John Singer Sargent

1856-1925 American

Maestro del ritratto edoardiano

John Singer Sargent è stato un artista americano espatriato, considerato il «principale pittore di ritratti della sua generazione» per le sue evocazioni del lusso dell’epoca edoardiana. Ha creato circa 900 dipinti a olio e più di 2.000 acquerelli, oltre a innumerevoli schizzi e disegni a carboncino. La sua opera documenta i viaggi in tutto il mondo, da Venezia al Tirolo, Corfù, Spagna, Medio Oriente, Montana, Maine e Florida. Nato a Firenze da genitori americani, si formò a Parigi prima di trasferirsi a Londra, vivendo la maggior parte della sua vita in Europa. Godette di fama internazionale come pittore di ritratti. Un primo invio al Salon di Parigi negli anni 1880, il suo Ritratto di Madame X, era inteso a consolidare la sua posizione di pittore della società parigina, ma invece provocò uno scandalo. L’anno successivo allo scandalo, Sargent partì per l’Inghilterra, dove continuò una carriera di successo come artista ritrattista. Fin dall’inizio, l’opera di Sargent fu caratterizzata da una notevole facilità tecnica, in particolare nella sua capacità di disegnare con il pennello, cosa che negli anni successivi suscitò ammirazione ma anche critiche per una presunta superficialità. Le sue opere commissionate erano coerenti con il grande stile della ritrattistica, mentre i suoi studi informali e i dipinti paesaggistici dimostravano una familiarità con l’impressionismo. Nella tarda vita, Sargent espresse ambivalenza riguardo alle restrizioni del lavoro formale di ritratto e dedicò gran parte delle sue energie alla pittura murale e al lavoro en plein air. Gli storici dell’arte hanno generalmente ignorato gli artisti mondani come Sargent fino alla fine del XX secolo. La mostra negli anni Ottanta dei nudi maschili precedentemente nascosti di Sargent ha contribuito a innescare una rivalutazione della sua vita e della sua opera, nonché della loro complessità psicologica. Oltre alla bellezza, alla sensualità e all’innovazione del suo corpus, i suoi interessi verso lo stesso sesso, le amicizie non convenzionali con le donne e il suo impegno rispetto alla razza, alla non conformità di genere e al globalismo emergente sono oggi considerati socialmente ed esteticamente progressisti e radicali. Sargent è un discendente di Epes Sargent, un leader militare e giurista dell’epoca coloniale. Prima della nascita di John Singer Sargent, suo padre FitzWilliam (nato nel 1820 a Gloucester, Massachusetts) fu chirurgo oculista presso il Wills Eye Hospital di Filadelfia dal 1844 al 1854. Dopo la morte della sorella maggiore di John all’età di due anni, sua madre Mary Newbold Singer (nata Singer, 1826–1906) subì un collasso nervoso, e la coppia decise di andare all’estero per riprendersi. Rimasero espatriati nomadi per il resto delle loro vite. Sebbene basati a Parigi, i genitori di Sargent si spostavano regolarmente con le stagioni verso le località balneari e montane in Francia, Germania, Italia e Svizzera. Mentre Mary era incinta, si fermarono a Firenze, in Toscana, a causa di un’epidemia di colera. Sargent nacque lì nel 1856. Un anno dopo, nacque sua sorella Mary. Dopo la sua nascita, FitzWilliam si dimise riluttantemente dal suo incarico a Filadelfia e accettò la richiesta della moglie di rimanere all’estero. Vivevano modestamente grazie a una piccola eredità e ai risparmi, conducendo una vita tranquilla con i loro figli. Evitavano generalmente la società e gli altri americani, tranne gli amici del mondo dell’arte. Nacquero altri quattro figli all’estero, dei quali solo due sopravvissero all’infanzia. Sebbene suo padre fosse un insegnante paziente delle materie di base, il giovane Sargent era un bambino vivace, più interessato alle attività all’aria aperta che agli studi. Come scrisse suo padre alla famiglia: «È un osservatore molto attento della natura animata». Sua madre era convinta che viaggiare per l’Europa e visitare musei e chiese avrebbe offerto al giovane Sargent un’istruzione soddisfacente. Diversi tentativi di inserirlo in un percorso scolastico formale fallirono, principalmente a causa della loro vita itinerante. Sua madre era un’artista dilettante capace e suo padre un abile illustratore medico. Fin dalla tenera età, lei gli diede taccuini da disegno e lo incoraggiò a fare escursioni per disegnare. Sargent si dedicò ai suoi disegni, copiò con entusiasmo immagini di navi pubblicate su The Illustrated London News e realizzò schizzi dettagliati di paesaggi. FitzWilliam aveva sperato che l’interesse del figlio per le navi e il mare lo portasse verso una carriera nella marina. A tredici anni, sua madre riferì che John «disegna piuttosto bene e ha un occhio straordinariamente rapido e corretto. Se potessimo permetterci di dargli lezioni davvero buone, diventerebbe presto un piccolo artista». All’età di tredici anni, ricevette alcune lezioni di acquerello da Carl Welsch, un pittore paesaggista tedesco. Sebbene la sua istruzione fosse lungi dall’essere completa, Sargent crebbe diventando un giovane uomo altamente colto e cosmopolita, competente nell’arte, nella musica e nella letteratura. Parlava fluentemente inglese, francese, italiano e tedesco. A diciassette anni, Sargent fu descritto come «volitivo, curioso, determinato e forte» (secondo sua madre), eppure timido, generoso e modesto (secondo suo padre). Conosceva bene molti dei grandi maestri grazie all’osservazione diretta, come scrisse nel 1874: «Ho imparato a Venezia ad ammirare immensamente Tintoretto e a considerarlo forse secondo solo a Michelangelo e Tiziano.» Un tentativo di studiare all’Accademia di Firenze fallì, poiché la scuola era in fase di riorganizzazione in quel periodo. Dopo il ritorno a Parigi da Firenze, Sargent iniziò i suoi studi d’arte con il giovane ritrattista francese Carolus-Duran. L’artista conobbe un’ascesa folgorante e fu noto per la sua tecnica audace e i suoi metodi didattici moderni; la sua influenza sarebbe stata determinante per Sargent nel periodo dal 1874 al 1878. Nel 1874, Sargent superò al primo tentativo il rigoroso esame richiesto per l’ammissione all’École des Beaux-Arts, la principale scuola d’arte in Francia. Seguì lezioni di disegno, che includevano anatomia e prospettiva, e ottenne un premio d’argento. Trascorse anche molto tempo nello studio autonomo, disegnando nei musei e dipingendo in uno studio che condivideva con James Carroll Beckwith. Beckwith divenne sia un amico prezioso sia il principale collegamento di Sargent con gli artisti americani all’estero. Sargent seguì inoltre alcune lezioni da Léon Bonnat. L’atelier di Carolus-Duran era progressista, abbandonando l’approccio accademico tradizionale, che richiedeva un disegno accurato e una sotto-pittura, a favore del metodo alla prima di lavorare direttamente sulla tela con un pennello carico di colore, derivato da Diego Velázquez. Era un approccio che si basava sul corretto posizionamento dei toni del colore. Sargent avrebbe in seguito creato un dipinto in questo stile che suscitò commenti come: «L’allievo ha superato il maestro». Questo approccio consentiva anche slanci spontanei di colore non vincolati a un disegno sottostante. Era marcatamente diverso dall’atelier tradizionale di Jean-Léon Gérôme, dove gli americani Thomas Eakins e Julian Alden Weir avevano studiato. Sargent divenne rapidamente lo studente stella. Weir incontrò Sargent nel 1874 e osservò che Sargent era «uno dei ragazzi più talentuosi che abbia mai incontrato; i suoi disegni sono come quelli degli antichi maestri e il suo colore è ugualmente raffinato». L’eccellente padronanza del francese da parte di Sargent e il suo talento superiore lo resero sia popolare che ammirato. Attraverso la sua amicizia con Paul César Helleu, Sargent incontrò i giganti del mondo dell’arte, tra cui Degas, Rodin, Monet e Whistler. Il primo entusiasmo di Sargent era per i paesaggi, non per la ritrattistica, come dimostrano i suoi numerosi schizzi pieni di montagne, marine ed edifici. L’esperienza di Carolus-Duran nella ritrattistica influenzò infine Sargent in quella direzione. Le commissioni per dipinti storici erano ancora considerate più prestigiose, ma erano molto più difficili da ottenere. La pittura di ritratti, d’altra parte, era il modo migliore per promuovere una carriera artistica, essere esposti al Salon e ottenere commissioni per guadagnarsi da vivere. Il primo grande ritratto di Sargent fu quello della sua amica Fanny Watts nel 1877, e costituì anche la sua prima ammissione al Salon. La posa, particolarmente ben eseguita, attirò l’attenzione. La sua seconda opera presentata al Salon fu «Le raccoglitrici di ostriche di Cançale», un dipinto impressionista di cui realizzò due copie, una delle quali inviò negli Stati Uniti, ed entrambe ricevettero recensioni favorevoli. Nel 1879, all’età di 23 anni, Sargent dipinse un ritratto del suo insegnante Carolus-Duran; l’opera virtuosa ottenne l’approvazione del pubblico e annunciò la direzione che avrebbe preso il suo lavoro maturo. La sua esposizione al Salon di Parigi fu sia un omaggio al suo maestro sia una pubblicità per le commissioni di ritratti. Riguardo alle prime opere di Sargent, Henry James scrisse che l’artista offriva "lo spettacolo leggermente ’inquietante’ di un talento che, proprio sulla soglia della sua carriera, non ha più nulla da imparare". Dopo aver lasciato l’atelier di Carolus-Duran, Sargent visitò la Spagna. Lì studiò con passione i dipinti di Velázquez, assorbendo la tecnica del maestro, e durante i suoi viaggi raccolse idee per opere future. Rimase affascinato dalla musica e dalla danza spagnole. Il viaggio risvegliò anche il suo stesso talento musicale (quasi pari al suo talento artistico), che trovò espressione visiva nel suo primo capolavoro, El Jaleo (1882). La musica continuò a svolgere un ruolo importante nella sua vita sociale, poiché era un abile accompagnatore sia per musicisti dilettanti che professionisti. Sargent divenne un forte sostenitore dei compositori moderni, in particolare di Gabriel Fauré. I viaggi in Italia fornirono schizzi e idee per diversi dipinti di genere raffiguranti scene di strada veneziane, che catturavano efficacemente gesti e pose che gli sarebbero stati utili nei ritratti successivi. Al suo ritorno a Parigi, Sargent ricevette rapidamente diverse commissioni per ritratti. La sua carriera era iniziata. Dimostrò immediatamente la concentrazione e la resistenza che gli permisero di dipingere con una costanza artigianale per i successivi venticinque anni. Riempì gli intervalli tra le commissioni con molti ritratti non commissionati di amici e colleghi. Le sue buone maniere, il suo francese perfetto e la sua grande abilità lo distinsero tra i nuovi ritrattisti, e la sua fama si diffuse rapidamente. Stabilì con sicurezza prezzi elevati e rifiutò i modelli che non lo soddisfacevano. Fece da mentore al suo amico Emil Fuchs, che stava imparando a dipingere ritratti a olio. All’inizio degli anni 1880, Sargent esponeva regolarmente ritratti al Salon, e questi erano per lo più raffigurazioni a figura intera di donne, come Madame Édouard Pailleron (1880) (realizzata en plein air) e Madame Ramón Subercaseaux (1881). Continuò a ricevere attenzione critica positiva. I migliori ritratti di Sargent rivelano l’individualità e la personalità dei soggetti; i suoi ammiratori più accesi ritengono che solo Velázquez possa eguagliarlo in questo, e Velázquez fu una delle grandi influenze su Sargent. Il fascino del maestro spagnolo è evidente ne Le figlie di Edward Darley Boit (1882) di Sargent, un interno suggestivo che echeggia Las Meninas di Velázquez. Come in molti dei suoi primi ritratti, Sargent sperimenta con sicurezza approcci diversi per ogni nuova sfida, utilizzando qui sia una composizione insolita sia un’illuminazione particolare per un effetto sorprendente. Una delle sue opere più esposte e amate degli anni Ottanta dell’Ottocento fu La dama con la rosa (1882), un ritratto di Charlotte Burckhardt, una cara amica e possibile legame romantico. La sua opera più controversa, Ritratto di Madame X (Madame Pierre Gautreau) (1884), è oggi considerata uno dei suoi capolavori ed era la preferita personale dell’artista; nel 1915 dichiarò: «Suppongo sia la cosa migliore che abbia mai fatto». Quando fu svelata al Salon di Parigi del 1884, suscitò una reazione così negativa che probabilmente spinse Sargent a trasferirsi a Londra. La fiducia in sé stesso di Sargent lo aveva portato a tentare un esperimento ardito nella ritrattistica, ma questa volta la cosa si ritorse contro di lui in modo inaspettato. Il dipinto non era stato commissionato da lei, e fu lui a perseguire attivamente l’opportunità, diversamente dalla maggior parte dei suoi ritratti, nei quali i clienti lo cercavano. Sargent scrisse a un conoscente comune: Ho un grande desiderio di dipingere il suo ritratto e ho motivo di pensare che lei lo permetterebbe e sta aspettando che qualcuno le proponga questo omaggio alla sua bellezza. …potreste dirle che sono un uomo di talento prodigioso. Ci volle ben più di un anno per completare il dipinto. La prima versione del ritratto di Madame Gautreau, con la famosa scollatura profonda, la pelle imbiancata dalla cipria e la testa arrogantemente inclinata, presentava una spallina dell’abito intenzionalmente suggestiva, fuori dalla spalla, solo sul lato destro, il che rendeva l’effetto complessivo più audace e sensuale. Sargent ridipinse la spallina nella sua posizione prevista sopra la spalla per cercare di attenuare il clamore, ma il danno era fatto. Le commissioni francesi si prosciugarono e disse al suo amico Edmund Gosse nel 1885 che stava prendendo in considerazione l’idea di abbandonare la pittura per la musica o gli affari. Descrivendo la reazione dei visitatori, Judith Gautier osservò: È una donna? Una chimera, la figura di un unicorno impennato come su uno stemma araldico, o forse l’opera di qualche artista decorativo orientale a cui è vietata la forma umana e che, desiderando essere ricordato della donna, ha disegnato la deliziosa arabesco? No, non è nessuna di queste cose, ma piuttosto l’immagine precisa di una donna moderna scrupolosamente disegnata da un pittore che è maestro della sua arte.” Prima dello scandalo di Madame X del 1884, Sargent aveva dipinto bellezze esotiche come Rosina Ferrara di Capri e la modella spagnola espatriata Carmela Bertagna, ma i quadri precedenti non erano stati concepiti per una vasta ricezione pubblica. Sargent tenne il dipinto ben in vista nel suo studio londinese finché non lo vendette al Metropolitan Museum of Art nel 1916, dopo essersi trasferito negli Stati Uniti e pochi mesi dopo la morte di Gautreau. Prima di arrivare in Inghilterra, Sargent iniziò a inviare dipinti per l’esposizione alla Royal Academy. Questi includevano i ritratti del Dr. Pozzi a casa (1881), uno studio flamboyante in rosso e il suo primo ritratto maschile a figura intera, e il più tradizionale Mrs. Henry White (1883). Le successive commissioni di ritratti incoraggiarono Sargent a completare il suo trasferimento a Londra nel 1886, dove si stabilì nella comunità artistica di Chelsea. Nonostante lo scandalo di Madame X, aveva considerato di trasferirsi a Londra già nel 1882; era stato ripetutamente sollecitato a farlo dal suo nuovo amico, il romanziere Henry James. Retrospettivamente, il suo trasferimento a Londra può essere visto come inevitabile. I critici inglesi non furono calorosi all’inizio, rimproverando a Sargent il suo trattamento «astuto» e «francesizzante» della pittura. Un recensore, vedendo il suo ritratto della signora Henry White, descrisse la sua tecnica come «dura» e «quasi metallica», con «nessun gusto nell’espressione, nell’aria o nella modellazione». Con l’aiuto della signora White, tuttavia, Sargent ottenne presto l’ammirazione dei mecenati e dei critici inglesi. Henry James diede anche all’artista «una spinta per quanto mi era possibile». Sargent trascorreva molto tempo a dipingere all’aperto nella campagna inglese quando non era nel suo studio. Durante una visita a Monet a Giverny nel 1885, Sargent realizzò uno dei suoi ritratti più impressionisti, raffigurante Monet al lavoro mentre dipingeva all’aperto con la sua nuova sposa nelle vicinanze. Sargent non è generalmente considerato un pittore impressionista, ma talvolta utilizzava tecniche impressionistiche con grande effetto. La sua opera «Claude Monet che dipinge al limitare di un bosco» è realizzata nella sua personale versione dello stile impressionista. Negli anni 1880, partecipò alle mostre impressioniste e iniziò a dipingere all’aperto alla maniera plein-air dopo quella visita a Monet. Sargent acquistò quattro opere di Monet per la sua collezione personale in quel periodo. Sargent fu allo stesso modo ispirato a realizzare un ritratto del suo amico artista Paul César Helleu, dipingendo anch’egli all’aperto con la moglie al suo fianco. Una fotografia molto simile al dipinto suggerisce che Sargent utilizzasse occasionalmente la fotografia come ausilio per la composizione. Tramite Helleu, Sargent incontrò e dipinse il celebre scultore francese Auguste Rodin nel 1884, realizzando un ritratto piuttosto cupo che ricorda le opere di Thomas Eakins. Sebbene i critici britannici classificassero Sargent nel campo degli impressionisti, gli impressionisti francesi la pensavano diversamente. Come dichiarò in seguito Monet: «Non è un impressionista nel senso in cui noi usiamo la parola; è troppo sotto l’influenza di Carolus-Duran». Il primo grande successo di Sargent alla Royal Academy arrivò nel 1887, con l’entusiastica accoglienza riservata a Garofano, giglio, giglio, rosa, un’opera di grandi dimensioni dipinta sul posto, che ritrae due giovani ragazze mentre accendono lanterne in un giardino inglese a Broadway, nei Cotswolds. Il dipinto fu immediatamente acquistato dalla Tate Gallery. Il suo primo viaggio a New York e Boston come artista professionista nel 1887–88 gli fruttò oltre 20 importanti commissioni, inclusi i ritratti di Isabella Stewart Gardner, la famosa mecenate d’arte di Boston. Il suo ritratto della signora Adrian Iselin, moglie di un uomo d’affari newyorkese, rivelava il suo carattere in una delle sue opere più penetranti. A Boston, Sargent fu onorato dalla sua prima mostra personale, che presentava 22 dei suoi dipinti. Qui strinse amicizia con il pittore Dennis Miller Bunker, che si recò in Inghilterra nell’estate del 1888 per dipingere con lui en plein air, ed è il soggetto del dipinto di Sargent del 1888 intitolato Dennis Miller Bunker Painting at Calcot. Tornato a Londra, Sargent fu presto di nuovo impegnato. I suoi metodi di lavoro erano allora ben consolidati, seguendo molti dei passaggi impiegati da altri maestri pittori di ritratti prima di lui. Dopo essersi assicurato una commissione attraverso trattative condotte personalmente, Sargent visitava la casa del cliente per vedere dove il dipinto sarebbe stato appeso. Spesso esaminava il guardaroba del cliente per scegliere un abbigliamento adatto. Alcuni ritratti venivano realizzati nella casa del cliente, ma più spesso nel suo studio, che era ben fornito di mobili e materiali di sfondo che sceglieva per ottenere l’effetto desiderato. Di solito richiedeva dalle otto alle dieci sedute ai suoi clienti, sebbene cercasse di catturare il volto in una sola seduta. Manteneva generalmente una conversazione piacevole e talvolta faceva una pausa e suonava il piano per il suo modello. Sargent raramente utilizzava schizzi a matita o a olio, e invece applicava direttamente la pittura a olio. Infine, selezionava una cornice appropriata. Sargent non aveva assistenti; si occupava di tutte le mansioni, come preparare le tele, verniciare i dipinti, organizzare le sessioni fotografiche, la spedizione e la documentazione. Per ogni ritratto chiedeva circa 5.000 dollari, equivalenti a circa 130.000 dollari attuali. Alcuni clienti americani viaggiavano a Londra a proprie spese per farsi ritrarre da Sargent. Intorno al 1890, Sargent dipinse due arditi ritratti non commissionati come pezzi da esposizione: uno dell’attrice Ellen Terry nei panni di Lady Macbeth e uno della popolare ballerina spagnola La Carmencita. Sargent fu eletto associato della Royal Academy e divenne membro effettivo tre anni dopo. Negli anni Novanta dell’Ottocento, realizzò in media quattordici commissioni di ritratti all’anno, nessuna più bella della gentile Lady Agnew of Lochnaw, del 1892. Il suo ritratto di Mrs. Hugh Hammersley (Mrs. Hugh Hammersley, 1892) fu altrettanto ben accolto per la sua vivace raffigurazione di una delle hostess più note di Londra. Come pittore di ritratti nel grande stile, Sargent ottenne un successo senza pari; ritrasse soggetti che erano al tempo stesso nobilitati e spesso dotati di un’energia nervosa. Sargent veniva definito «il Van Dyck dei nostri tempi». Sebbene Sargent fosse un espatriato americano, tornò negli Stati Uniti molte volte, spesso per rispondere alla domanda di ritratti su commissione. Sargent espose nove dei suoi ritratti nel Palazzo delle Belle Arti all’Esposizione Colombiana Mondiale del 1893 a Chicago. Sargent dipinse una serie di tre ritratti di Robert Louis Stevenson. Il secondo, Ritratto di Robert Louis Stevenson e sua moglie (1885), fu uno dei suoi più famosi. Completò anche i ritratti di due presidenti degli Stati Uniti: Theodore Roosevelt e Woodrow Wilson. Asher Wertheimer, un ricco mercante d’arte ebreo che viveva a Londra, commissionò a Sargent una serie di una dozzina di ritratti della sua famiglia, la commissione più ampia che l’artista abbia ricevuto da un singolo mecenate. I ritratti dei Wertheimer rivelano una piacevole familiarità tra l’artista e i suoi soggetti. Wertheimer lasciò in eredità la maggior parte dei dipinti alla National Gallery. Nel 1888, Sargent presentò il suo ritratto di Alice Vanderbilt Shepard, pronipote di Cornelius Vanderbilt. Molte delle sue opere più importanti si trovano nei musei degli Stati Uniti. Nel 1897, un amico finanziò un famoso ritratto a olio del signore e della signora I. N. Phelps Stokes, realizzato da Sargent, come regalo di nozze. Nel 1900, Sargent era all’apice della sua fama. Il caricaturista Max Beerbohm completò una delle sue diciassette caricature di Sargent, rendendo nota al pubblico la fisica corpulenta dell’artista. Sebbene avesse appena quarant’anni, Sargent iniziò a viaggiare di più e a dedicare relativamente meno tempo alla pittura di ritratti. Il suo Interno a Venezia (1900), un ritratto di quattro membri della famiglia Curtis nella loro elegante dimora palaziale, Palazzo Barbaro, fu un successo clamoroso. Tuttavia, Whistler non approvava la scioltezza della pennellata di Sargent, che riassunse come "sbaffature ovunque". Uno degli ultimi grandi ritratti di Sargent nel suo stile brillante fu quello di Lord Ribblesdale, nel 1902, abbigliato con eleganza in un raffinato uniforme da caccia. Tra il 1900 e il 1907, Sargent continuò la sua elevata produttività, che includeva, oltre a dozzine di ritratti a olio, centinaia di disegni di ritratti venduti a circa 400 dollari l’uno. Nel 1901, acquistò la proprietà adiacente alla sua casa in Tite Street, per creare uno studio più ampio. Nel 1907, all’età di cinquantuno anni, Sargent chiuse ufficialmente il suo studio. Sollevato, dichiarò: «Dipingere un ritratto sarebbe piuttosto divertente se non si fosse costretti a parlare mentre si lavora... Che seccatura dover intrattenere il modello e sembrare felici quando ci si sente infelici». Nello stesso anno, Sargent dipinse il suo modesto e serio autoritratto, l’ultimo, per la celebre collezione di autoritratti della Galleria degli Uffizi a Firenze, in Italia. Sargent effettuò diverse visite estive sulle Alpi svizzere con le sue sorelle Emily e Violet (signora Ormond) e le figlie di Violet, Rose-Marie e Reine, che furono soggetto di numerosi dipinti tra il 1906 e il 1913. Man mano che Sargent si stancava della ritrattistica, si dedicò a soggetti architettonici e paesaggistici. Durante una visita a Roma nel 1906, Sargent realizzò un dipinto a olio e diversi schizzi a matita della scalinata esterna e della balaustra davanti alla Chiesa dei Santi Domenico e Sisto, ora la chiesa della Pontificia Università San Tommaso d’Aquino, Angelicum. La doppia scalinata, costruita nel 1654, è opera dell’architetto e scultore Orazio Torriani (fl. 1602–1657). Nel 1907 scrisse: «Ho fatto a Roma uno studio di una magnifica scalinata curva e balaustra, che conduce a una grandiosa facciata che ridurrebbe un milionario a un verme....» Il dipinto è oggi esposto al Museo Ashmolean dell’Università di Oxford e gli schizzi a matita fanno parte della collezione d’arte del Fogg Museum dell’Università Harvard. In seguito, Sargent utilizzò le caratteristiche architettoniche di questa scalinata e balaustra in un ritratto di Charles William Eliot, presidente dell’Università Harvard dal 1869 al 1909. La fama di Sargent era ancora considerevole e i musei acquistavano avidamente le sue opere. Quell’anno rifiutò un titolo cavalleresco e decise invece di mantenere la sua cittadinanza americana. Dal 1907 in poi, Sargent abbandonò in larga misura la pittura di ritratti e si concentrò sui paesaggi. Effettuò numerose visite negli Stati Uniti nell’ultimo decennio della sua vita, incluso un soggiorno di due anni interi dal 1915 al 1917. Nell’aprile 1917 Sargent stava visitando la tenuta di Miami di James Deering e fu invitato a navigare nelle Florida Keys con James e suo fratello Charles Deering a bordo dello yacht di James, il Nepenthe. Sargent era molto più interessato alla «miniera di schizzi» che la tenuta rappresentava, per nulla interessato alla pesca, e intraprese la crociera «con riluttanza», realizzando alcuni schizzi ad acquerello (tra cui Derelicts, 1917). Quando Sargent completò il suo ritratto di John D. Rockefeller nel 1917, la maggior parte dei critici cominciò ad annoverarlo tra i maestri del passato, definendolo «un brillante ambasciatore tra i suoi mecenati e la posterità». I modernisti lo trattarono più duramente, considerandolo completamente distaccato dalla realtà della vita americana e dalle tendenze artistiche emergenti, tra cui il cubismo e il futurismo. Sargent accettò silenziosamente le critiche, ma si rifiutò di modificare il suo giudizio negativo sull’arte moderna. Ribatté: «Ingres, Raffaello ed El Greco, queste sono ora le mie ammirazioni, questo è ciò che mi piace». Nel 1925, poco prima di morire, Sargent dipinse il suo ultimo ritratto a olio, una tela raffigurante Grace Curzon, marchesa Curzon di Kedleston. Il dipinto fu acquistato nel 1936 dal Currier Museum of Art, dove è esposto. Nel corso della sua lunga carriera, Sargent dipinse oltre 2.000 acquerelli, spaziando dalla campagna inglese a Venezia, al Tirolo, Corfù, al Medio Oriente, al Montana, al Maine e alla Florida. Ogni destinazione gli offriva stimoli pittorici e tesori. Anche nel tempo libero, per sfuggire alle pressioni dello studio di ritratti, dipingeva con un’intensità irrequieta, spesso dalla mattina alla sera. Le sue centinaia di acquerelli di Venezia sono particolarmente notevoli, molti dei quali realizzati dalla prospettiva di una gondola. I suoi colori erano a volte estremamente vividi e, come ha osservato un critico, «Tutto è reso con l’intensità di un sogno». In Medio Oriente e Nord Africa, Sargent dipinse beduini, caprai e pescatori. Nell’ultimo decennio della sua vita, produsse molti acquerelli nel Maine, in Florida e nell’Ovest americano, raffiguranti fauna, flora e popolazioni native. Con i suoi acquerelli, Sargent poté assecondare le sue prime inclinazioni artistiche verso la natura, l’architettura, i popoli esotici e i nobili paesaggi montani. Ed è in alcune delle sue opere tarde che si percepisce Sargent dipingere più puramente per se stesso. I suoi acquerelli furono eseguiti con una gioiosa fluidità. Dipinse anche estesamente famiglia, amici, giardini e fontane. Negli acquerelli, ritrasse giocosamente i suoi amici e la sua famiglia vestiti con costumi orientalisti, mentre si rilassavano in paesaggi luminosamente illuminati che consentivano una tavolozza più vivida e una gestione più sperimentale rispetto alle sue commissioni (La partita a scacchi, 1906). La sua prima grande mostra personale di acquerelli si tenne alla Carfax Gallery di Londra nel 1905. Nel 1909, espose ottantasei acquerelli a New York City, ottantatre dei quali furono acquistati dal Brooklyn Museum. Evan Charteris scrisse nel 1927: Vivere con gli acquerelli di Sargent significa vivere con la luce del sole catturata e trattenuta, con il lustro di un mondo luminoso e leggibile, «l’ombra rifluente» e «gli ardori ambientali del mezzogiorno». Sebbene generalmente non gli venga riconosciuto il rispetto critico attribuito a Winslow Homer, forse il più grande acquerellista americano, gli studi accademici hanno rivelato che Sargent padroneggiava con disinvoltura l’intera gamma delle tecniche dell’acquerello opaco e trasparente, compresi i metodi utilizzati da Homer. Come concessione alla domanda insaziabile di ritratti da parte di facoltosi mecenati, Sargent realizzò rapidamente centinaia di schizzi a carboncino, che chiamò «Mugs». Quarantasei di questi, coprendo gli anni dal 1890 al 1916, furono esposti presso la Royal Society of Portrait Painters nel 1916. All of Sargent’s murals are to be found in the Boston/Cambridge area. They are in the Boston Public Library, the Museum of Fine Arts, and Harvard’s Widener Library. Sargent’s largest scale works are the mural decorations that grace the Boston Public Library depicting the history of religion and the gods of polytheism. They were attached to the walls of the library by means of marouflage. He worked on the cycle for almost thirty years but never completed the final mural. Sargent drew on his extensive travels and museum visits to create a dense art historical mélange. The murals were most recently restored in 2003–2004 by a team from the Straus Center for Conservation and Technical Studies, Harvard Art Museums. Sargent worked on the murals from 1895 through 1919; they were intended to show religion’s (and society’s) progress from pagan superstition up through the ascension of Christianity, concluding with a painting depicting Jesus delivering the Sermon on the Mount. But Sargent’s paintings of "The Church" and "The Synagogue", installed in late 1919, inspired a debate about whether the artist had represented Judaism in a stereotypical, or even an anti-Semitic, manner. Drawing upon iconography that was used in medieval paintings, Sargent portrayed Judaism and the synagogue as a blind, ugly hag, and Christianity and the church as a lovely, radiant young woman. He also failed to understand how these representations might be problematic for the Jews of Boston; he was both surprised and hurt when the paintings were criticized. The paintings were objectionable to Boston Jews since they seemed to show Judaism defeated, and Christianity triumphant. The Boston newspapers also followed the controversy, noting that while many found the paintings offensive, not everyone agreed. In the end, Sargent abandoned his plan to finish the murals, and the controversy eventually died down. Al suo ritorno in Inghilterra nel 1918, dopo una visita negli Stati Uniti, Sargent fu incaricato dal Ministero dell’Informazione britannico di operare come artista di guerra. Nel suo grande dipinto Gassed e in numerosi acquerelli, raffigurò scene della Grande Guerra. Sargent era stato colpito dalla morte della nipote Rose-Marie durante il bombardamento della chiesa di Saint-Gervais a Parigi, il Venerdì Santo del 1918. Sargent fu uno scapolo incallito con un’ampia cerchia di amici, inclusi sia uomini che donne, come Oscar Wilde (con cui fu vicino di casa per diversi anni), l’autrice lesbica Violet Paget e il suo probabile amante, Albert de Belleroche. I biografi lo ritrassero un tempo come impassibile e riservato. Tuttavia, studi recenti hanno ipotizzato che fosse un uomo privato, complesso e passionale, la cui identità omosessuale fu integrale nel plasmare la sua arte. Questa visione si basa sulle dichiarazioni dei suoi amici e conoscenti, sull’affascinante distacco generale dei suoi ritratti, sul modo in cui le sue opere sfidano le nozioni ottocentesche della differenza di genere, sui suoi nudi maschili precedentemente ignorati e su alcuni ritratti maschili nudi, inclusi quelli di Thomas E. McKeller, Bartholomy Maganosco, Olimpio Fusco e quello dell’artista aristocratico Albert de Belleroche, che era appeso nella sua sala da pranzo a Chelsea. Sargent ebbe una lunga amicizia con Belleroche, che incontrò nel 1882 e con cui viaggiò frequentemente. Un disegno sopravvissuto suggerisce che Sargent potrebbe aver usato Belleroche come modello per Madame X, a causa di una coincidenza di date in cui Sargent li disegnò separatamente più o meno nello stesso periodo, e di una posa delicata che ricorda più gli schizzi di Sargent della forma maschile che le sue commissioni, spesso rigide. È stato suggerito che la reputazione di Sargent negli anni 1890 come «il pittore degli ebrei» potesse essere dovuta alla sua empatia verso la loro reciproca alterità sociale, nonché a un piacere complice in essa. Una cliente ebrea, Betty Wertheimer, scrisse che, quando si trovava a Venezia, Sargent «era interessato solo ai gondolieri veneziani». Il pittore Jacques-Émile Blanche, che fu uno dei suoi primi modelli, dichiarò dopo la morte di Sargent che la sua vita sessuale «era nota a Parigi e, a Venezia, davvero scandalosa. Era un sodomita frenetico.» Ebbe molte relazioni con donne: è stato suggerito che quelle con le sue modelle Rosina Ferrara, Virginie Gautreau e Judith Gautier possano essere sfociate in infatuazione. Da giovane, Sargent corteggiò anche per un periodo Louise Burkhardt, la modella di Lady with the Rose. Gli amici e sostenitori di Sargent includevano Henry James, Isabella Stewart Gardner (che commissionò e acquistò opere da Sargent e cercava il suo consiglio per altri acquisti), Edoardo VII e Paul César Helleu. Frequentava anche il principe Edmond de Polignac e il conte Robert de Montesquiou. Altri artisti con cui Sargent era in rapporto erano Dennis Miller Bunker, James Carroll Beckwith, Edwin Austin Abbey e John Elliott (che lavorò anche agli affreschi della Biblioteca Pubblica di Boston), Francis David Millet, Joaquín Sorolla e Claude Monet, ritratto da Sargent. Tra il 1905 e il 1914, i frequenti compagni di viaggio di Sargent furono la coppia di artisti sposati Wilfrid de Glehn e Jane Emmet de Glehn. Il trio trascorreva spesso l’estate in Francia, Spagna o Italia, e tutti e tre si ritraevano a vicenda nei loro dipinti durante i viaggi. In un’epoca in cui il mondo dell’arte si concentrava, a turno, sull’Impressionismo, sul Fauvismo e sul Cubismo, Sargent praticava una sua forma di Realismo, che faceva brillanti riferimenti a Velázquez, Van Dyck e Gainsborough. La sua apparentemente effortless abilità nel parafrasare i maestri in modo contemporaneo portò a un flusso di ritratti commissionati di notevole virtuosismo (Arsène Vigeant, 1885, Musées de Metz; Mr. e Mrs. Isaac Newton Phelps-Stokes, 1897, Metropolitan Museum of Art, New York) e valse a Sargent l’appellativo di «Van Dyck dei nostri tempi». Tuttavia, durante la sua vita, il suo lavoro suscitò reazioni negative da parte di alcuni suoi colleghi: Camille Pissarro scrisse che «non è un entusiasta, ma piuttosto un abile esecutore», e Walter Sickert pubblicò una vignetta satirica sotto il titolo «Sargentolatria». Al momento della sua morte, fu liquidato come un anacronismo, una reliquia dell’Età dell’Oro e in disaccordo con i sentimenti artistici dell’Europa del dopoguerra della Prima Guerra Mondiale. Elizabeth Prettejohn suggerisce che il declino della reputazione di Sargent fosse dovuto in parte all’ascesa dell’antisemitismo e alla conseguente intolleranza verso le «celebrazioni della prosperità ebraica». È stato suggerito che le qualità esotiche insite nella sua opera abbiano fatto leva sulle simpatie dei clienti ebrei che ritrasse a partire dagli anni Novanta dell’Ottocento. Da nessuna parte questo è più evidente che nel suo ritratto Almina, figlia di Asher Wertheimer (1908), in cui la soggetto è raffigurata mentre indossa un costume persiano, un turbante tempestato di perle e suona una tambura indiana, accessori tutti volti a trasmettere sensualità e mistero. Se Sargent ha utilizzato questo ritratto per esplorare questioni di sessualità e identità, sembra che abbia incontrato la soddisfazione del padre della soggetto, Asher Wertheimer, un ricco mercante d’arte ebreo. Il principale detrattore di Sargent fu l’influente critico d’arte inglese Roger Fry, del Bloomsbury Group, che durante la retrospettiva di Sargent del 1926 a Londra liquidò il suo lavoro come privo di qualità estetica: «Meraviglioso, davvero, ma la cosa più meravigliosa è che questa straordinaria prestazione sia stata mai confusa con quella di un artista». E, negli anni Trenta, Lewis Mumford guidò un coro dei critici più severi: «Sargent rimase fino alla fine un illustratore ... l’apparenza più abile di maestria tecnica, l’occhio più spavaldo per l’effetto, non possono nascondere il vuoto essenziale della mente di Sargent, né la superficialità sprezzante e cinica di una certa parte della sua esecuzione». Parte della svalutazione di Sargent è attribuita anche alla sua vita da espatriato, che lo faceva apparire meno americano in un periodo in cui l’arte americana «autentica» e socialmente consapevole, esemplificata dal circolo di Stieglitz e dalla Ashcan School, era in ascesa. Dopo un lungo periodo di sfavore della critica, la reputazione di Sargent è aumentata costantemente dagli anni Cinquanta. Negli anni Sessanta, la rinascita dell’arte vittoriana e nuovi studi dedicati a Sargent hanno rafforzato la sua reputazione. Sargent è stato oggetto di mostre su larga scala in importanti musei, tra cui una mostra retrospettiva al Whitney Museum of American Art nel 1986 e una grande mostra itinerante nel 1999, esposta al Museum of Fine Arts di Boston, alla National Gallery of Art di Washington e alla National Gallery di Londra. Nel 1986, Andy Warhol commentò allo studioso di Sargent Trevor Fairbrother che Sargent «faceva sembrare tutti affascinanti. Più alti. Più magri. Ma hanno tutti un’atmosfera, ognuno di loro ha un’atmosfera diversa». In un articolo della rivista TIME degli anni ’80, il critico Robert Hughes lodò Sargent come «il cronista senza pari del potere maschile e della bellezza femminile in un’epoca che, come la nostra, faceva eccessiva corte a entrambi». Nel 1922, Sargent co-fondò le Grand Central Art Galleries di New York insieme a Edmund Greacen, Walter Leighton Clark e altri. Sargent partecipò attivamente alle Grand Central Art Galleries e alla loro accademia, la Grand Central School of Art, fino alla sua morte nel 1925. Le gallerie organizzarono una grande mostra retrospettiva delle opere di Sargent nel 1924. In seguito tornò in Inghilterra, dove morì nella sua casa di Chelsea il 14 aprile 1925 a causa di una malattia cardiaca. Sargent è sepolto nel cimitero di Brookwood, vicino a Woking, nel Surrey. Mostre commemorative delle opere di Sargent si tennero a Boston nel 1925, al Metropolitan Museum of Art di New York e alla Royal Academy e alla Tate Gallery di Londra nel 1926. Le Grand Central Art Galleries organizzarono inoltre una mostra postuma nel 1928 con schizzi e disegni mai visti prima, provenienti da tutta la sua carriera.