Berthe Morisot

1841-1895 French

Grande dame de l'impressionnisme

Berthe Marie Pauline Morisot était une peintre française et membre du cercle de peintres à Paris qui sont devenus connus sous le nom d'Impressionnistes. En 1864, Morisot expose pour la première fois au Salon de Paris, hautement estimé. Soutenu par le gouvernement et jugé par des académiciens, le Salon était l'exposition annuelle officielle de l'Académie des beaux-arts à Paris. Son œuvre est sélectionnée pour être exposée lors de six Salons consécutifs jusqu'en 1874, où elle rejoint les impressionnistes « rejetés » dans leur première exposition individuelle, qui comprenait Paul Cézanne, Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir et Alfred Sisley. Elle se tient dans l'atelier du photographe Nadar. Morisot participe ensuite à toutes les huit expositions impressionnistes suivantes, sauf une, entre 1874 et 1886. Morisot a épousé Eugène Manet, le frère de son ami et collègue Édouard Manet. En 1894, Gustave Geffroy la décrit comme l'une des « trois grandes dames » de l'impressionnisme, aux côtés de Marie Bracquemond et Mary Cassatt. Berthe Morisot naît le 14 janvier 1841 à Bourges, en France, au sein d'une famille bourgeoise aisée. Son père, Edmé Tiburce Morisot, est préfet du département du Cher. Il étudie également l'architecture à l'École des Beaux-Arts. Sa mère, Marie-Joséphine-Cornélie Thomas, est la petite-nièce de Jean-Honoré Fragonard, l'un des peintres rococo les plus prolifiques de l'Ancien Régime. Elle a deux sœurs aînées, Yves (1838–1893) et Edma (1839–1921), ainsi qu'un frère cadet, Tiburce, né en 1848. La famille déménage à Paris en 1852, alors que Berthe Morisot est encore enfant. Il était courant que les filles des familles bourgeoises reçoivent une éducation artistique, aussi Berthe et ses sœurs Yves et Edma furent-elles instruites par Geoffroy-Alphonse Chocarne et Joseph Guichard. Les Morisot commencèrent initialement à prendre des leçons afin de pouvoir chacune offrir un dessin à leur père pour son anniversaire. En 1857, Guichard, qui dirigeait une école de jeunes filles rue des Moulins, présenta Berthe et Edma à la galerie du Louvre où, dès 1858, elles apprirent en copiant des tableaux. Les Morisot n'étaient pas seulement interdites de travailler au musée sans accompagnateur, mais elles étaient également totalement exclues d'une formation officielle. Guichard leur fit également découvrir les œuvres de Gavarni. En tant qu'étudiantes en art, Berthe et Edma ont travaillé étroitement ensemble jusqu'en 1869, année où Edma a épousé Adolphe Pontillon, un officier de marine, a déménagé à Cherbourg et a eu moins de temps pour peindre. Les lettres échangées entre les sœurs révèlent une relation affectueuse, soulignée par le regret de Berthe concernant la distance qui les séparait et le retrait d'Edma de la peinture. Edma a pleinement soutenu la poursuite du travail de Berthe et leurs familles sont restées proches tout au long des années. Edma a écrit : « … Je suis souvent avec toi dans ma pensée, chère Berthe. Je suis dans ton atelier et j'aime m'échapper, ne serait-ce que pour un quart d'heure, pour respirer cette atmosphère que nous avons partagée pendant de nombreuses années… ». Sa sœur Yvonne a épousé en 1866 Théodore Gobillard, inspecteur des impôts, et a été peinte par Edgar Degas sous le titre de Madame Théodore Gobillard (Metropolitan Museum of Art, New York). En tant que copiste au Louvre, Morisot a rencontré et s'est liée d'amitié avec d'autres artistes tels que Manet et Monet. En 1861, elle a été présentée à Jean-Baptiste-Camille Corot, le peintre de paysages pivotal de l'école de Barbizon qui excellait également dans la peinture de figures. Sous l'influence de Corot, elle a adopté la méthode de travail en plein air (en extérieur). D'ici 1863, elle étudiait sous Achille Oudinot [fr], un autre peintre de Barbizon. Pendant l'hiver 1863-64, elle a étudié la sculpture sous Aimé Millet, mais aucune de ses sculptures n'est connue pour avoir survécu. Il est difficile de retracer les étapes de la formation de Morisot et d'évaluer l'influence exacte de ses enseignants, car elle n'était jamais satisfaite de son travail et a détruit presque toutes les œuvres qu'elle avait produites avant 1869. Son premier professeur, Geoffroy-Alphonse Chocarne, lui enseigna les bases du dessin. Après plusieurs mois, Morisot commença à suivre les cours de Guichard. Pendant cette période, elle dessina principalement des figures classiques antiques. Lorsque Morisot exprima son intérêt pour la peinture en plein air, Guichard l'envoya suivre Corot et Oudinot. En peignant en extérieur, elle utilisait des aquarelles faciles à transporter. À cette époque, Morisot s'intéressa également au pastel. Pendant cette période, Morisot trouvait encore la peinture à l'huile difficile et travaillait principalement en aquarelle. Son choix de couleurs est plutôt sobre ; cependant, la répétition délicate des teintes produit un effet équilibré. Grâce aux caractéristiques spécifiques de l'aquarelle comme médium, Morisot a pu créer une atmosphère translucide et une touche aérienne, qui contribuent à la fraîcheur de ses peintures. Devenant plus confiante dans la peinture à l'huile, Morisot travaillait simultanément l'huile, l'aquarelle et le pastel, comme Degas. Elle peignait très rapidement mais effectuait de nombreux croquis en préparation, ce qui lui permettait de peindre « une bouche, des yeux et un nez d'un seul trait ». Elle réalisa d'innombrables études de ses sujets, tirés de sa propre vie, ce qui la rendit très familière avec eux. Lorsque la peinture en plein air devint peu pratique, les aquarelles hautement abouties réalisées lors des étapes préparatoires lui permirent de continuer à peindre à l'intérieur par la suite. Après 1885, le dessin a commencé à dominer dans les œuvres de Morisot. Morisot a activement expérimenté le fusain et les crayons de couleur. Son intérêt renouvelé pour le dessin était motivé par ses amis impressionnistes, connus pour estomper les formes. Pendant cette période, Morisot a mis l'accent sur la clarification des formes et des lignes. De plus, elle a été influencée par la photographie et le japonisme. Elle a adopté le style consistant à placer les objets loin du centre de la composition, tel qu'on le voyait dans les estampes japonaises de l'époque. Morisot a commencé à utiliser la technique du quadrillage et le médium du papier calque pour transcrire ses dessins sur la toile avec précision. En adoptant cette nouvelle méthode, Morisot a pu créer des compositions présentant des interactions plus complexes entre les figures. Elle a mis l'accent sur la composition et les formes tout en conservant ses touches impressionnistes caractéristiques. Sa synthèse originale de la touche impressionniste avec des coups de pinceau larges et des reflets lumineux, ainsi que son approche graphique marquée par des lignes claires, ont rendu ses œuvres tardives distinctives. En tant qu'artiste femme, les peintures de Morisot étaient souvent étiquetées par les critiques masculins comme étant pleines de « charme féminin », en raison de leur élégance et de leur légèreté. En 1890, Morisot a écrit dans un carnet ses luttes pour être prise au sérieux en tant qu'artiste : « Je ne pense pas qu'il y ait jamais eu d'homme qui ait traité une femme comme une égale, et c'est tout ce que j'aurais demandé, car je sais que je vaux autant qu'eux. » Ses coups de pinceau légers ont souvent amené les critiques à utiliser le verbe « effleurer » pour décrire sa technique. Dans sa jeunesse, Morisot peignait en plein air, comme les autres impressionnistes, pour chercher la vérité dans l'observation. Vers 1880, elle a commencé à peindre sur des toiles non apprêtées — une technique que Manet et Eva Gonzalès expérimentaient également à l'époque — et son travail du pinceau est devenu plus lâche. Entre 1888 et 1889, ses coups de pinceau sont passés de traits courts et rapides à des traits longs et sinueux qui définissent la forme. Les bords extérieurs de ses tableaux étaient souvent laissés inachevés, laissant apparaître la toile et augmentant le sentiment de spontanéité. Après 1885, elle travaillait principalement à partir de dessins préparatoires avant de commencer ses peintures à l'huile. Elle travaillait également simultanément à l'huile, à l'aquarelle et au pastel, et faisait des croquis avec divers médiums de dessin. Les œuvres de Morisot sont presque toujours de petite taille. Morisot crée un sentiment d'espace et de profondeur par l'utilisation de la couleur. Bien que sa palette de couleurs fût quelque peu limitée, ses collègues impressionnistes la considéraient comme une « virtuose de la couleur ». Elle utilisait généralement abondamment le blanc pour créer une sensation de transparence, qu'il soit pur ou mélangé à d'autres couleurs. Dans son grand tableau, L'Arbre aux cerises, les couleurs sont plus vives mais restent utilisées pour souligner la forme. Inspirée par les dessins de Manet, elle a limité au minimum l'utilisation des couleurs lors de la construction d'un motif. En réponse aux expériences menées par Manet et Edgar Degas, Morisot a utilisé des blancs presque non teintés pour harmoniser ses peintures. Comme Degas, elle a joué avec trois médiums simultanément dans une même peinture : l'aquarelle, le pastel et la peinture à l'huile. Dans la seconde moitié de sa carrière, elle a appris de Renoir en imitant ses motifs. Elle a également partagé un intérêt commun avec Renoir pour maintenir un équilibre entre la densité des figures et les traits atmosphériques de la lumière dans ses œuvres ultérieures. Morisot peignait ce qu’elle expérimentait au quotidien. La plupart de ses toiles incluent des scènes domestiques de famille, d’enfants, de femmes et de fleurs, illustrant à quoi ressemblait la vie des femmes à la fin du XIXe siècle. Au lieu de représenter l’espace public et la société, Morisot préférait les scènes privées et intimes. Cela reflète en quelque sorte les restrictions culturelles liées à sa classe et à son genre à cette époque. Comme sa compagne impressionniste Mary Cassatt, elle s’est concentrée sur la vie domestique et les portraits, où elle pouvait utiliser sa famille et ses amis proches comme modèles, y compris sa fille Julie et sa sœur Edma. Sa présentation sténographique de la vie quotidienne transmet un fort espoir d’arrêter le passage fugace du temps. En peignant des fleurs, elle utilisait des métaphores pour célébrer la féminité. Avant les années 1860, Morisot peignait des sujets conformes à l’école de Barbizon avant de se tourner vers des scènes de féminité contemporaine. Des tableaux comme Le Berceau (1872), dans lequel elle dépeint les tendances actuelles en matière de mobilier pour nourrissons, reflètent sa sensibilité à la mode et à la publicité, deux aspects qui auraient été évidents pour son audience féminine. Ses œuvres comprennent également des paysages, des jardins, des scènes de navigation et des thèmes liés à l’ennui ou à la mélancolie. Plus tard dans sa carrière, Morisot a travaillé sur des thèmes plus ambitieux, tels que les nus. Dans ses dernières œuvres, elle faisait souvent référence au passé pour évoquer le souvenir de sa jeunesse et de ses compagnons disparus. La première participation de Morisot au Salon de Paris eut lieu à l'âge de vingt-trois ans en 1864, avec l'acceptation de deux paysages. Elle continua à exposer régulièrement au Salon, obtenant généralement des critiques favorables, jusqu'en 1873, l'année précédant la première exposition impressionniste. Elle exposa avec les Impressionnistes à partir de 1874, manquant uniquement celle de 1878 lorsque sa fille naquit. L'attachement supposé de l'impressionnisme à des couleurs éclatantes, à des effets de surface sensuels et à des perceptions sensorielles fugaces a conduit un certain nombre de critiques à affirmer rétrospectivement que ce style, initialement principalement le champ de bataille d'hommes insouciants et combatifs, était intrinsèquement féminin et mieux adapté aux tempéraments plus faibles des femmes, à leurs capacités intellectuelles moindres et à leur sensibilité accrue. Lors de l'exposition de Morisot en 1874 avec les impressionnistes, tels que Monet et Manet, le critique du Figaro Albert Wolff a noté que les impressionnistes étaient composés de « cinq ou six fous dont une est une femme... [dont] la grâce féminine est maintenue au milieu des déversements d'un esprit délirant. » La carrière mature de Morisot a débuté en 1872. Elle a trouvé un public pour ses œuvres grâce à Durand-Ruel, le marchand d'art privé, qui a acheté vingt-deux tableaux. En 1877, elle a été décrite par le critique du Temps comme « la seule véritable impressionniste de ce groupe ». Elle a choisi d'exposer sous son nom complet de jeune fille plutôt que d'utiliser un pseudonyme ou son nom marié. À mesure que sa technique et son style s'amélioraient, beaucoup ont commencé à revoir leur opinion sur Morisot. Lors de l'exposition de 1880, de nombreux critiques ont jugé Morisot parmi les meilleurs, y compris le critique du Figaro, Albert Wolff. Morisot provenait d'une famille éminente, fille d'un fonctionnaire et arrière-petite-nièce du célèbre artiste rococo Jean-Honoré Fragonard. Elle rencontra son ami et collègue de longue date, Édouard Manet, en 1868. Grâce à l'introduction de Manet, Morisot épousa le frère d'Édouard, Eugène Manet, en 1874. Le 14 novembre 1878, elle donna naissance à son unique enfant, Julie, qui posa fréquemment pour sa mère et d'autres artistes impressionnistes, dont Renoir et son oncle Édouard. La correspondance entre Morisot et Édouard Manet témoigne d'une affection chaleureuse ; Manet lui offrit un chevalet en cadeau de Noël. Morisot posa souvent pour Manet, qui réalisa plusieurs portraits d'elle, tels que Repos (Portrait de Berthe Morisot) et Berthe Morisot avec un bouquet. Morisot mourut le 2 mars 1895 à Paris d'une pneumonie contractée en soignant sa fille Julie, qui souffrait d'une maladie similaire, faisant ainsi de Julie une orpheline à l'âge de seize ans. Elle fut inhumée au cimetière de Passy.