John Singer Sargent

1856-1925 American

Maître du portrait édouardien

John Singer Sargent était un artiste américain expatrié, considéré comme « le principal peintre de portraits de sa génération » pour ses évocations du luxe de l’époque édouardienne. Il a créé environ 900 peintures à l’huile et plus de 2 000 aquarelles, ainsi que d’innombrables croquis et dessins au fusain. Son œuvre documente ses voyages à travers le monde, de Venise au Tyrol, en passant par Corfou, l’Espagne, le Moyen-Orient, le Montana, le Maine et la Floride. Né à Florence de parents américains, il s’est formé à Paris avant de s’installer à Londres, vivant la majeure partie de sa vie en Europe. Il a joui d’une renommée internationale en tant que peintre de portraits. Une soumission précoce au Salon de Paris dans les années 1880, son Portrait de Madame X, était destinée à consolider sa position de peintre de la société parisienne, mais a plutôt provoqué un scandale. L’année suivante, après le scandale, Sargent est parti pour l’Angleterre, où il a poursuivi une carrière réussie en tant qu’artiste portraitiste. Dès le début, l’œuvre de Sargent se caractérise par une aisance technique remarquable, en particulier dans sa capacité à dessiner avec un pinceau, ce qui, dans ses dernières années, suscita autant d’admiration que de critiques pour une supposée superficialité. Ses œuvres commandées étaient conformes au grand style du portrait, tandis que ses études informelles et ses peintures de paysage témoignaient d’une familiarité avec l’impressionnisme. Dans sa vieillesse, Sargent exprima une ambivalence face aux contraintes du travail formel du portrait et consacra une grande partie de son énergie à la peinture murale et au travail en plein air. Les historiens de l’art ont généralement ignoré les artistes mondains tels que Sargent jusqu’à la fin du XXe siècle. L’exposition dans les années 1980 des nus masculins auparavant cachés de Sargent a servi à susciter une réévaluation de sa vie et de son œuvre, ainsi que de leur complexité psychologique. Outre la beauté, la sensation et l’innovation de son corpus, ses intérêts pour le même sexe, ses amitiés non conventionnelles avec des femmes et son engagement envers les questions de race, de non-conformité de genre et d’un mondialisme émergent sont désormais considérés comme socialement et esthétiquement progressistes et radicaux. Sargent est un descendant d’Epes Sargent, un chef militaire et juriste de l’époque coloniale. Avant la naissance de John Singer Sargent, son père, FitzWilliam (né en 1820 à Gloucester, Massachusetts), a été chirurgien oculiste au Wills Eye Hospital de Philadelphie de 1844 à 1854. Après le décès de la sœur aînée de John à l’âge de deux ans, sa mère, Mary Newbold Singer (née Singer, 1826–1906), a fait une dépression nerveuse, et le couple a décidé de partir à l’étranger pour se rétablir. Ils sont restés des expatriés nomades pour le reste de leur vie. Bien qu’établis à Paris, les parents de Sargent déménageaient régulièrement au fil des saisons vers les stations balnéaires et montagneuses en France, en Allemagne, en Italie et en Suisse. Pendant que Mary était enceinte, ils se sont arrêtés à Florence, en Toscane, en raison d’une épidémie de choléra. Sargent y est né en 1856. Un an plus tard, sa sœur Mary est née. Après sa naissance, FitzWilliam a démissionné à contrecœur de son poste à Philadelphie et a accepté la demande de sa femme de rester à l’étranger. Ils vivaient modestement grâce à un petit héritage et des économies, menant une vie tranquille avec leurs enfants. Ils évitaient généralement la société et les autres Américains, sauf pour les amis du monde de l’art. Quatre autres enfants sont nés à l’étranger, dont seulement deux ont survécu à l’enfance. Bien que son père fût un enseignant patient des matières de base, le jeune Sargent était un enfant turbulent, plus intéressé par les activités de plein air que par ses études. Comme l’écrivait son père à la famille : « Il est un observateur très attentif de la nature animée. » Sa mère était convaincue que voyager à travers l’Europe et visiter des musées et des églises offrirait au jeune Sargent une éducation satisfaisante. Plusieurs tentatives pour lui faire suivre un enseignement scolaire formel échouèrent, principalement en raison de leur vie itinérante. Sa mère était une artiste amateur compétente et son père un illustrateur médical qualifié. Dès son plus jeune âge, elle lui offrit des carnets de croquis et l’encouragea à dessiner en extérieur. Sargent travailla ses dessins, copia avec enthousiasme des images de navires parues dans The Illustrated London News et réalisa des esquisses détaillées de paysages. FitzWilliam avait espéré que l’intérêt de son fils pour les navires et la mer le conduirait vers une carrière navale. À treize ans, sa mère rapporta que John « dessine assez bien, et a un œil remarquablement rapide et juste. Si nous pouvions nous permettre de lui donner de vraiment bonnes leçons, il deviendrait bientôt un petit artiste. » À l’âge de treize ans, il reçut quelques leçons d’aquarelle de Carl Welsch, un peintre paysagiste allemand. Bien que son éducation fût loin d’être complète, Sargent devint un jeune homme hautement cultivé et cosmopolite, accompli dans les domaines de l’art, de la musique et de la littérature. Il parlait couramment l’anglais, le français, l’italien et l’allemand. À dix-sept ans, Sargent fut décrit comme « volontaire, curieux, déterminé et fort » (selon sa mère), pourtant timide, généreux et modeste (selon son père). Il connaissait bien nombre des grands maîtres grâce à l’observation directe, comme il l’écrivit en 1874 : « J’ai appris à Venise à admirer immensément Le Tintoret et à le considérer peut-être comme second seulement après Michel-Ange et Titien. » Une tentative d’études à l’Académie de Florence échoua, car l’école était en cours de réorganisation à l’époque. De retour à Paris depuis Florence, Sargent commença ses études artistiques auprès du jeune portraitiste français Carolus-Duran. Connaissant une ascension fulgurante, l’artiste fut remarqué pour sa technique audacieuse et ses méthodes d’enseignement modernes ; son influence s’avéra déterminante pour Sargent durant la période allant de 1874 à 1878. En 1874, Sargent réussit dès sa première tentative l’examen rigoureux requis pour être admis à l’École des Beaux-Arts, la principale école d’art en France. Il suivit des cours de dessin, qui comprenaient l’anatomie et la perspective, et remporta un prix d’argent. Il consacra également beaucoup de temps à l’autoformation, dessinant dans les musées et peignant dans un atelier qu’il partageait avec James Carroll Beckwith. Ce dernier devint à la fois un ami précieux et le principal lien de Sargent avec les artistes américains à l’étranger. Sargent prit aussi quelques leçons auprès de Léon Bonnat. L’atelier de Carolus-Duran était progressiste, abandonnant l’approche académique traditionnelle, qui exigeait un dessin soigné et une sous-couche, au profit de la méthode alla prima consistant à travailler directement sur la toile avec un pinceau chargé, dérivée de Diego Velázquez. C’était une approche qui reposait sur le placement approprié des tons de peinture. Sargent créerait plus tard une peinture dans ce style qui suscita des commentaires tels que : « L’élève a surpassé le maître. » Cette approche permettait également des envolées spontanées de couleur, non liées à un dessin sous-jacent. Elle différait nettement de l’atelier traditionnel de Jean-Léon Gérôme, où les Américains Thomas Eakins et Julian Alden Weir avaient étudié. Sargent devint rapidement l’élève vedette. Weir rencontra Sargent en 1874 et nota que Sargent était « l’un des individus les plus talentueux que j’aie jamais rencontrés ; ses dessins sont semblables à ceux des anciens maîtres, et sa couleur est tout aussi fine ». La excellente maîtrise du français par Sargent et son talent supérieur le rendirent à la fois populaire et admiré. Grâce à son amitié avec Paul César Helleu, Sargent rencontra les géants du monde de l’art, dont Degas, Rodin, Monet et Whistler. L’enthousiasme initial de Sargent était pour les paysages, et non pour le portrait, comme en témoignent ses nombreuses esquisses regorgeant de montagnes, de marines et de bâtiments. L’expertise de Carolus-Duran dans le portrait a finalement influencé Sargent dans cette direction. Les commandes de peintures d’histoire étaient encore considérées comme plus prestigieuses, mais beaucoup plus difficiles à obtenir. La peinture de portrait, en revanche, était le meilleur moyen de promouvoir une carrière artistique, d’être exposé au Salon et d’obtenir des commandes pour gagner sa vie. Le premier portrait majeur de Sargent était celui de son amie Fanny Watts en 1877, et constituait également sa première admission au Salon. Sa pose particulièrement bien exécutée attira l’attention. Sa deuxième œuvre présentée au Salon fut Les Ramasseuses d’huîtres de Cançale, une peinture impressionniste dont il réalisa deux copies, l’une qu’il renvoya aux États-Unis, et toutes deux reçurent des critiques élogieuses. En 1879, à l’âge de 23 ans, Sargent réalisa le portrait de son professeur Carolus-Duran ; cette œuvre virtuose reçut l’approbation du public et annonça la direction que prendrait son travail à maturité. Sa présentation au Salon de Paris était à la fois un hommage à son maître et une publicité pour les commandes de portraits. À propos des premières œuvres de Sargent, Henry James écrivit que l’artiste offrait « le spectacle légèrement ’inquiétant’ d’un talent qui, au seuil même de sa carrière, n’a plus rien à apprendre ». Après avoir quitté l’atelier de Carolus-Duran, Sargent visita l’Espagne. Là-bas, il étudia avec passion les peintures de Velázquez, absorbant la technique du maître, et recueillit lors de ses voyages des idées pour ses œuvres futures. Il était enchanté par la musique et la danse espagnoles. Ce voyage réveilla également son propre talent musical (presque égal à son talent artistique), qui trouva une expression visuelle dans son premier chef-d’œuvre, El Jaleo (1882). La musique continua à jouer un rôle majeur dans sa vie sociale, car il était un accompagnateur habile pour les musiciens amateurs et professionnels. Sargent devint un fervent défenseur des compositeurs modernes, en particulier Gabriel Fauré. Des voyages en Italie fournirent des croquis et des idées pour plusieurs peintures de genre représentant des scènes de rue vénitiennes, qui capturaient efficacement les gestes et les postures qu’il trouverait utiles dans ses portraits ultérieurs. De retour à Paris, Sargent reçut rapidement plusieurs commandes de portraits. Sa carrière était lancée. Il démontra immédiatement la concentration et l’endurance qui lui permirent de peindre avec une régularité artisanale pendant les vingt-cinq années suivantes. Il combla les intervalles entre les commandes par de nombreux portraits non commandés d’amis et de collègues. Ses belles manières, son français parfait et sa grande habileté le distinguèrent parmi les nouveaux portraitistes, et sa renommée se répandit rapidement. Il fixa avec confiance des prix élevés et refusa les modèles qui ne le satisfaisaient pas. Il mentorait son ami Emil Fuchs, qui apprenait à peindre des portraits à l’huile. Au début des années 1880, Sargent exposait régulièrement des portraits au Salon, et il s’agissait principalement de représentations en pied de femmes, telles que Madame Édouard Pailleron (1880) (réalisée en plein air) et Madame Ramón Subercaseaux (1881). Il continua de recevoir une attention critique positive. Les meilleurs portraits de Sargent révèlent l’individualité et la personnalité des modèles ; ses admirateurs les plus fervents estiment que seul Velázquez peut lui être comparé dans ce domaine, Velázquez ayant été l’une des grandes influences de Sargent. L’emprise du maître espagnol est évidente dans Les Filles d’Edward Darley Boit (1882) de Sargent, une scène d’intérieur envoûtante qui fait écho aux Ménines de Velázquez. Comme dans nombre de ses premiers portraits, Sargent tente avec assurance différentes approches face à chaque nouveau défi, utilisant ici une composition et un éclairage inhabituels pour un effet saisissant. L’une de ses œuvres les plus exposées et les plus aimées des années 1880 fut La Dame à la rose (1882), un portrait de Charlotte Burckhardt, une amie proche et peut-être une liaison amoureuse. Son œuvre la plus controversée, Portrait de Madame X (Madame Pierre Gautreau) (1884), est aujourd’hui considérée comme l’une de ses meilleures œuvres et était la préférée personnelle de l’artiste ; il déclara en 1915 : « Je suppose que c’est la meilleure chose que j’aie faite. » Lorsqu’elle fut dévoilée au Salon de Paris de 1884, elle suscita une réaction si négative qu’elle poussa probablement Sargent à s’installer à Londres. La confiance en soi de Sargent l’avait conduit à tenter une expérience audacieuse dans le portrait – mais cette fois-ci, cela se retourna contre lui de manière inattendue. Le tableau n’avait pas été commandé par elle, et il avait poursuivi l’opportunité de la peindre, ce qui contrastait fortement avec la plupart de ses portraits où les clients venaient à lui. Sargent écrivit à une connaissance commune : J’ai un grand désir de peindre son portrait et j’ai lieu de penser qu’elle l’autoriserait et attend que quelqu’un lui propose cet hommage à sa beauté. …vous pourriez lui dire que je suis un homme d’un talent prodigieux. Il a fallu bien plus d’un an pour achever la peinture. La première version du portrait de Madame Gautreau, avec son décolleté plongeant célèbre, sa peau poudrée de blanc et sa tête arrogamment inclinée, présentait une bretelle de robe délibérément suggestive, tombant hors de l’épaule, uniquement du côté droit, ce qui rendait l’effet global plus audacieux et sensuel. Sargent repeignit la bretelle dans sa position attendue sur l’épaule pour tenter d’apaiser la fureur, mais le mal était fait. Les commandes françaises se tarirent et il dit à son ami Edmund Gosse en 1885 qu’il envisageait d’abandonner la peinture pour la musique ou les affaires. Évoquant la réaction des visiteurs, Judith Gautier observa : Est-ce une femme ? Une chimère, la figure d’une licorne se cabrant comme sur un blason héraldique, ou peut-être l’œuvre d’un artiste décoratif oriental à qui la forme humaine est interdite et qui, souhaitant être rappelé à la femme, a dessiné la délicieuse arabesque ? Non, ce n’est rien de tout cela, mais plutôt l’image précise d’une femme moderne scrupuleusement dessinée par un peintre qui est maître de son art. » Avant le scandale de Madame X en 1884, Sargent avait peint des beautés exotiques telles que Rosina Ferrara de Capri et le modèle espagnol expatrié Carmela Bertagna, mais les tableaux antérieurs n’étaient pas destinés à une large réception publique. Sargent conserva la toile bien en vue dans son atelier londonien jusqu’à ce qu’il la vende au Metropolitan Museum of Art en 1916, après avoir déménagé aux États-Unis, et quelques mois après la mort de Gautreau. Avant d’arriver en Angleterre, Sargent commença à envoyer des tableaux pour exposition à la Royal Academy. Ceux-ci comprenaient les portraits du Dr Pozzi à domicile (1881), une étude flamboyante en rouge et son premier portrait masculin en pied, ainsi que le plus traditionnel Mrs. Henry White (1883). Les commandes de portraits qui suivirent encouragèrent Sargent à achever son déménagement à Londres en 1886, où il s’installa dans la communauté artistique de Chelsea. Malgré le scandale de Madame X, il avait envisagé de s’installer à Londres dès 1882 ; il y avait été encouragé à plusieurs reprises par son nouvel ami, le romancier Henry James. Rétrospectivement, son transfert à Londres peut être considéré comme inévitable. Les critiques anglais ne furent pas chaleureux au début, reprochant à Sargent sa manière « ingénieuse » et « francisée » de traiter la peinture. Un critique, voyant son portrait de Mme Henry White, décrivit sa technique comme « dure » et « presque métallique », avec « aucun goût dans l’expression, l’air ou le modelé ». Avec l’aide de Mme White, cependant, Sargent gagna rapidement l’admiration des mécènes et des critiques anglais. Henry James donna également à l’artiste « un coup de pouce du mieux que je pus ». Sargent passait beaucoup de temps à peindre en plein air dans la campagne anglaise lorsqu’il n’était pas dans son atelier. Lors d’une visite à Monet à Giverny en 1885, Sargent réalisa l’un de ses portraits les plus impressionnistes, représentant Monet au travail, peignant en extérieur avec sa nouvelle épouse à proximité. Sargent n’est généralement pas considéré comme un peintre impressionniste, mais il utilisait parfois des techniques impressionnistes avec grand effet. Son tableau Claude Monet peignant à l’orée d’un bois est rendu dans sa propre version du style impressionniste. Dans les années 1880, il assista aux expositions impressionnistes et commença à peindre en plein air après cette visite à Monet. Sargent acheta quatre œuvres de Monet pour sa collection personnelle durant cette période. Sargent fut également inspiré pour réaliser un portrait de son ami artiste Paul César Helleu, peignant lui aussi en plein air avec sa femme à ses côtés. Une photographie très similaire au tableau laisse penser que Sargent utilisait occasionnellement la photographie comme aide à la composition. Grâce à Helleu, Sargent rencontra et peignit le célèbre sculpteur français Auguste Rodin en 1884, réalisant un portrait plutôt sombre qui évoque les œuvres de Thomas Eakins. Bien que les critiques britanniques aient classé Sargent dans le camp des impressionnistes, les impressionnistes français en jugeaient autrement. Comme Monet le déclara plus tard : « Il n’est pas un impressionniste au sens où nous employons ce terme ; il est trop sous l’influence de Carolus-Duran. » Le premier grand succès de Sargent à la Royal Academy est survenu en 1887, avec l’accueil enthousiaste réservé à Carnation, Lily, Lily, Rose, une grande toile peinte sur le motif représentant deux jeunes filles allumant des lanternes dans un jardin anglais à Broadway, dans les Cotswolds. La peinture a été immédiatement achetée par la Tate Gallery. Son premier voyage à New York et Boston en tant qu’artiste professionnel en 1887–1888 lui valut plus de 20 commandes importantes, dont les portraits d’Isabella Stewart Gardner, la célèbre mécène bostonienne. Son portrait de Mme Adrian Iselin, épouse d’un homme d’affaires new-yorkais, révélait son caractère dans l’une de ses œuvres les plus perspicaces. À Boston, Sargent fut honoré par sa première exposition personnelle, qui présentait 22 de ses tableaux. Il y lia amitié avec le peintre Dennis Miller Bunker, qui se rendit en Angleterre à l’été 1888 pour peindre avec lui en plein air, et qui est le sujet du tableau de Sargent de 1888, Dennis Miller Bunker Painting at Calcot. De retour à Londres, Sargent fut rapidement de nouveau occupé. Ses méthodes de travail étaient alors bien établies, suivant nombre des étapes employées par d’autres maîtres peintres de portraits avant lui. Après avoir obtenu une commande grâce à des négociations qu’il menait lui-même, Sargent se rendait au domicile du client pour voir où le tableau devait être accroché. Il examinait souvent la garde-robe du client afin de choisir une tenue appropriée. Certains portraits étaient réalisés chez le client, mais plus souvent dans son atelier, qui était bien approvisionné en meubles et en éléments de fond qu’il avait choisis pour obtenir l’effet souhaité. Il exigeait généralement huit à dix séances de pose de ses clients, bien qu’il tentât de capturer le visage en une seule séance. Il entretenait habituellement une conversation agréable et, parfois, il faisait une pause et jouait du piano pour son modèle. Sargent utilisait rarement des croquis au crayon ou à l’huile, et appliquait directement la peinture à l’huile. Enfin, il choisissait un cadre approprié. Sargent n’avait pas d’assistants ; il s’occupait de toutes les tâches, telles que la préparation de ses toiles, le vernissage des peintures, l’organisation des séances photographiques, l’expédition et la documentation. Il percevait environ 5 000 dollars par portrait, soit environ 130 000 dollars en valeur actuelle. Certains clients américains se rendaient à Londres à leurs propres frais pour que Sargent réalise leur portrait. Vers 1890, Sargent peignit deux portraits non commandés et audacieux comme pièces de démonstration : l’un représentant l’actrice Ellen Terry dans le rôle de Lady Macbeth, et l’autre la populaire danseuse espagnole La Carmencita. Sargent fut élu associé de la Royal Academy et devint membre à part entière trois ans plus tard. Dans les années 1890, il réalisa en moyenne quatorze commandes de portraits par an, aucune n’étant plus belle que la distinguée Lady Agnew of Lochnaw, peinte en 1892. Son portrait de Mrs. Hugh Hammersley (Mrs. Hugh Hammersley, 1892) fut également bien accueilli pour sa représentation vivante de l’une des hôtesses les plus en vue de Londres. En tant que peintre de portraits dans le grand style, Sargent connut un succès inégalé ; il dépeignit des sujets qui étaient à la fois anoblis et souvent dotés d’une énergie nerveuse. Sargent était surnommé « le Van Dyck de notre époque ». Bien que Sargent fût un expatrié américain, il retourna plusieurs fois aux États-Unis, souvent pour répondre à la demande de portraits commandés. Sargent a exposé neuf de ses portraits au Palais des Beaux-Arts lors de l’Exposition universelle colombienne de 1893 à Chicago. Sargent a peint une série de trois portraits de Robert Louis Stevenson. Le second, Portrait de Robert Louis Stevenson et de son épouse (1885), était l’un de ses plus célèbres. Il a également réalisé les portraits de deux présidents des États-Unis : Theodore Roosevelt et Woodrow Wilson. Asher Wertheimer, un riche marchand d’art juif vivant à Londres, commanda à Sargent une série d’une douzaine de portraits de sa famille, la plus importante commande que l’artiste ait reçue d’un seul mécène. Les portraits des Wertheimer révèlent une familiarité agréable entre l’artiste et ses sujets. Wertheimer légua la plupart des tableaux à la National Gallery. En 1888, Sargent présenta son portrait d’Alice Vanderbilt Shepard, arrière-petite-fille de Cornelius Vanderbilt. Nombre de ses œuvres les plus importantes se trouvent dans des musées aux États-Unis. En 1897, un ami parraina un célèbre portrait à l’huile de M. et Mme I. N. Phelps Stokes, réalisé par Sargent, en tant que cadeau de mariage. En 1900, Sargent était au sommet de sa gloire. Le caricaturiste Max Beerbohm acheva l’une de ses dix-sept caricatures de Sargent, rendant publique la silhouette bedonnante de l’artiste. Bien qu’il n’ait que la quarantaine, Sargent commença à voyager davantage et à consacrer relativement moins de temps à la peinture de portraits. Son œuvre Intérieur à Venise (1900), portrait de quatre membres de la famille Curtis dans leur élégante demeure palatiale, le Palazzo Barbaro, remporta un succès retentissant. Cependant, Whistler désapprouvait la liberté de la touche de Sargent, qu’il résumait par « des bavures partout ». L’un des derniers grands portraits de Sargent dans son style bravura fut celui de Lord Ribblesdale, en 1902, finement vêtu d’un élégant uniforme de chasse. Entre 1900 et 1907, Sargent maintint une productivité élevée, qui comprenait, outre des dizaines de portraits à l’huile, des centaines de dessins de portraits vendus environ 400 dollars chacun. En 1901, il acheta la propriété voisine de sa maison de Tite Street afin de créer un atelier plus grand. En 1907, à l’âge de cinquante et un ans, Sargent ferma officiellement son atelier. Soulagé, il déclara : « Peindre un portrait serait assez amusant si l’on n’était pas obligé de parler en travaillant... Quelle corvée de devoir divertir le modèle et d’avoir l’air heureux quand on se sent misérable. » Cette même année, Sargent peignit son autoportrait modeste et sérieux, le dernier, pour la célèbre collection d’autoportraits de la Galerie des Offices à Florence, en Italie. Sargent a effectué plusieurs visites estivales dans les Alpes suisses avec ses sœurs Emily et Violet (Mme Ormond) ainsi que les filles de Violet, Rose-Marie et Reine, qui ont été le sujet de plusieurs peintures entre 1906 et 1913. Alors que Sargent se lassait du portrait, il se tourna vers des sujets architecturaux et paysagers. Lors d’une visite à Rome en 1906, Sargent réalisa une peinture à l’huile et plusieurs croquis au crayon de l’escalier extérieur et de la balustrade situés devant l’église des Saints-Dominique-et-Sixte, aujourd’hui l’église de l’Université pontificale Saint-Thomas-d’Aquin, l’Angelicum. L’escalier double, construit en 1654, est l’œuvre de l’architecte et sculpteur Orazio Torriani (actif de 1602 à 1657). En 1907, il écrivit : « J’ai fait à Rome une étude d’un magnifique escalier courbe et d’une balustrade, menant à une façade grandiose qui réduirait un millionnaire à l’état de vermine.... » La peinture est aujourd’hui exposée au musée Ashmolean de l’Université d’Oxford, et les croquis au crayon font partie de la collection artistique du musée Fogg de l’Université Harvard. Sargent utilisa plus tard les éléments architecturaux de cet escalier et de cette balustrade dans un portrait de Charles William Eliot, président de l’Université Harvard de 1869 à 1909. La renommée de Sargent était encore considérable et les musées achetaient ses œuvres avec empressement. Cette année-là, il déclina un titre de chevalier et décida plutôt de conserver sa citoyenneté américaine. À partir de 1907, Sargent abandonna largement la peinture de portraits et se concentra sur les paysages. Il effectua de nombreuses visites aux États-Unis au cours de la dernière décennie de sa vie, y compris un séjour de deux années complètes de 1915 à 1917. En avril 1917, Sargent visitait le domaine de Miami de James Deering et fut invité à naviguer dans les Keys de Floride avec James et son frère Charles Deering à bord du yacht de James, le Nepenthe. Sargent était bien plus intéressé par la « mine d’esquisses » que constituait le domaine, nullement intéressé par la pêche, et fit la croisière « à contrecœur », réalisant quelques esquisses à l’aquarelle (dont Derelicts, 1917). Lorsque Sargent acheva son portrait de John D. Rockefeller en 1917, la plupart des critiques commencèrent à le reléguer parmi les maîtres du passé, le qualifiant d’« ambassadeur brillant entre ses mécènes et la postérité ». Les modernistes le traitèrent plus durement, le considérant comme complètement déconnecté de la réalité de la vie américaine et des tendances artistiques émergentes, notamment le cubisme et le futurisme. Sargent accepta tranquillement les critiques, mais refusa de modifier son opinion négative sur l’art moderne. Il rétorqua : « Ingres, Raphaël et Le Greco, voilà mes admirations aujourd’hui, voilà ce que j’aime. » En 1925, peu avant sa mort, Sargent peignit son dernier portrait à l’huile, une toile représentant Grace Curzon, marquise Curzon de Kedleston. Le tableau fut acheté en 1936 par le musée d’Art Currier, où il est exposé. Au cours de sa longue carrière, Sargent a peint plus de 2 000 aquarelles, voyageant de la campagne anglaise à Venise, en passant par le Tyrol, Corfou, le Moyen-Orient, le Montana, le Maine et la Floride. Chaque destination lui offrait une stimulation picturale et des trésors. Même pendant ses loisirs, pour échapper aux pressions de l’atelier de portraits, il peignait avec une intensité fébrile, souvent du matin jusqu’au soir. Ses centaines d’aquarelles de Venise sont particulièrement remarquables, beaucoup étant réalisées depuis la perspective d’une gondole. Ses couleurs étaient parfois extrêmement vives et, comme l’a noté un critique, « Tout est rendu avec l’intensité d’un rêve. » Au Moyen-Orient et en Afrique du Nord, Sargent a peint des Bédouins, des chevriers et des pêcheurs. Au cours de la dernière décennie de sa vie, il a produit de nombreuses aquarelles dans le Maine, en Floride et dans l’Ouest américain, représentant la faune, la flore et les peuples autochtones. Avec ses aquarelles, Sargent a pu satisfaire ses premières inclinations artistiques pour la nature, l’architecture, les peuples exotiques et les nobles paysages montagneux. Et c’est dans certaines de ses œuvres tardives que l’on sent Sargent peindre le plus purement pour lui-même. Ses aquarelles furent exécutées avec une fluidité joyeuse. Il a également peint abondamment sa famille, ses amis, des jardins et des fontaines. Dans ses aquarelles, il a représenté avec espièglerie ses amis et sa famille vêtus de costumes orientalistes, se détendant dans des paysages lumineusement éclairés qui permettaient une palette plus vive et une manipulation plus expérimentale que ses commandes (La Partie d’échecs, 1906). Sa première grande exposition personnelle d’aquarelles eut lieu à la Carfax Gallery à Londres en 1905. En 1909, il exposa quatre-vingt-six aquarelles à New York, dont quatre-vingt-trois furent achetées par le Brooklyn Museum. Evan Charteris écrivit en 1927 : Vivre avec les aquarelles de Sargent, c’est vivre avec un soleil capturé et retenu, avec la lueur d’un monde lumineux et lisible, « l’ombre refluent » et « les ardeurs ambiantes de midi ». Bien qu’il ne bénéficie pas généralement du respect critique accordé à Winslow Homer, peut-être le plus grand aquarelliste américain, les études ont révélé que Sargent maîtrisait parfaitement toute la gamme des techniques d’aquarelle opaque et transparente, y compris les méthodes utilisées par Homer. En concession à la demande insatiable de portraits de la part de mécènes fortunés, Sargent a réalisé à la hâte des centaines d’esquisses rapides au fusain, qu’il appelait « Mugs ». Quarante-six d’entre elles, couvrant les années 1890–1916, ont été exposées à la Royal Society of Portrait Painters en 1916. All of Sargent’s murals are to be found in the Boston/Cambridge area. They are in the Boston Public Library, the Museum of Fine Arts, and Harvard’s Widener Library. Sargent’s largest scale works are the mural decorations that grace the Boston Public Library depicting the history of religion and the gods of polytheism. They were attached to the walls of the library by means of marouflage. He worked on the cycle for almost thirty years but never completed the final mural. Sargent drew on his extensive travels and museum visits to create a dense art historical mélange. The murals were most recently restored in 2003–2004 by a team from the Straus Center for Conservation and Technical Studies, Harvard Art Museums. Sargent worked on the murals from 1895 through 1919; they were intended to show religion’s (and society’s) progress from pagan superstition up through the ascension of Christianity, concluding with a painting depicting Jesus delivering the Sermon on the Mount. But Sargent’s paintings of "The Church" and "The Synagogue", installed in late 1919, inspired a debate about whether the artist had represented Judaism in a stereotypical, or even an anti-Semitic, manner. Drawing upon iconography that was used in medieval paintings, Sargent portrayed Judaism and the synagogue as a blind, ugly hag, and Christianity and the church as a lovely, radiant young woman. He also failed to understand how these representations might be problematic for the Jews of Boston; he was both surprised and hurt when the paintings were criticized. The paintings were objectionable to Boston Jews since they seemed to show Judaism defeated, and Christianity triumphant. The Boston newspapers also followed the controversy, noting that while many found the paintings offensive, not everyone agreed. In the end, Sargent abandoned his plan to finish the murals, and the controversy eventually died down. À son retour en Angleterre en 1918, après une visite aux États-Unis, Sargent fut commissionné comme artiste de guerre par le ministère britannique de l’Information. Dans sa grande toile Gazés et dans de nombreuses aquarelles, il dépeignit des scènes de la Grande Guerre. Sargent avait été affecté par la mort de sa nièce Rose-Marie lors du bombardement de l’église Saint-Gervais, à Paris, le Vendredi saint 1918. Sargent était un célibataire endurci qui comptait un large cercle d’amis, hommes et femmes, tels qu’Oscar Wilde (avec qui il fut voisin pendant plusieurs années), l’auteure lesbienne Violet Paget, et son amant probable, Albert de Belleroche. Les biographes l’ont autrefois dépeint comme compassé et réservé. Cependant, des recherches récentes ont émis l’hypothèse qu’il était un homme privé, complexe et passionné, dont l’identité homosexuelle était essentielle à la formation de son art. Cette opinion s’appuie sur les témoignages de ses amis et connaissances, le charme distant général de ses portraits, la manière dont ses œuvres remettent en question les notions du XIXe siècle concernant la différence entre les sexes, ses nus masculins auparavant ignorés, ainsi que certains portraits masculins nus, notamment ceux de Thomas E. McKeller, Bartholomy Maganosco, Olimpio Fusco, et celui de l’artiste aristocrate Albert de Belleroche, qui était accroché dans sa salle à manger à Chelsea. Sargent entretenait une longue amitié avec Belleroche, qu’il rencontra en 1882 et avec qui il voyagea fréquemment. Un dessin survivant suggère que Sargent aurait pu utiliser Belleroche comme modèle pour Madame X, en raison d’une coïncidence de dates où Sargent les dessina séparément à peu près au même moment, et d’une pose délicate évoquant davantage les esquisses de la forme masculine par Sargent que ses commandes souvent rigides. Il a été suggéré que la réputation de Sargent dans les années 1890 en tant que « peintre des Juifs » pouvait être due à son empathie envers leur altérité sociale mutuelle, ainsi qu’à un plaisir complice qu’il y prenait. Une cliente juive, Betty Wertheimer, écrivit que, lorsqu’il était à Venise, Sargent « ne s’intéressait qu’aux gondoliers vénitiens ». Le peintre Jacques-Émile Blanche, qui fut l’un de ses premiers modèles, déclara après la mort de Sargent que sa vie sexuelle « était notoire à Paris, et à Venise, véritablement scandaleuse. C’était un bougre frénétique. » Il a eu de nombreuses relations avec des femmes : il a été suggéré que celles qu’il entretenait avec ses modèles Rosina Ferrara, Virginie Gautreau et Judith Gautier auraient pu basculer dans l’infatuation. Jeune homme, Sargent a également courtisé pendant un temps Louise Burkhardt, le modèle de La Dame à la rose. Les amis et soutiens de Sargent comprenaient Henry James, Isabella Stewart Gardner (qui commanda et acheta des œuvres à Sargent et sollicita ses conseils pour d’autres acquisitions), Édouard VII et Paul César Helleu. Il fréquentait également le prince Edmond de Polignac et le comte Robert de Montesquiou. Parmi les autres artistes associés à Sargent figuraient Dennis Miller Bunker, James Carroll Beckwith, Edwin Austin Abbey et John Elliott (qui travailla aussi aux fresques de la Bibliothèque publique de Boston), Francis David Millet, Joaquín Sorolla et Claude Monet, que Sargent peignit. Entre 1905 et 1914, les compagnons de voyage fréquents de Sargent étaient le couple d’artistes mariés Wilfrid de Glehn et Jane Emmet de Glehn. Le trio passait souvent l’été en France, en Espagne ou en Italie, et tous trois se représentaient mutuellement dans leurs peintures durant leurs voyages. À une époque où le monde de l’art se concentrait, tour à tour, sur l’impressionnisme, le fauvisme et le cubisme, Sargent pratiquait sa propre forme de réalisme, qui faisait de brillantes références à Velázquez, Van Dyck et Gainsborough. Sa facilité apparente à paraphraser les maîtres d’une manière contemporaine a donné lieu à un flux de portraits commandés d’une virtuosité remarquable (Arsène Vigeant, 1885, Musées de Metz ; M. et Mme Isaac Newton Phelps-Stokes, 1897, Metropolitan Museum of Art, New York) et a valu à Sargent le surnom de « Van Dyck de notre temps ». Néanmoins, de son vivant, son travail suscita des réactions négatives de la part de certains de ses collègues : Camille Pissarro écrivit qu’« il n’est pas un enthousiaste mais plutôt un exécutant adroit », et Walter Sickert publia un texte satirique sous le titre « Sargentolâtrie ». Au moment de sa mort, il était considéré comme anachronique, une relique de l’Âge doré, en décalage avec les sensibilités artistiques de l’Europe d’après la Première Guerre mondiale. Elizabeth Prettejohn suggère que le déclin de la réputation de Sargent était dû en partie à la montée de l’antisémitisme et à l’intolérance qui en résulta envers les « célébrations de la prospérité juive ». Il a été avancé que les qualités exotiques inhérentes à son œuvre ont séduit la sympathie des clients juifs qu’il a peints à partir des années 1890. Nulle part cela n’est plus apparent que dans son portrait Almina, fille d’Asher Wertheimer (1908), où le sujet est représenté portant un costume persan, un turban incrusté de perles et jouant d’un tamboura indien, des accessoires tous destinés à évoquer la sensualité et le mystère. Si Sargent a utilisé ce portrait pour explorer les questions de sexualité et d’identité, il semble avoir rencontré la satisfaction du père du sujet, Asher Wertheimer, un riche marchand d’art juif. Le plus éminent des détracteurs de Sargent était l’influent critique d’art anglais Roger Fry, membre du groupe de Bloomsbury, qui, lors de la rétrospective Sargent de 1926 à Londres, rejeta son œuvre comme manquante de qualité esthétique : « Merveilleux, en effet, mais le plus merveilleux est que cette performance admirable ait pu être confondue avec celle d’un artiste. » Et, dans les années 1930, Lewis Mumford mena un chœur de critiques des plus sévères : « Sargent resta jusqu’à la fin un illustrateur ... l’apparence la plus adroite de maîtrise technique, l’œil le plus audacieux pour l’effet, ne peuvent dissimuler le vide essentiel de l’esprit de Sargent, ni la superficialité méprisante et cynique d’une certaine partie de son exécution. » La dévalorisation de Sargent est également attribuée en partie à sa vie d’expatrié, qui le faisait paraître moins américain à une époque où l’art américain « authentique » et socialement conscient, tel qu’incarné par le cercle de Stieglitz et par l’Ashcan School, était en ascension. Après une longue période de défaveur critique, la réputation de Sargent n’a cessé de croître depuis les années 1950. Dans les années 1960, un renouveau de l’art victorien et de nouvelles études consacrées à Sargent ont consolidé sa réputation. Sargent a fait l’objet d’expositions d’envergure dans de grands musées, notamment une exposition rétrospective au Whitney Museum of American Art en 1986, ainsi qu’une importante exposition itinérante en 1999 qui a été présentée au Museum of Fine Arts de Boston, à la National Gallery of Art de Washington et à la National Gallery de Londres. En 1986, Andy Warhol a déclaré au spécialiste de Sargent, Trevor Fairbrother, que Sargent « rendait tout le monde glamour. Plus grand. Plus mince. Mais ils ont tous une ambiance, chacun d’eux a une ambiance différente. » Dans un article du magazine TIME des années 1980, le critique Robert Hughes a salué Sargent comme « l’enregistreur incomparable du pouvoir masculin et de la beauté féminine à une époque qui, comme la nôtre, faisait une cour excessive aux deux. » En 1922, Sargent co-fonde les Grand Central Art Galleries de New York avec Edmund Greacen, Walter Leighton Clark et d’autres. Sargent participe activement aux Grand Central Art Galleries et à leur académie, la Grand Central School of Art, jusqu’à sa mort en 1925. Les galeries organisent une grande exposition rétrospective de l’œuvre de Sargent en 1924. Il retourne ensuite en Angleterre, où il meurt dans sa demeure de Chelsea le 14 avril 1925, des suites d’une maladie cardiaque. Sargent est inhumé au cimetière de Brookwood, près de Woking, dans le Surrey. Des expositions commémoratives des œuvres de Sargent ont eu lieu à Boston en 1925, au Metropolitan Museum of Art de New York et à la Royal Academy ainsi qu’à la Tate Gallery à Londres en 1926. Les Grand Central Art Galleries ont également organisé une exposition posthume en 1928 présentant des croquis et dessins inédits de toute sa carrière.