, werden jedoch weiterhin zur Betonung der Form eingesetzt. Angeregt durch Manets Zeichnungen beschränkte sie den Farbeinsatz beim Aufbau eines Motivs auf ein Minimum. Als Reaktion auf die Experimente von Manet und Edgar Degas verwendete Morisot kaum getönte Weißtöne, um ihre Gemälde in Einklang zu bringen. Wie Degas bediente sie sich in einem einzigen Bild gleichzeitig dreier Medien: Aquarell, Pastell und Ölfarbe. In der zweiten Hälfte ihres Schaffens lernte sie von Renoir, indem sie dessen Motive nachahmte. In ihren späteren Werken teilte sie zudem das Interesse an der Balance zwischen der Figurendichte und den atmosphärischen Eigenschaften des Lichts mit Renoir. Morisot malte das, was sie täglich erlebte. Die meisten ihrer Gemälde zeigen häusliche Szenen mit Familie, Kindern, Frauen und Blumen und vermitteln ein Bild davon, wie das Leben von Frauen im späten 19. Jahrhundert aussah. Statt öffentliche Räume und die Gesellschaft darzustellen, bevorzugte Morisot private, intime Szenen. Dies spiegelt gewissermaßen die kulturellen Einschränkungen ihrer Klasse und ihres Geschlechts zu jener Zeit wider. Wie ihre impressionistische Kollegin Mary Cassatt konzentrierte sie sich auf das häusliche Leben und Porträts, in denen sie Familie und persönliche Freunde als Modelle nutzen konnte, darunter ihre Tochter Julie und ihre Schwester Edma. Ihre stenografische Darstellung des Alltags vermittelt einen starken Wunsch, den flüchtigen Lauf der Zeit anzuhalten. Durch die Darstellung von Blumen nutzte sie Metaphern, um die Weiblichkeit zu feiern. Vor den 1860er Jahren malte Morisot Themen im Stil der Barbizon-Schule, bevor sie sich Szenen zeitgenössischer Weiblichkeit zuwandte. Gemälde wie Wiege (1872), in dem sie aktuelle Trends bei Babyausstattung darstellt, spiegeln ihr Empfinden für Mode und Werbung wider, beides Aspekte, die ihrem weiblichen Publikum offensichtlich gewesen wären. Zu ihren Werken gehören auch Landschaften, Gartenszenen, Bootsfahrten sowie Themen der Langeweile oder Melancholie. Später in ihrer Karriere wandte sich Morisot anspruchsvolleren Themen zu, etwa Aktdarstellungen. In ihren späten Werken griff sie oft auf die Vergangenheit zurück, um an ihr früheres Leben, ihre Jugend und ihre verstorbenen Gefährten zu erinnern. Morisots erster Auftritt im Pariser Salon erfolgte 1864 im Alter von dreiundzwanzig Jahren mit der Aufnahme von zwei Landschaftsgemälden. Sie setzte ihre regelmäßigen Ausstellungen im Salon fort und erhielt allgemein positive Kritiken bis 1873, dem Jahr vor der ersten impressionistischen Ausstellung. Ab 1874 beteiligte sie sich an den Ausstellungen der Impressionisten, fehlte jedoch 1878, als ihre Tochter geboren wurde. Die angebliche Hinwendung des Impressionismus zu brillanten Farben, sinnlichen Oberflächeneffekten und flüchtigen Sinneswahrnehmungen veranlasste eine Reihe von Kritikern retrospektiv zu behaupten, dieser Stil, der einst vor allem das Schlachtfeld sorgloser, kämpferischer Männer gewesen sei, sei inhärent feminin und am besten geeignet für die schwächeren Temperamente, geringeren intellektuellen Fähigkeiten und größere Sinnlichkeit der Frauen. Während der Ausstellung von Morisot im Jahr 1874 mit den Impressionisten wie Monet und Manet bemerkte der Kritiker des Figaro, Albert Wolff, dass die Impressionisten aus „fünf oder sechs Verrückten bestanden, von denen einer eine Frau war ... [deren] weibliche Anmut inmitten der Ausbrüche eines wahnsinnigen Geistes bewahrt wurde.“ Morisots reife Karriere begann im Jahr 1872. Sie fand ein Publikum für ihre Werke bei Durand-Ruel, dem privaten Händler, der zweiundzwanzig Gemälde kaufte. Im Jahr 1877 wurde sie vom Kritiker der Zeitung Le Temps als „die einzige echte Impressionistin in dieser Gruppe“ beschrieben. Sie entschied sich, unter ihrem vollständigen Jungfernnamen auszustellen, anstatt einen Pseudonym oder ihren Ehenamen zu verwenden. Mit der Verbesserung ihrer Technik und ihres Stils begannen viele, ihre Meinung über Morisot zu überdenken. Bei der Ausstellung von 1880 bewerteten viele Kritiker Morisot als eine der Besten, darunter auch der Kritiker des Figaro, Albert Wolff. Morisot stammte aus einer angesehenen Familie, war die Tochter eines Regierungsbeamten und die Urenkelin des berühmten Rokoko-Künstlers Jean-Honoré Fragonard. Sie traf ihren langjährigen Freund und Kollegen Édouard Manet im Jahr 1868. Durch die Einführung von Manet heiratete Morisot 1874 Édouards Bruder Eugène Manet. Am 14. November 1878 gebar sie ihr einziges Kind, Julie, das häufig für ihre Mutter und andere Impressionisten modellierte, darunter Renoir und ihr Onkel Édouard. Der Briefwechsel zwischen Morisot und Édouard Manet zeugt von herzlicher Zuneigung; Manet schenkte ihr einen Staffelei als Weihnachtsgeschenk. Morisot modellierte häufig für Manet, der mehrere Porträts von ihr anfertigte, darunter Ruhe (Porträt von Berthe Morisot) und Berthe Morisot mit einem Blumenstrauß. Morisot starb am 2. März 1895 in Paris an einer Lungenentzündung, die sie sich bei der Pflege ihrer Tochter Julie zuzog, die an einer ähnlichen Krankheit litt, wodurch Julie im Alter von sechzehn Jahren zur Waise wurde. Sie wurde auf dem Cimetière de Passy beigesetzt.