John Singer Sargent

1856-1925 American

Maestro del retrato eduardiano

John Singer Sargent fue un artista estadounidense expatriado, considerado el «principal pintor de retratos de su generación» por sus evocaciones del lujo de la época eduardiana. Creó aproximadamente 900 pinturas al óleo y más de 2.000 acuarelas, así como incontables bocetos y dibujos al carbón. Su obra documenta viajes por todo el mundo, desde Venecia hasta el Tirol, Corfú, España, Oriente Medio, Montana, Maine y Florida. Nacido en Florencia de padres estadounidenses, se formó en París antes de mudarse a Londres, viviendo la mayor parte de su vida en Europa. Disfrutó de reconocimiento internacional como pintor de retratos. Una temprana presentación al Salón de París en la década de 1880, su Retrato de Madame X, estaba destinada a consolidar su posición como pintor de la sociedad en París, pero en cambio provocó un escándalo. Durante el año siguiente al escándalo, Sargent partió hacia Inglaterra, donde continuó una exitosa carrera como artista retratista. Desde el principio, la obra de Sargent se caracterizó por una notable facilidad técnica, particularmente en su capacidad para dibujar con un pincel, lo que en sus últimos años inspiró admiración así como críticas por una supuesta superficialidad. Sus obras por encargo eran consistentes con el gran estilo del retrato, mientras que sus estudios informales y pinturas de paisaje mostraban una familiaridad con el impresionismo. En su vida tardía, Sargent expresó ambivalencia sobre las restricciones del trabajo formal de retrato y dedicó gran parte de su energía a la pintura mural y al trabajo al aire libre (en plein air). Los historiadores del arte generalmente ignoraron a los artistas sociales como Sargent hasta finales del siglo XX. La exposición en la década de 1980 de los desnudos masculinos previamente ocultos de Sargent sirvió para provocar una reevaluación de su vida y obra, así como de su complejidad psicológica. Además de la belleza, la sensación y la innovación de su obra, sus intereses hacia el mismo sexo, sus amistades no convencionales con mujeres y su compromiso con la raza, la no conformidad de género y el globalismo emergente son ahora vistos como social y estéticamente progresistas y radicales. Sargent es descendiente de Epes Sargent, un líder militar y jurista de la época colonial. Antes del nacimiento de John Singer Sargent, su padre, FitzWilliam (nacido en 1820 en Gloucester, Massachusetts), fue cirujano oftalmólogo en el Wills Eye Hospital de Filadelfia entre 1844 y 1854. Tras la muerte de la hermana mayor de John a los dos años, su madre, Mary Newbold Singer (de soltera Singer, 1826–1906), sufrió un colapso nervioso, y la pareja decidió viajar al extranjero para recuperarse. Permanecieron como expatriados nómadas durante el resto de sus vidas. Aunque establecidos en París, los padres de Sargent se mudaban regularmente con las estaciones a los complejos turísticos costeros y de montaña en Francia, Alemania, Italia y Suiza. Mientras Mary estaba embarazada, se detuvieron en Florencia, Toscana, debido a una epidemia de cólera. Sargent nació allí en 1856. Un año después, nació su hermana Mary. Después de su nacimiento, FitzWilliam renunció a regañadientes a su puesto en Filadelfia y aceptó la solicitud de su esposa de permanecer en el extranjero. Vivían modestamente con una pequeña herencia y ahorros, llevando una vida tranquila con sus hijos. Generalmente evitaban la sociedad y a otros estadounidenses, excepto a los amigos del mundo del arte. Cuatro niños más nacieron en el extranjero, de los cuales solo dos sobrevivieron a la infancia. Aunque su padre era un profesor paciente de materias básicas, el joven Sargent era un niño revoltoso, más interesado en las actividades al aire libre que en sus estudios. Como escribió su padre a la familia: «Es un observador muy atento de la naturaleza animada». Su madre estaba convencida de que viajar por Europa y visitar museos e iglesias proporcionaría al joven Sargent una educación satisfactoria. Varios intentos de escolarizarlo formalmente fracasaron, debido principalmente a su vida itinerante. Su madre era una artista aficionada competente y su padre un ilustrador médico habilidoso. Desde temprana edad, ella le dio cuadernos de bocetos y lo animó a realizar excursiones para dibujar. Sargent trabajó en sus dibujos, copió con entusiasmo imágenes de barcos publicadas en The Illustrated London News y realizó esbozos detallados de paisajes. FitzWilliam había esperado que el interés de su hijo por los barcos y el mar lo llevara hacia una carrera naval. A los trece años, su madre comentó que John «dibuja bastante bien y tiene una vista notablemente rápida y correcta. Si pudiéramos permitirnos darle lecciones realmente buenas, pronto sería un pequeño artista». A la edad de trece años, recibió algunas clases de acuarela de Carl Welsch, un pintor paisajista alemán. Aunque su educación estaba lejos de ser completa, Sargent creció hasta convertirse en un joven altamente culto y cosmopolita, consumado en arte, música y literatura. Hablaba con fluidez inglés, francés, italiano y alemán. A los diecisiete años, Sargent fue descrito como «terco, curioso, determinado y fuerte» (según su madre), aunque también tímido, generoso y modesto (según su padre). Estaba bien familiarizado con muchos de los grandes maestros gracias a la observación directa, como escribió en 1874: «He aprendido en Venecia a admirar inmensamente a Tintoretto y a considerarlo quizás solo por detrás de Miguel Ángel y Tiziano.» Un intento de estudiar en la Academia de Florencia fracasó, ya que la escuela se encontraba en proceso de reorganización en ese momento. Tras regresar a París desde Florencia, Sargent comenzó sus estudios artísticos con el joven retratista francés Carolus-Duran. Este artista experimentó un ascenso meteórico y fue reconocido por su técnica audaz y sus métodos de enseñanza modernos; su influencia resultaría fundamental para Sargent durante el periodo comprendido entre 1874 y 1878. En 1874, Sargent aprobó en su primer intento el riguroso examen requerido para ingresar a la École des Beaux-Arts, la principal escuela de arte de Francia. Tomó clases de dibujo, que incluían anatomía y perspectiva, y obtuvo un premio de plata. También dedicó mucho tiempo al autoestudio, dibujando en museos y pintando en un estudio que compartía con James Carroll Beckwith. Beckwith se convirtió tanto en un amigo valioso como en el principal vínculo de Sargent con los artistas estadounidenses en el extranjero. Sargent también tomó algunas lecciones con Léon Bonnat. El taller de Carolus-Duran era progresista, prescindiendo del enfoque académico tradicional, que requería un dibujo cuidadoso y una capa base, en favor del método alla prima de trabajar directamente sobre el lienzo con un pincel cargado de pintura, derivado de Diego Velázquez. Era un enfoque que dependía de la colocación adecuada de los tonos de pintura. Sargent crearía más tarde una pintura en este estilo que provocó comentarios como: «El alumno ha superado al maestro». Este enfoque también permitía florituras espontáneas de color no sujetas a un dibujo subyacente. Era marcadamente diferente del taller tradicional de Jean-Léon Gérôme, donde los estadounidenses Thomas Eakins y Julian Alden Weir habían estudiado. Sargent se convirtió rápidamente en el estudiante estrella. Weir conoció a Sargent en 1874 y señaló que Sargent era «uno de los chicos más talentosos que he conocido; sus dibujos son como los de los antiguos maestros, y su color es igualmente fino». El excelente dominio del francés por parte de Sargent y su talento superior lo hicieron tanto popular como admirado. A través de su amistad con Paul César Helleu, Sargent conoció a gigantes del mundo del arte, incluyendo a Degas, Rodin, Monet y Whistler. El entusiasmo inicial de Sargent se centraba en los paisajes, no en los retratos, como lo demuestran sus abundantes bocetos llenos de montañas, marinas y edificios. La experiencia de Carolus-Duran en el retrato influyó finalmente en Sargent en esa dirección. Los encargos de pinturas históricas seguían considerándose más prestigiosos, pero eran mucho más difíciles de conseguir. La pintura de retratos, por otro lado, era la mejor manera de promover una carrera artística, exponer en el Salón y obtener encargos para ganarse la vida. El primer retrato importante de Sargent fue el de su amiga Fanny Watts en 1877, y también fue su primera admisión en el Salón. Su pose, particularmente bien ejecutada, llamó la atención. Su segunda obra presentada al Salón fue «Las recolectoras de ostras de Cançale», una pintura impresionista de la que hizo dos copias, una de las cuales envió de vuelta a Estados Unidos, y ambas recibieron críticas favorables. En 1879, a los 23 años, Sargent pintó un retrato de su maestro Carolus-Duran; el esfuerzo virtuoso obtuvo la aprobación del público y anunció la dirección que tomaría su obra madura. Su exhibición en el Salón de París fue tanto un tributo a su maestro como un anuncio para encargos de retratos. Sobre la obra temprana de Sargent, Henry James escribió que el artista ofrecía "el espectáculo ligeramente ’inquietante’ de un talento que, en el mismo umbral de su carrera, no tiene nada más que aprender". Después de dejar el taller de Carolus-Duran, Sargent visitó España. Allí estudió con pasión las pinturas de Velázquez, absorbiendo la técnica del maestro, y durante sus viajes reunió ideas para futuras obras. Quedó encantado con la música y la danza españolas. El viaje también despertó de nuevo su propio talento musical (casi igual a su talento artístico), que encontró expresión visual en su primera obra maestra, El Jaleo (1882). La música continuaría desempeñando un papel importante en su vida social, ya que era un acompañante hábil tanto para músicos aficionados como profesionales. Sargent se convirtió en un firme defensor de los compositores modernos, especialmente de Gabriel Fauré. Los viajes a Italia proporcionaron bocetos e ideas para varias pinturas de género de escenas callejeras venecianas, que capturaban eficazmente gestos y posturas que le resultarían útiles en retratos posteriores. A su regreso a París, Sargent recibió rápidamente varios encargos de retratos. Su carrera estaba en marcha. Inmediatamente demostró la concentración y la resistencia que le permitieron pintar con una constancia artesanal durante los siguientes veinticinco años. Rellenó los huecos entre encargos con muchos retratos no encargados de amigos y colegas. Sus buenos modales, su francés perfecto y su gran habilidad lo destacaron entre los nuevos retratistas, y su fama se extendió rápidamente. Fijó precios altos con confianza y rechazó a los modelos que no le satisfacían. Mentorizó a su amigo Emil Fuchs, quien estaba aprendiendo a pintar retratos al óleo. A principios de la década de 1880, Sargent exhibía regularmente retratos en el Salón, y estos eran principalmente representaciones de cuerpo entero de mujeres, como Madame Édouard Pailleron (1880) (pintada al aire libre) y Madame Ramón Subercaseaux (1881). Continuó recibiendo atención crítica positiva. Los mejores retratos de Sargent revelan la individualidad y la personalidad de los modelos; sus admiradores más ardientes creen que solo Velázquez puede igualarlo en este aspecto, y Velázquez fue una de las grandes influencias de Sargent. El hechizo del maestro español es evidente en Las hijas de Edward Darley Boit (1882) de Sargent, un interior inquietante que evoca Las Meninas de Velázquez. Como en muchos de sus primeros retratos, Sargent intenta con confianza diferentes enfoques ante cada nuevo desafío, empleando aquí tanto una composición como una iluminación inusuales para lograr un efecto impactante. Una de sus obras más expuestas y queridas de la década de 1880 fue La dama de la rosa (1882), un retrato de Charlotte Burckhardt, una amiga cercana y posible vínculo romántico. Su obra más controvertida, Retrato de Madame X (Madame Pierre Gautreau) (1884), es considerada hoy una de sus mejores obras y era la favorita personal del artista; declaró en 1915: «Supongo que es lo mejor que he hecho». Cuando se dio a conocer en el Salón de París de 1884, provocó una reacción tan negativa que probablemente impulsó el traslado de Sargent a Londres. La confianza en sí mismo de Sargent lo llevó a intentar un experimento arriesgado en el retrato, pero esta vez salió mal de manera inesperada. La pintura no fue encargada por ella, sino que él buscó activamente la oportunidad, a diferencia de la mayoría de sus trabajos de retrato, donde los clientes lo buscaban a él. Sargent escribió a un conocido común: Tengo un gran deseo de pintar su retrato y tengo razones para pensar que ella lo permitiría y está esperando que alguien le proponga este homenaje a su belleza. …podría decirle que soy un hombre de un talento prodigioso. Llevó más de un año completar la pintura. La primera versión del retrato de Madame Gautreau, con su famoso escote pronunciado, la piel empolvada de blanco y la cabeza arrogantemente ladeada, presentaba un tirante del vestido deliberadamente sugerente, fuera del hombro, solo en el lado derecho, lo que hacía que el efecto general fuera más atrevido y sensual. Sargent volvió a pintar el tirante en su posición esperada sobre el hombro para intentar amortiguar el furor, pero el daño ya estaba hecho. Los encargos franceses se agotaron y le dijo a su amigo Edmund Gosse en 1885 que contemplaba abandonar la pintura por la música o los negocios. Al describir la reacción de los visitantes, Judith Gautier observó: ¿Es una mujer? ¿Una quimera, la figura de un unicornio encabritado como en un escudo de armas heráldico, o quizás la obra de algún artista decorativo oriental a quien está prohibida la forma humana y que, deseando ser recordado de la mujer, ha dibujado la deliciosa arabesca? No, no es ninguna de estas cosas, sino más bien la imagen precisa de una mujer moderna escrupulosamente dibujada por un pintor que es maestro de su arte.” Antes del escándalo de Madame X de 1884, Sargent había pintado bellezas exóticas como Rosina Ferrara de Capri y la modelo española expatriada Carmela Bertagna, pero las obras anteriores no estaban destinadas a una amplia recepción pública. Sargent mantuvo la pintura prominentemente exhibida en su estudio de Londres hasta que la vendió al Museo Metropolitano de Arte en 1916, después de mudarse a Estados Unidos y pocos meses después de la muerte de Gautreau. Antes de llegar a Inglaterra, Sargent comenzó a enviar pinturas para su exposición en la Royal Academy. Estas incluían los retratos del Dr. Pozzi en casa (1881), un ensayo flamboyante en rojo y su primer retrato masculino de cuerpo entero, y el más tradicional Mrs. Henry White (1883). Los encargos de retratos subsiguientes animaron a Sargent a completar su traslado a Londres en 1886, donde se estableció en la comunidad artística de Chelsea. A pesar del escándalo de Madame X, había considerado mudarse a Londres ya en 1882; su nuevo amigo, el novelista Henry James, le había instado repetidamente a hacerlo. En retrospectiva, su traslado a Londres puede considerarse inevitable. Los críticos ingleses no fueron cálidos al principio, criticando a Sargent por su manejo «ingenioso» y «afrancesado» de la pintura. Un reseñista que vio su retrato de la señora Henry White describió su técnica como «dura» y «casi metálica», con «ningún gusto en la expresión, el aire o el modelado». Sin embargo, con la ayuda de la señora White, Sargent pronto ganó la admiración de los mecenas y críticos ingleses. Henry James también dio al artista «un impulso con lo mejor de mi capacidad». Sargent pasaba mucho tiempo pintando al aire libre en el campo inglés cuando no estaba en su estudio. Durante una visita a Monet en Giverny en 1885, Sargent pintó uno de sus retratos más impresionistas, que muestra a Monet trabajando al aire libre con su nueva esposa cerca. Por lo general, no se considera a Sargent un pintor impresionista, pero a veces utilizaba técnicas impresionistas con gran efecto. Su obra «Claude Monet pintando al borde de un bosque» está realizada en su propia versión del estilo impresionista. En la década de 1880, asistió a las exposiciones impresionistas y comenzó a pintar al aire libre al estilo plein-air después de esa visita a Monet. Sargent compró cuatro obras de Monet para su colección personal durante ese periodo. Sargent se sintió igualmente inspirado para realizar un retrato de su amigo artista Paul César Helleu, pintando también al aire libre con su esposa a su lado. Una fotografía muy similar a la pintura sugiere que Sargent utilizaba ocasionalmente la fotografía como ayuda para la composición. A través de Helleu, Sargent conoció y pintó al famoso escultor francés Auguste Rodin en 1884, un retrato bastante sombrío que recuerda las obras de Thomas Eakins. Aunque los críticos británicos clasificaron a Sargent dentro del campo impresionista, los impresionistas franceses pensaban de otro modo. Como declaró Monet más tarde: «No es un impresionista en el sentido en que nosotros usamos la palabra; está demasiado bajo la influencia de Carolus-Duran». El primer gran éxito de Sargent en la Royal Academy llegó en 1887, con la entusiasta acogida de Clavel, lirio, lirio, rosa, una obra de gran formato pintada in situ que representa a dos niñas encendiendo farolillos en un jardín inglés en Broadway, en los Cotswolds. La pintura fue adquirida de inmediato por la Tate Gallery. Su primer viaje a Nueva York y Boston como artista profesional en 1887–88 produjo más de 20 encargos importantes, incluidos los retratos de Isabella Stewart Gardner, la famosa mecenas de arte de Boston. Su retrato de la señora Adrian Iselin, esposa de un empresario neoyorquino, revelaba su carácter en una de sus obras más perspicaces. En Boston, Sargent fue honrado con su primera exposición individual, que presentó 22 de sus pinturas. Allí se hizo amigo del pintor Dennis Miller Bunker, quien viajó a Inglaterra en el verano de 1888 para pintar al aire libre con él, y es el tema del cuadro de Sargent de 1888 titulado Dennis Miller Bunker Painting at Calcot. De vuelta en Londres, Sargent se mantuvo ocupado rápidamente. Sus métodos de trabajo estaban entonces bien establecidos, siguiendo muchos de los pasos empleados por otros maestros pintores de retratos antes que él. Tras asegurar un encargo mediante negociaciones que él mismo llevaba a cabo, Sargent visitaba el hogar del cliente para ver dónde iba a colgar el cuadro. A menudo revisaba el vestuario del cliente para elegir una indumentaria adecuada. Algunos retratos se realizaban en el domicilio del cliente, pero más a menudo en su estudio, que estaba bien provisto de muebles y materiales de fondo que elegía para lograr el efecto adecuado. Por lo general, requería de ocho a diez sesiones de sus clientes, aunque intentaba capturar el rostro en una sola sesión. Solía mantener una conversación agradable y, a veces, hacía una pausa y tocaba el piano para su modelo. Sargent rara vez utilizaba bocetos a lápiz o al óleo, y en su lugar aplicaba la pintura al óleo directamente. Finalmente, seleccionaba un marco apropiado. Sargent no tenía asistentes; se encargaba de todas las tareas, como preparar sus lienzos, barnizar las pinturas, organizar las sesiones fotográficas, el envío y la documentación. Cobraba unos 5.000 dólares por retrato, lo que equivale a unos 130.000 dólares actuales. Algunos clientes estadounidenses viajaban a Londres por su cuenta para que Sargent les pintara un retrato. Alrededor de 1890, Sargent pintó dos retratos no encargados y atrevidos como piezas de exhibición: uno de la actriz Ellen Terry como Lady Macbeth y otro de la popular bailarina española La Carmencita. Sargent fue elegido asociado de la Royal Academy y se convirtió en miembro de pleno derecho tres años después. En la década de 1890, promedió catorce encargos de retratos al año, ninguno más hermoso que la distinguida Lady Agnew of Lochnaw, de 1892. Su retrato de la señora Hugh Hammersley (Mrs. Hugh Hammersley, 1892) fue igualmente bien recibido por su vívida representación de una de las anfitrionas más destacadas de Londres. Como pintor de retratos al gran estilo, Sargent tuvo un éxito sin igual; retrató a sujetos que eran al mismo tiempo ennoblecidos y a menudo poseídos de una energía nerviosa. A Sargent se le llamaba «el Van Dyck de nuestro tiempo». Aunque Sargent era un expatriado estadounidense, regresó a los Estados Unidos muchas veces, a menudo para atender la demanda de retratos por encargo. Sargent exhibió nueve de sus retratos en el Palacio de Bellas Artes de la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago. Sargent pintó una serie de tres retratos de Robert Louis Stevenson. El segundo, Retrato de Robert Louis Stevenson y su esposa (1885), fue uno de los más conocidos. También completó los retratos de dos presidentes de Estados Unidos: Theodore Roosevelt y Woodrow Wilson. Asher Wertheimer, un rico comerciante de arte judío que vivía en Londres, encargó a Sargent una serie de una docena de retratos de su familia, el encargo más grande que el artista recibió de un solo mecenas. Los retratos de los Wertheimer revelan una agradable familiaridad entre el artista y sus modelos. Wertheimer legó la mayoría de las pinturas a la National Gallery. En 1888, Sargent presentó su retrato de Alice Vanderbilt Shepard, bisnieta de Cornelius Vanderbilt. Muchas de sus obras más importantes se encuentran en museos de Estados Unidos. En 1897, un amigo patrocinó un famoso retrato al óleo del Sr. y la Sra. I. N. Phelps Stokes, realizado por Sargent, como regalo de boda. En 1900, Sargent se encontraba en la cumbre de su fama. El caricaturista Max Beerbohm completó una de sus diecisiete caricaturas de Sargent, dando a conocer al público la figura rolliza del artista. Aunque apenas tenía cuarenta años, Sargent comenzó a viajar más y a dedicar relativamente menos tiempo a la pintura de retratos. Su obra Un interior en Venecia (1900), un retrato de cuatro miembros de la familia Curtis en su elegante residencia palaciega, el Palazzo Barbaro, fue un rotundo éxito. Sin embargo, a Whistler no le aprobaba la soltura de la pincelada de Sargent, que resumió como "manchas por todas partes". Uno de los últimos grandes retratos de Sargent en su estilo bravuroso fue el de Lord Ribblesdale, en 1902, ataviado con un elegante uniforme de caza. Entre 1900 y 1907, Sargent mantuvo su alta productividad, que incluyó, además de decenas de retratos al óleo, cientos de dibujos de retratos a unos 400 dólares cada uno. En 1901, adquirió la propiedad contigua a su casa en Tite Street para crear un estudio más grande. En 1907, a la edad de cincuenta y un años, Sargent cerró oficialmente su estudio. Aliviado, declaró: «Pintar un retrato sería bastante divertido si uno no se viera obligado a hablar mientras trabaja... Qué molestia tener que entretener al modelo y parecer feliz cuando uno se siente miserable». Ese mismo año, Sargent pintó su modesto y serio autorretrato, el último, para la famosa colección de autorretratos de la Galería Uffizi en Florencia, Italia. Sargent realizó varias visitas de verano a los Alpes suizos con sus hermanas Emily y Violet (señora Ormond) y las hijas de Violet, Rose-Marie y Reine, quienes fueron el tema de varias pinturas entre 1906 y 1913. A medida que Sargent se cansaba del retrato, persiguió temas arquitectónicos y paisajísticos. Durante una visita a Roma en 1906, Sargent realizó una pintura al óleo y varios bocetos a lápiz de la escalera exterior y la balaustrada frente a la Iglesia de los Santos Domingo y Sixto, ahora la iglesia de la Universidad Pontificia de Santo Tomás de Aquino, Angelicum. La escalera doble, construida en 1654, es diseño del arquitecto y escultor Orazio Torriani (fl. 1602–1657). En 1907 escribió: «Hice en Roma un estudio de una magnífica escalera curva y balaustrada, que conduce a una gran fachada que reduciría a un millonario a un gusano....» La pintura cuelga ahora en el Museo Ashmolean de la Universidad de Oxford y los bocetos a lápiz están en la colección de arte del Museo Fogg de la Universidad Harvard. Sargent utilizó más tarde las características arquitectónicas de esta escalera y balaustrada en un retrato de Charles William Eliot, presidente de la Universidad Harvard desde 1869 hasta 1909. La fama de Sargent seguía siendo considerable y los museos compraban sus obras con avidez. Ese año rechazó un título de caballero y decidió, en cambio, mantener su ciudadanía estadounidense. A partir de 1907, Sargent abandonó en gran medida la pintura de retratos y se centró en los paisajes. Realizó numerosas visitas a Estados Unidos durante la última década de su vida, incluida una estancia de dos años completos desde 1915 hasta 1917. En abril de 1917, Sargent visitaba la finca de Miami de James Deering y fue invitado a navegar por los Cayos de Florida con James y su hermano Charles Deering a bordo del yate de James, el Nepenthe. A Sargent le interesaba mucho más la «mina de bocetos» que suponía la finca, no le interesaba en absoluto la pesca y realizó el crucero «a regañadientes», haciendo algunos bocetos a la acuarela (incluido Derelicts, 1917). Cuando Sargent terminó su retrato de John D. Rockefeller en 1917, la mayoría de los críticos comenzaron a situarlo entre los maestros del pasado, llamándolo «un brillante embajador entre sus mecenas y la posteridad». Los modernistas lo trataron con mayor dureza, considerándolo completamente desconectado de la realidad de la vida estadounidense y de las tendencias artísticas emergentes, incluido el cubismo y el futurismo. Sargent aceptó silenciosamente las críticas, pero se negó a cambiar su opinión negativa sobre el arte moderno. Replicó: «Ingres, Rafael y El Greco, estas son ahora mis admiraciones, esto es lo que me gusta». En 1925, poco antes de morir, Sargent pintó su último retrato al óleo, un lienzo de Grace Curzon, marquesa Curzon de Kedleston. La pintura fue adquirida en 1936 por el Museo de Arte Currier, donde está expuesta. Durante su larga carrera, Sargent pintó más de 2.000 acuarelas, viajando desde el campo inglés hasta Venecia, el Tirol, Corfú, Oriente Medio, Montana, Maine y Florida. Cada destino le ofrecía estímulos pictóricos y tesoros. Incluso en su tiempo libre, para escapar de las presiones del estudio de retratos, pintaba con una intensidad incansable, a menudo desde la mañana hasta la noche. Sus cientos de acuarelas de Venecia son especialmente notables, muchas de ellas realizadas desde la perspectiva de una góndola. Sus colores eran a veces extremadamente vívidos y, como señaló un crítico, «Todo está representado con la intensidad de un sueño». En Oriente Medio y el Norte de África, Sargent pintó beduinos, pastores de cabras y pescadores. En la última década de su vida, produjo muchas acuarelas en Maine, Florida y el Oeste estadounidense, representando fauna, flora y pueblos nativos. Con sus acuarelas, Sargent pudo satisfacer sus primeras inclinaciones artísticas hacia la naturaleza, la arquitectura, los pueblos exóticos y los nobles paisajes montañosos. Y es en algunas de sus obras tardías donde se siente a Sargent pintando más puramente para sí mismo. Sus acuarelas fueron ejecutadas con una fluidez alegre. También pintó extensamente a su familia, amigos, jardines y fuentes. En acuarelas, retrató juguetonamente a sus amigos y familiares vestidos con trajes orientalistas, relajándose en paisajes brillantemente iluminados que permitían una paleta más vívida y un manejo más experimental que sus encargos (La partida de ajedrez, 1906). Su primera gran exposición individual de obras en acuarela tuvo lugar en la Carfax Gallery de Londres en 1905. En 1909, exhibió ochenta y seis acuarelas en la ciudad de Nueva York, ochenta y tres de las cuales fueron compradas por el Museo Brooklyn. Evan Charteris escribió en 1927: Vivir con las acuarelas de Sargent es vivir con la luz del sol capturada y retenida, con el brillo de un mundo luminoso y legible, «la sombra refluyente» y «los ardores ambientales del mediodía». Aunque generalmente no se le concede el respeto crítico otorgado a Winslow Homer, quizás el mayor acuarelista estadounidense, los estudios académicos han revelado que Sargent dominaba con fluidez toda la gama de técnicas de acuarela opaca y transparente, incluidos los métodos utilizados por Homer. Como concesión a la demanda insaciable de retratos por parte de mecenas adinerados, Sargent realizó rápidamente cientos de bocetos rápidos de retratos al carbón, que llamó «Mugs». Cuarenta y seis de ellos, que abarcan los años 1890–1916, fueron exhibidos en la Royal Society of Portrait Painters en 1916. All of Sargent’s murals are to be found in the Boston/Cambridge area. They are in the Boston Public Library, the Museum of Fine Arts, and Harvard’s Widener Library. Sargent’s largest scale works are the mural decorations that grace the Boston Public Library depicting the history of religion and the gods of polytheism. They were attached to the walls of the library by means of marouflage. He worked on the cycle for almost thirty years but never completed the final mural. Sargent drew on his extensive travels and museum visits to create a dense art historical mélange. The murals were most recently restored in 2003–2004 by a team from the Straus Center for Conservation and Technical Studies, Harvard Art Museums. Sargent worked on the murals from 1895 through 1919; they were intended to show religion’s (and society’s) progress from pagan superstition up through the ascension of Christianity, concluding with a painting depicting Jesus delivering the Sermon on the Mount. But Sargent’s paintings of "The Church" and "The Synagogue", installed in late 1919, inspired a debate about whether the artist had represented Judaism in a stereotypical, or even an anti-Semitic, manner. Drawing upon iconography that was used in medieval paintings, Sargent portrayed Judaism and the synagogue as a blind, ugly hag, and Christianity and the church as a lovely, radiant young woman. He also failed to understand how these representations might be problematic for the Jews of Boston; he was both surprised and hurt when the paintings were criticized. The paintings were objectionable to Boston Jews since they seemed to show Judaism defeated, and Christianity triumphant. The Boston newspapers also followed the controversy, noting that while many found the paintings offensive, not everyone agreed. In the end, Sargent abandoned his plan to finish the murals, and the controversy eventually died down. A su regreso a Inglaterra en 1918, tras una visita a Estados Unidos, Sargent fue encargado como artista de guerra por el Ministerio de Información británico. En su gran cuadro Gassed y en muchas acuarelas, representó escenas de la Gran Guerra. Sargent se había visto afectado por la muerte de su sobrina Rose-Marie durante el bombardeo de la iglesia de Saint-Gervais, en París, el Viernes Santo de 1918. Sargent fue un soltero empedernido con un amplio círculo de amigos, incluyendo tanto a hombres como a mujeres, como Oscar Wilde (con quien fue vecino durante varios años), la autora lesbiana Violet Paget y su probable amante, Albert de Belleroche. Los biógrafos lo retrataron en su día como serio y reservado. Sin embargo, investigaciones recientes han teorizado que era un hombre privado, complejo y apasionado, cuya identidad homosexual fue fundamental para dar forma a su arte. Esta opinión se basa en declaraciones de sus amigos y conocidos, el distante encanto general de sus retratos, la manera en que sus obras desafían las nociones del siglo XIX sobre la diferencia de género, sus desnudos masculinos previamente ignorados y algunos retratos masculinos desnudos, incluidos los de Thomas E. McKeller, Bartholomy Maganosco, Olimpio Fusco y el del artista aristócrata Albert de Belleroche, que colgaba en su comedor de Chelsea. Sargent mantuvo una larga amistad con Belleroche, a quien conoció en 1882 y con quien viajaba con frecuencia. Un dibujo conservado sugiere que Sargent podría haber utilizado a Belleroche como modelo para Madame X, debido a una coincidencia de fechas en las que Sargent los dibujó por separado alrededor de la misma época, y a una pose delicada que evoca más los bocetos de Sargent de la forma masculina que sus encargos, a menudo rígidos. Se ha sugerido que la reputación de Sargent en la década de 1890 como «el pintor de los judíos» pudo deberse a su empatía hacia su alteridad social mutua, así como a un placer cómplice en la misma. Una clienta judía, Betty Wertheimer, escribió que, cuando estaba en Venecia, Sargent «solo se interesaba por los gondoleros venecianos». El pintor Jacques-Émile Blanche, que fue uno de sus primeros modelos, declaró tras la muerte de Sargent que su vida sexual «era notoria en París y, en Venecia, verdaderamente escandalosa. Era un sodomita frenético.» Mantuvo numerosas relaciones con mujeres: se ha sugerido que las que tuvo con sus modelos Rosina Ferrara, Virginie Gautreau y Judith Gautier podrían haber desembocado en una fascinación amorosa. De joven, Sargent también cortejó durante un tiempo a Louise Burkhardt, la modelo de La dama de la rosa. Los amigos y partidarios de Sargent incluían a Henry James, Isabella Stewart Gardner (quien encargó y adquirió obras de Sargent y buscaba su consejo sobre otras adquisiciones), Eduardo VII y Paul César Helleu. Sus asociaciones también incluían al príncipe Edmond de Polignac y al conde Robert de Montesquiou. Otros artistas con los que Sargent se relacionaba eran Dennis Miller Bunker, James Carroll Beckwith, Edwin Austin Abbey y John Elliott (quien también trabajó en los murales de la Biblioteca Pública de Boston), Francis David Millet, Joaquín Sorolla y Claude Monet, a quien Sargent pintó. Entre 1905 y 1914, los compañeros de viaje frecuentes de Sargent fueron el matrimonio de artistas Wilfrid de Glehn y Jane Emmet de Glehn. El trío solía pasar los veranos en Francia, España o Italia, y los tres se representaban mutuamente en sus pinturas durante sus viajes. En una época en la que el mundo del arte se centraba, sucesivamente, en el impresionismo, el fauvismo y el cubismo, Sargent practicaba su propia forma de realismo, que hacía brillantes referencias a Velázquez, Van Dyck y Gainsborough. Su aparente facilidad para parafrasear a los maestros de manera contemporánea dio lugar a una corriente de retratos por encargo de una virtud notable (Arsène Vigeant, 1885, Musées de Metz; Sr. y Sra. Isaac Newton Phelps-Stokes, 1897, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) y le valió a Sargent el apodo de «el Van Dyck de nuestro tiempo». Aun así, durante su vida su obra generó respuestas negativas por parte de algunos de sus colegas: Camille Pissarro escribió que «no es un entusiasta, sino más bien un ejecutante hábil», y Walter Sickert publicó una sátira bajo el título «Sargentolatría». En el momento de su muerte, fue considerado un anacronismo, una reliquia de la Edad Dorada y fuera de sintonía con los sentimientos artísticos de la Europa posterior a la Primera Guerra Mundial. Elizabeth Prettejohn sugiere que el declive de la reputación de Sargent se debió en parte al ascenso del antisemitismo y a la consecuente intolerancia hacia las «celebraciones de la prosperidad judía». Se ha sugerido que las cualidades exóticas inherentes a su obra apelaban a la simpatía de los clientes judíos a quienes retrató desde la década de 1890 en adelante. En ningún lugar es esto más evidente que en su retrato Almina, hija de Asher Wertheimer (1908), en el que la modelo aparece vestida con un traje persa, un turbante incrustado de perlas y tocando una tambura india, accesorios todos ellos destinados a transmitir sensualidad y misterio. Si Sargent utilizó este retrato para explorar cuestiones de sexualidad e identidad, parece haber contado con la satisfacción del padre de la modelo, Asher Wertheimer, un rico comerciante de arte judío. El principal detractor de Sargent fue el influyente crítico de arte inglés Roger Fry, del Grupo de Bloomsbury, quien en la retrospectiva de Sargent de 1926 en Londres desestimó su obra por carecer de calidad estética: «Maravilloso, ciertamente, pero lo más maravilloso es que esta maravillosa ejecución haya sido alguna vez confundida con la de un artista». Y, en la década de 1930, Lewis Mumford encabezó un coro de los críticos más severos: «Sargent siguió siendo hasta el final un ilustrador ... la apariencia más hábil de maestría técnica, la mirada más audaz para el efecto, no pueden ocultar el vacío esencial de la mente de Sargent, ni la superficialidad desdeñosa y cínica de cierta parte de su ejecución». Parte de la devaluación de Sargent se atribuye también a su vida como expatriado, que hizo que pareciera menos estadounidense en un momento en que el arte estadounidense «auténtico» y socialmente consciente, ejemplificado por el círculo de Stieglitz y por la Escuela Ashcan, estaba en ascenso. Tras un largo periodo de desfavor crítico, la reputación de Sargent ha aumentado constantemente desde la década de 1950. En la década de 1960, el resurgimiento del arte victoriano y nuevos estudios académicos centrados en Sargent reforzaron su reputación. Sargent ha sido objeto de exposiciones a gran escala en importantes museos, incluida una exposición retrospectiva en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en 1986, y una importante exposición itinerante en 1999 que se exhibió en el Museo de Bellas Artes de Boston, la Galería Nacional de Arte de Washington y la National Gallery de Londres. En 1986, Andy Warhol comentó al especialista en Sargent, Trevor Fairbrother, que Sargent «hacía que todos parecieran glamurosos. Más altos. Más delgados. Pero todos tienen estado de ánimo, cada uno de ellos tiene un estado de ánimo diferente». En un artículo de la revista TIME de la década de 1980, el crítico Robert Hughes elogió a Sargent como «el registrador sin rival del poder masculino y la belleza femenina en una época que, como la nuestra, rendía excesivo culto a ambos». En 1922, Sargent cofundó las Grand Central Art Galleries de la ciudad de Nueva York junto con Edmund Greacen, Walter Leighton Clark y otros. Sargent participó activamente en las Grand Central Art Galleries y en su academia, la Grand Central School of Art, hasta su muerte en 1925. Las galerías organizaron una gran exposición retrospectiva de la obra de Sargent en 1924. Luego regresó a Inglaterra, donde murió en su residencia de Chelsea el 14 de abril de 1925, debido a una enfermedad cardíaca. Sargent está enterrado en el cementerio de Brookwood, cerca de Woking, Surrey. Se celebraron exposiciones conmemorativas de la obra de Sargent en Boston en 1925, en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y en la Real Academia y la Galería Tate de Londres en 1926. Las Grand Central Art Galleries también organizaron una exposición póstuma en 1928 con bocetos y dibujos inéditos de toda su trayectoria profesional.