John Singer Sargent

1856-1925 American

Meester van het edwardiaanse portret

John Singer Sargent was een Amerikaanse expat-kunstenaar, die werd beschouwd als de ’toonaangevende portretschilder van zijn generatie’ vanwege zijn weergaven van de luxe uit het Edwardiaanse tijdperk. Hij schilderde ongeveer 900 olieverfschilderijen en meer dan 2.000 aquarellen, evenals talloze schetsen en houtskooltekeningen. Zijn oeuvre documenteert wereldwijde reizen, van Venetië tot Tirol, Corfu, Spanje, het Midden-Oosten, Montana, Maine en Florida. Geboren in Florence uit Amerikaanse ouders, werd hij opgeleid in Parijs voordat hij naar Londen verhuisde en het grootste deel van zijn leven in Europa doorbracht. Hij genoot internationale faam als portretschilder. Een vroege inzending voor het Parijse Salon in de jaren 1880, zijn Portret van Madame X, was bedoeld om zijn positie als societyschilder in Parijs te consolideren, maar leidde in plaats daarvan tot een schandaal. Het jaar na het schandaal vertrok Sargent naar Engeland, waar hij een succesvolle carrière als portretkunstenaar voortzette. Vanaf het begin werd Sargents werk gekenmerkt door een opmerkelijke technische vaardigheid, met name in zijn vermogen om met een penseel te tekenen, wat in latere jaren zowel bewondering als kritiek opriep vanwege een veronderstelde oppervlakkigheid. Zijn in opdracht gemaakte werken waren consistent met de grote stijl van de portretkunst, terwijl zijn informele studies en landschapsschilderijen een vertrouwdheid met het impressionisme toonden. In zijn latere leven uitte Sargent ambivalentie over de beperkingen van formeel portretwerk en wijdde hij veel van zijn energie aan muurschilderingen en het werken en plein air. Kunsthistorici negeerden gezelschapskunstenaars zoals Sargent over het algemeen tot laat in de 20e eeuw. De tentoonstelling in de jaren tachtig van Sargents eerder verborgen mannelijke naakten leidde tot een herevaluatie van zijn leven en werk, evenals van de psychologische complexiteit daarvan. Naast de schoonheid, sensatie en innovatie van zijn oeuvre worden zijn belangstelling voor hetzelfde geslacht, zijn onconventionele vriendschappen met vrouwen en zijn betrokkenheid bij ras, gender-nonconformiteit en opkomend globalisme nu beschouwd als sociaal en esthetisch progressief en radicaal. Sargent is een nakomeling van Epes Sargent, een koloniale militaire leider en jurist. Voor de geboorte van John Singer Sargent was zijn vader, FitzWilliam (geboren in 1820 in Gloucester, Massachusetts), van 1844 tot 1854 oogchirurg in het Wills Eye Hospital in Philadelphia. Nadat de oudere zus van John op tweejarige leeftijd overleed, kreeg zijn moeder, Mary Newbold Singer (geboren Singer, 1826–1906), een zenuwinzinking, en besloot het paar naar het buitenland te gaan om te herstellen. Ze bleven voor de rest van hun leven nomadische expats. Hoewel ze in Parijs gevestigd waren, verhuisden Sargents ouders regelmatig met de seizoenen naar de kust- en bergoorden in Frankrijk, Duitsland, Italië en Zwitserland. Terwijl Mary zwanger was, stopten ze in Florence, Toscane, vanwege een cholera-epidemie. Sargent werd daar geboren in 1856. Een jaar later werd zijn zus Mary geboren. Na haar geboorte nam FitzWilliam met tegenzin ontslag uit zijn functie in Philadelphia en accepteerde hij het verzoek van zijn vrouw om in het buitenland te blijven. Ze leefden bescheiden van een kleine erfenis en spaargeld, en leidden een rustig leven met hun kinderen. Ze vermeden over het algemeen de samenleving en andere Amerikanen, behalve vrienden in de kunstwereld. Vier andere kinderen werden in het buitenland geboren, waarvan er slechts twee de kindertijd overleefden. Hoewel zijn vader een geduldige leraar was in basisvakken, was de jonge Sargent een bruisend kind, meer geïnteresseerd in buitenactiviteiten dan in zijn studies. Zoals zijn vader naar huis schreef: “Hij is een zeer aandachtige waarnemer van de levende natuur.” Zijn moeder was ervan overtuigd dat reizen door Europa en het bezoeken van musea en kerken de jonge Sargent een bevredigende opleiding zou bieden. Verschillende pogingen om hem formeel onderwijs te laten volgen, mislukten, voornamelijk vanwege hun zwervende bestaan. Zijn moeder was een bekwaam amateurkunstenaar en zijn vader een bekwaam medisch illustrator. Al vroeg gaf ze hem schetsboeken en moedigde ze hem aan om tekenexcursies te maken. Sargent werkte aan zijn tekeningen, kopieerde enthousiast afbeeldingen van schepen uit The Illustrated London News en maakte gedetailleerde schetsen van landschappen. FitzWilliam had gehoopt dat de interesse van zijn zoon in schepen en de zee hem naar een marinecarrière zou leiden. Op dertienjarige leeftijd meldde zijn moeder dat John “vrij aardig tekent en een opmerkelijk snel en juist oog heeft. Als we het ons konden veroorloven hem echt goede lessen te geven, zou hij al snel een kleine kunstenaar worden.” Op dertienjarige leeftijd ontving hij enkele aquarellessen van Carl Welsch, een Duitse landschapsschilder. Hoewel zijn opleiding verre van compleet was, groeide Sargent uit tot een hoogontwikkeld en kosmopolitisch jongeman, bekwaam in kunst, muziek en literatuur. Hij sprak vloeiend Engels, Frans, Italiaans en Duits. Op zeventienjarige leeftijd werd Sargent beschreven als “eigenzinnig, nieuwsgierig, vastberaden en sterk” (volgens zijn moeder), maar ook verlegen, gul en bescheiden (volgens zijn vader). Hij was goed vertrouwd met veel van de grote meesters door directe observatie, zoals hij in 1874 schreef: “Ik heb in Venetië geleerd om Tintoretto enorm te bewonderen en hem misschien als tweede te beschouwen, alleen na Michelangelo en Titiaan.” Een poging om te studeren aan de Academie van Florence mislukte, omdat de school destijds werd gereorganiseerd. Na zijn terugkeer naar Parijs vanuit Florence begon Sargent zijn kunststudies bij de jonge Franse portretschilder Carolus-Duran. Deze kunstenaar maakte een bliksemcarrière en stond bekend om zijn gedurfde techniek en moderne lesmethodes; zijn invloed zou voor Sargent van doorslaggevend belang zijn tijdens de periode van 1874 tot 1878. In 1874 slaagde Sargent bij zijn eerste poging voor het strenge examen dat vereist was voor toelating tot de École des Beaux-Arts, de voornaamste kunstschool in Frankrijk. Hij volgde tekenlessen, die anatomie en perspectief omvatten, en won een zilveren prijs. Hij besteedde ook veel tijd aan zelfstudie, tekende in musea en schilderde in een atelier dat hij deelde met James Carroll Beckwith. Beckwith werd zowel een waardevolle vriend als Sargents belangrijkste connectie met de Amerikaanse kunstenaars in het buitenland. Sargent nam ook enkele lessen bij Léon Bonnat. Het atelier van Carolus-Duran was progressief en liet de traditionele academische aanpak, die zorgvuldig tekenen en onderschilderen vereiste, varen ten gunste van de alla prima-methode om direct met een geladen kwast op het doek te werken, afgeleid van Diego Velázquez. Het was een aanpak die berustte op de juiste plaatsing van verftinten. Sargent zou later een schilderij in deze stijl maken dat opmerkingen uitlokte als: "De leerling heeft de meester overtroffen." Deze aanpak stond ook spontane kleurrijke bloei toe, niet gebonden aan een onderliggende tekening. Het verschilde aanzienlijk van het traditionele atelier van Jean-Léon Gérôme, waar de Amerikanen Thomas Eakins en Julian Alden Weir hadden gestudeerd. Sargent werd al snel de sterstudent. Weir ontmoette Sargent in 1874 en merkte op dat Sargent "een van de meest getalenteerde kerels is die ik ooit heb ontmoet; zijn tekeningen zijn als die van de oude meesters, en zijn kleur is eveneens uitstekend." Sargents uitstekende beheersing van het Frans en zijn superieure talent maakten hem zowel populair als bewonderd. Door zijn vriendschap met Paul César Helleu ontmoette Sargent reuzen uit de kunstwereld, waaronder Degas, Rodin, Monet en Whistler. Sargents vroege enthousiasme ging uit naar landschappen, niet naar portretten, zoals blijkt uit zijn omvangrijke schetsen vol bergen, zeegezichten en gebouwen. De expertise van Carolus-Duran in portretschilderkunst beïnvloedde Sargent uiteindelijk in die richting. Opdrachten voor historieschilderijen werden nog steeds als prestigieuzer beschouwd, maar waren veel moeilijker te verkrijgen. Portretschilderkunsten was daarentegen de beste manier om een kunstcarrière te promoten, tentoongesteld te worden in de Salon en opdrachten te verwerven om in het levensonderhoud te voorzien. Sargents eerste grote portret was dat van zijn vriendin Fanny Watts in 1877, en het was ook zijn eerste toelating tot de Salon. De bijzonder goed uitgevoerde houding trok de aandacht. Zijn tweede inzending voor de Salon was ‘De oesterrapsters van Cançale’, een impressionistisch schilderij waarvan hij twee kopieën maakte, waarvan hij er één naar de Verenigde Staten stuurde, en beide ontvingen lovende recensies. In 1879 schilderde Sargent, op 23-jarige leeftijd, een portret van zijn leraar Carolus-Duran; de virtuoze prestatie werd door het publiek goedgekeurd en kondigde de richting aan die zijn rijpe werk zou inslaan. De tentoonstelling in de Parijse Salon was zowel een eerbetoon aan zijn leraar als reclame voor portretopdrachten. Over Sargents vroege werk schreef Henry James dat de kunstenaar "het lichtelijk ’onheilspellende’ schouwspel bood van een talent dat aan de drempel van zijn carrière niets meer te leren heeft". Na het verlaten van het atelier van Carolus-Duran bezocht Sargent Spanje. Daar bestudeerde hij met passie de schilderijen van Velázquez, nam de techniek van de meester in zich op en verzamelde tijdens zijn reizen ideeën voor toekomstige werken. Hij was betoverd door Spaanse muziek en dans. De reis wekte ook zijn eigen muzikale talent (bijna gelijk aan zijn artistieke talent) opnieuw, wat visuele uitdrukking vond in zijn vroege meesterwerk El Jaleo (1882). Muziek zou een belangrijke rol blijven spelen in zijn sociale leven, aangezien hij een bekwaame begeleider was van zowel amateur- als professionele musici. Sargent werd een sterke voorstander van moderne componisten, vooral Gabriel Fauré. Reizen naar Italië leverden schetsen en ideeën voor verschillende genrestukken van Venetiaanse straatscènes, die effectief gebaren en houdingen vastlegden die hij later nuttig zou vinden in portretten. Bij zijn terugkeer in Parijs ontving Sargent snel verschillende portretopdrachten. Zijn carrière was gelanceerd. Hij toonde onmiddellijk de concentratie en het uithoudingsvermogen die hem in staat stelden om de volgende vijfentwintig jaar met ambachtelijke standvastigheid te schilderen. Hij vulde de tussenpozen tussen opdrachten in met veel niet-opgedragen portretten van vrienden en collega’s. Zijn fijne manieren, perfect Frans en grote vaardigheid maakten hem opvallend onder de nieuwere portretschilders, en zijn faam verspreidde zich snel. Hij zette zelfverzekerd hoge prijzen en wees onbevredigende modellen af. Hij mentorde zijn vriend Emil Fuchs, die leerde portretten in olieverf te schilderen. In het begin van de jaren 1880 stelde Sargent regelmatig portretten tentoon in de Salon, en dit waren voornamelijk volledige afbeeldingen van vrouwen, zoals Madame Édouard Pailleron (1880) (geschilderd en plein air) en Madame Ramón Subercaseaux (1881). Hij bleef positieve kritische aandacht ontvangen. Sargents beste portretten onthullen de individualiteit en persoonlijkheid van de geportretteerden; zijn meest enthousiaste bewonderaars menen dat alleen Velázquez hem hierin evenaart, en Velázquez was een van de grote invloeden op Sargent. De betovering van de Spaanse meester is duidelijk zichtbaar in Sargents De dochters van Edward Darley Boit (1882), een sfeervol interieur dat doet denken aan Velázquez’ Las Meninas. Zoals in veel van zijn vroege portretten, probeert Sargent bij elke nieuwe uitdaging zelfverzekerd verschillende benaderingen, waarbij hij hier zowel een ongebruikelijke compositie als belichting inzet voor een opvallend effect. Een van zijn meest tentoongestelde en geliefde werken uit de jaren 1880 was De dame met de roos (1882), een portret van Charlotte Burckhardt, een goede vriendin en mogelijke romantische partner. Zijn meest controversiële werk, Portret van Madame X (Madame Pierre Gautreau) (1884), wordt nu beschouwd als een van zijn beste werken en was het persoonlijke favoriet van de kunstenaar; hij verklaarde in 1915: "Ik veronderstel dat het het beste is wat ik heb gedaan." Toen het werd onthuld op de Salon van Parijs in 1884, veroorzaakte het zo’n negatieve reactie dat het waarschijnlijk Sargents verhuizing naar Londen inluidde. Sargents zelfvertrouwen had hem ertoe gebracht een gewaagd experiment in de portretschilderkunst te ondernemen, maar deze keer werkte het onverwacht tegen hem. Het schilderij was niet door haar in opdracht gegeven, en hij zocht actief naar de mogelijkheid, in tegenstelling tot het meeste van zijn portretwerk, waarbij klanten naar hem toe kwamen. Sargent schreef aan een gemeenschappelijke kennis: Ik heb een sterk verlangen om haar portret te schilderen en heb reden om te denken dat ze het zou toestaan en wacht tot iemand haar deze hulde aan haar schoonheid aanbiedt. …je zou haar kunnen vertellen dat ik een man van buitengewoon talent ben. Het kostte ruim een jaar om het schilderij te voltooien. De eerste versie van het portret van Madame Gautreau, met de beroemde diepe halslijn, de wit gepoederde huid en het arrogant gekantelde hoofd, had een opzettelijk suggestieve off-the-shoulder band, alleen aan haar rechterkant, wat het totale effect durfvoller en sensueler maakte. Sargent herschilderde de band naar de verwachte positie over de schouder om de ophef te proberen te temperen, maar de schade was al berokkend. Franse opdrachten droogden op en hij vertelde zijn vriend Edmund Gosse in 1885 dat hij overwoog om de schilderkunst op te geven voor muziek of zaken. Bij het beschrijven van de reactie van de bezoekers merkte Judith Gautier op: Is het een vrouw? Een chimera, de figuur van een oprijzende eenhoorn zoals op een heraldiek wapenschild, of misschien het werk van een oosterse decoratieve kunstenaar aan wie de menselijke vorm verboden is en die, verlangend herinnerd te worden aan de vrouw, de heerlijke arabesk heeft getekend? Nee, het is niets van dit alles, maar veeleer het precieze beeld van een moderne vrouw, zorgvuldig getekend door een schilder die meester is in zijn kunst.” Voorafgaand aan het Madame X-schandaal van 1884 had Sargent exotische schoonheden geschilderd zoals Rosina Ferrara van Capri en het Spaanse expat-model Carmela Bertagna, maar de eerdere werken waren niet bedoeld voor brede publieke ontvangst. Sargent hield het schilderij prominent tentoongesteld in zijn Londense atelier totdat hij het in 1916 verkocht aan het Metropolitan Museum of Art, na zijn verhuizing naar de Verenigde Staten en enkele maanden na de dood van Gautreau. Voordat hij in Engeland aankwam, begon Sargent schilderijen te sturen voor tentoonstelling bij de Royal Academy. Deze omvatten de portretten van Dr. Pozzi thuis (1881), een flamboyante studie in het rood en zijn eerste volledige mannelijke portret, en het meer traditionele Mrs. Henry White (1883). De daaropvolgende portretopdrachten moedigden Sargent aan om zijn verhuizing naar Londen in 1886 af te ronden, waar hij zich vestigde in de artistieke gemeenschap van Chelsea. Ondanks het Madame X-schandaal had hij al in 1882 overwogen naar Londen te verhuizen; hij was herhaaldelijk aangespoord door zijn nieuwe vriend, de romanschrijver Henry James. Achteraf bezien kan zijn overgang naar Londen als onvermijdelijk worden beschouwd. Engelse critici waren aanvankelijk niet enthousiast en bekritiseerden Sargent om zijn ‘slimme’ en ‘verfranste’ behandeling van de verf. Een recensent die zijn portret van mevrouw Henry White zag, beschreef zijn techniek als ‘hard’ en ‘bijna metaalachtig’, met ‘geen smaak in expressie, uitstraling of modellering’. Met hulp van mevrouw White verwierf Sargent echter al snel de bewondering van Engelse beschermheren en critici. Henry James gaf de kunstenaar ook ‘een duwtje in de rug, voor zover ik kon’. Sargent bracht veel tijd door met schilderen in de buitenlucht op het Engelse platteland wanneer hij niet in zijn atelier was. Tijdens een bezoek aan Monet in Giverny in 1885 schilderde Sargent een van zijn meest impressionistische portretten, waarin Monet aan het werk is terwijl hij buiten schildert, met zijn nieuwe bruid in de buurt. Sargent wordt doorgaans niet beschouwd als een impressionistische schilder, maar hij gebruikte soms impressionistische technieken met groot effect. Zijn werk ’Claude Monet schilderend aan de rand van een bos’ is uitgevoerd in zijn eigen versie van de impressionistische stijl. In de jaren 1880 bezocht hij de impressionistische tentoonstellingen en begon hij na dat bezoek aan Monet buiten te schilderen in de plein-air-manier. Sargent kocht in die periode vier werken van Monet voor zijn persoonlijke collectie. Sargent werd op vergelijkbare wijze geïnspireerd om een portret te schilderen van zijn kunstenaarsvriend Paul César Helleu, eveneens buiten werkend met zijn vrouw aan zijn zijde. Een foto die sterk op het schilderij lijkt, suggereert dat Sargent fotografie af en toe gebruikte als hulpmiddel bij de compositie. Via Helleu ontmoette en portretteerde Sargent in 1884 de beroemde Franse beeldhouwer Auguste Rodin; het resultaat was een vrij somber portret dat doet denken aan werken van Thomas Eakins. Hoewel Britse critici Sargent indeelden bij de impressionisten, dachten de Franse impressionisten daar anders over. Zoals Monet later verklaarde: “Hij is geen impressionist in de zin waarin wij het woord gebruiken; hij staat te zeer onder de invloed van Carolus-Duran.” Sargents eerste grote succes aan de Royal Academy kwam in 1887, met de enthousiaste reactie op Anjer, Lelie, Lelie, Roos, een groot doek dat ter plekke was geschilderd en twee jonge meisjes toont die lantaarns aansteken in een Engelse tuin in Broadway in de Cotswolds. Het schilderij werd onmiddellijk aangekocht door de Tate Gallery. Zijn eerste reis naar New York en Boston als professioneel kunstenaar in 1887–88 leverde meer dan 20 belangrijke opdrachten op, waaronder portretten van Isabella Stewart Gardner, de beroemde Bostonse kunstmecenas. Zijn portret van mevrouw Adrian Iselin, de vrouw van een New Yorkse zakenman, onthulde haar karakter in een van zijn meest inzichtelijke werken. In Boston werd Sargent vereerd met zijn eerste solotentoonstelling, waarin 22 van zijn schilderijen werden gepresenteerd. Hier raakte hij bevriend met de schilder Dennis Miller Bunker, die in de zomer van 1888 naar Engeland reisde om samen met hem en plein air te schilderen, en het onderwerp is van Sargents schilderij uit 1888, Dennis Miller Bunker Painting at Calcot. Terug in Londen was Sargent snel weer bezig. Zijn werkwijzen waren toen goed gevestigd en volgden veel van de stappen die door andere meester portretschilders voor hem werden gebruikt. Nadat hij een opdracht had veiliggesteld via onderhandelingen die hij zelf voerde, bezocht Sargent het huis van de cliënt om te zien waar het schilderij zou komen te hangen. Hij bekeek vaak de kledingkast van een cliënt om geschikte kleding te kiezen. Sommige portretten werden thuis bij de cliënt gemaakt, maar vaker in zijn atelier, dat goed voorzien was van meubels en achtergrondmaterialen die hij koos voor het juiste effect. Meestal vereiste hij acht tot tien zit sessies van zijn cliënten, hoewel hij probeerde het gezicht in één sessie vast te leggen. Hij hield meestal een aangenaam gesprek gaande en soms nam hij een pauze en speelde hij piano voor zijn model. Sargent gebruikte zelden potlood- of olieschetsen, en bracht in plaats daarvan direct olieverf aan. Ten slotte koos hij een passend lijst. Sargent had geen assistenten; hij voerde alle taken zelf uit, zoals het voorbereiden van zijn doeken, het vernissen van de schilderijen, het regelen van fotografie, verzending en documentatie. Hij vroeg ongeveer $5.000 per portret, wat overeenkomt met ongeveer $130.000 in huidige dollars. Sommige Amerikaanse cliënten reisden op eigen kosten naar Londen om door Sargent geportretteerd te worden. Rond 1890 schilderde Sargent twee gedurfde, niet in opdracht gegeven portretten als pronkstukken: één van actrice Ellen Terry als Lady Macbeth en één van de populaire Spaanse danseres La Carmencita. Sargent werd gekozen tot geassocieerd lid van de Royal Academy en drie jaar later tot volwaardig lid. In de jaren 1890 voerde hij gemiddeld veertien portretopdrachten per jaar uit, waarbij geen enkel mooier was dan het verfijnde Lady Agnew of Lochnaw uit 1892. Zijn portret van Mrs. Hugh Hammersley (Mrs. Hugh Hammersley, 1892) werd eveneens goed ontvangen vanwege zijn levendige weergave van een van de meest opvallende hostesses van Londen. Als portretschilder in de grote stijl kende Sargent ongeëvenaard succes; hij beeldde onderwerpen af die zowel verheven waren als vaak bezeten van nerveuze energie. Sargent werd aangeduid als "de Van Dyck van onze tijd". Hoewel Sargent een Amerikaanse expatriate was, keerde hij vele keren terug naar de Verenigde Staten, vaak om te voldoen aan de vraag naar portretten in opdracht. Sargent exposeerde negen van zijn portretten in het Paleis voor Schone Kunsten op de World’s Columbian Exposition van 1893 in Chicago. Sargent schilderde een serie van drie portretten van Robert Louis Stevenson. Het tweede, Portret van Robert Louis Stevenson en zijn vrouw (1885), was een van zijn bekendste werken. Hij voltooide ook portretten van twee Amerikaanse presidenten: Theodore Roosevelt en Woodrow Wilson. Asher Wertheimer, een welvarende Joodse kunsthandelaar die in Londen woonde, gaf Sargent de opdracht voor een serie van twaalf portretten van zijn familie, de grootste opdracht die de kunstenaar van een enkele mecenas ontving. De Wertheimer-portretten onthullen een aangename vertrouwdheid tussen de kunstenaar en zijn modellen. Wertheimer legateerde de meeste schilderijen aan de National Gallery. In 1888 presenteerde Sargent zijn portret van Alice Vanderbilt Shepard, achterkleindochter van Cornelius Vanderbilt. Veel van zijn belangrijkste werken bevinden zich in musea in de Verenigde Staten. In 1897 sponsorde een vriend een beroemd olieverfschilderij-portret van de heer en mevrouw I. N. Phelps Stokes, geschilderd door Sargent, als huwelijksgeschenk. In 1900 bevond Sargent zich op het hoogtepunt van zijn faam. De cartoonist Max Beerbohm voltooide een van zijn zeventien karikaturen van Sargent, waardoor het gezette postuur van de kunstenaar bij het grote publiek bekend werd. Hoewel nog maar in de veertig, reisde Sargent meer en besteedde hij relatief minder tijd aan het schilderen van portretten. Zijn werk ’Een interieur in Venetië’ (1900), een portret van vier leden van de familie Curtis in hun elegante paleisachtige woning, het Palazzo Barbaro, was een overweldigend succes. Whistler keurde echter de losse penseelvoering van Sargent af, die hij samenvatte als ’overal vegen’. Een van Sargents laatste grote portretten in zijn bravoureuze stijl was dat van Lord Ribblesdale uit 1902, fijn gekleed in een elegant jachtkostuum. Tussen 1900 en 1907 bleef Sargent zeer productief, wat naast tientallen olieverfportretten ook honderden portrettekeningen van ongeveer $400 per stuk omvatte. In 1901 kocht hij het pand naast zijn huis aan Tite Street om een groter atelier te creëren. In 1907 sloot Sargent op eenenvijftigjarige leeftijd officieel zijn atelier. Opgelucht verklaarde hij: "Een portret schilderen zou heel amusant zijn als men niet gedwongen werd om tijdens het werk te praten.... Wat een last om de model te moeten vermaken en er gelukkig uit te zien terwijl men zich ellendig voelt." In datzelfde jaar schilderde Sargent zijn bescheiden en serieuze zelfportret, zijn laatste, voor de beroemde zelfportrettencollectie van de Uffizi in Florence, Italië. Sargent bracht meerdere zomers door in de Zwitserse Alpen met zijn zussen Emily en Violet (mevrouw Ormond) en Violets dochters Rose-Marie en Reine, die tussen 1906 en 1913 het onderwerp waren van verschillende schilderijen. Naarmate Sargent het portretteren beu raakte, richtte hij zich op architectonische en landschappelijke onderwerpen. Tijdens een bezoek aan Rome in 1906 maakte Sargent een olieverfschilderij en verschillende potloodschetsen van de buitentrap en de balustrade voor de Kerk van de Heiligen Dominicus en Sixtus, nu de kerk van de Pauselijke Universiteit van Sint-Thomas van Aquino, Angelicum. De dubbele trap, gebouwd in 1654, is het ontwerp van de architect en beeldhouwer Orazio Torriani (fl. 1602–1657). In 1907 schreef hij: "Ik heb in Rome een studie gemaakt van een prachtige gebogen trap en balustrade, die leidt naar een grandioze gevel die een miljonair tot een worm zou reduceren...." Het schilderij hangt nu in het Ashmolean Museum van de Universiteit van Oxford en de potloodschetsen maken deel uit van de kunstcollectie van het Fogg Museum van de Harvard-universiteit. Sargent gebruikte later de architectonische kenmerken van deze trap en balustrade in een portret van Charles William Eliot, president van de Harvard-universiteit van 1869 tot 1909. Sargents faam was nog steeds aanzienlijk en musea kochten zijn werken gretig. Dat jaar weigerde hij een ridderschap en besloot hij in plaats daarvan zijn Amerikaanse staatsburgerschap te behouden. Vanaf 1907 liet Sargent portretschilderen grotendeels achter zich en richtte hij zich op landschappen. Hij bracht talrijke bezoeken aan de Verenigde Staten in het laatste decennium van zijn leven, waaronder een verblijf van twee volledige jaren van 1915 tot 1917. In april 1917 bezocht Sargent het landgoed in Miami van James Deering en werd hij uitgenodigd om met James en zijn broer Charles Deering aan boord van James’ jacht Nepenthe door de Florida Keys te varen. Sargent was veel meer geïnteresseerd in de ‘mijn van schetsen’ die het landgoed was, helemaal niet geïnteresseerd in vissen, en maakte de cruise ‘tegenwil’, waarbij hij enkele aquarelschetsen maakte (waaronder Derelicts, 1917). Tegen de tijd dat Sargent in 1917 zijn portret van John D. Rockefeller voltooide, begonnen de meeste critici hem onder de meesters van het verleden te scharen en noemden hem ‘een briljante ambassadeur tussen zijn beschermheren en het nageslacht’. Modernisten behandelden hem harder en vonden hem volledig losgezongen van de realiteit van het Amerikaanse leven en van opkomende kunststromingen zoals het kubisme en het futurisme. Sargent aanvaardde de kritiek stilzwijgend, maar weigerde zijn negatieve oordeel over de moderne kunst te wijzigen. Hij pareerde: ‘Ingres, Rafaël en El Greco, dit zijn nu mijn bewonderingen, dit is wat ik mooi vind.’ In 1925, kort voor zijn dood, schilderde Sargent zijn laatste olieverfportret, een doek van Grace Curzon, markiezin Curzon van Kedleston. Het schilderij werd in 1936 aangekocht door het Currier Museum of Art, waar het tentoongesteld wordt. Tijdens zijn lange carrière schilderde Sargent meer dan 2.000 aquarellen, waarbij hij reisde van het Engelse platteland naar Venetië, Tirol, Corfu, het Midden-Oosten, Montana, Maine en Florida. Elke bestemming bood hem picturale inspiratie en schatten. Zelfs in zijn vrije tijd, om te ontsnappen aan de druk van de portretstudio, schilderde hij met rusteloze intensiteit, vaak van ochtend tot avond. Zijn honderden aquarellen van Venetië zijn bijzonder opmerkelijk, waarvan veel zijn geschilderd vanuit het perspectief van een gondel. Zijn kleuren waren soms extreem levendig en, zoals een recensent opmerkte: "Alles wordt weergegeven met de intensiteit van een droom." In het Midden-Oosten en Noord-Afrika schilderde Sargent Bedoeïenen, geitenhoeders en vissers. In het laatste decennium van zijn leven produceerde hij veel aquarellen in Maine, Florida en het Amerikaanse Westen, met afbeeldingen van fauna, flora en inheemse volkeren. Met zijn aquarellen kon Sargent toegeven aan zijn vroegste artistieke neigingen voor natuur, architectuur, exotische volkeren en verheven berglandschappen. En in sommige van zijn late werken is te merken dat Sargent het zuiverst voor zichzelf schilderde. Zijn aquarellen werden uitgevoerd met een vrolijke vloeiendheid. Hij schilderde ook uitgebreid familie, vrienden, tuinen en fonteinen. In aquarellen portretteerde hij op speelse wijze zijn vrienden en familie gekleed in oriëntalistische kostuums, ontspannend in helder verlichte landschappen die een levendiger palet en een experimentelere behandeling mogelijk maakten dan zijn opdrachten (Het schaakspel, 1906). Zijn eerste grote solotentoonstelling van aquarelwerken vond plaats in de Carfax Gallery in Londen in 1905. In 1909 exposeerde hij zesentachtig aquarellen in New York City, waarvan drieëntachtig werden gekocht door het Brooklyn Museum. Evan Charteris schreef in 1927: Leven met Sargents aquarellen is leven met ingevangen en vastgehouden zonlicht, met de glans van een heldere en leesbare wereld, ’de terugvloeiende schaduw’ en ’de omringende gloed van de middag’. Hoewel Sargent over het algemeen niet het kritische respect krijgt dat Winslow Homer, misschien wel Amerika’s grootste aquarellist, ten deel valt, heeft wetenschappelijk onderzoek aangetoond dat Sargent vloeiend was in het hele scala van opaque en transparante aquareltechnieken, inclusief de methoden die door Homer werden gebruikt. Als toegeving aan de onverzadigbare vraag van welgestelde begunstigers naar portretten, schetste Sargent haastig honderden snelle houtskoolportretschetsen, die hij ’Mugs’ noemde. Zesenveertig daarvan, uit de periode 1890–1916, werden in 1916 tentoongesteld bij de Royal Society of Portrait Painters. All of Sargent’s murals are to be found in the Boston/Cambridge area. They are in the Boston Public Library, the Museum of Fine Arts, and Harvard’s Widener Library. Sargent’s largest scale works are the mural decorations that grace the Boston Public Library depicting the history of religion and the gods of polytheism. They were attached to the walls of the library by means of marouflage. He worked on the cycle for almost thirty years but never completed the final mural. Sargent drew on his extensive travels and museum visits to create a dense art historical mélange. The murals were most recently restored in 2003–2004 by a team from the Straus Center for Conservation and Technical Studies, Harvard Art Museums. Sargent worked on the murals from 1895 through 1919; they were intended to show religion’s (and society’s) progress from pagan superstition up through the ascension of Christianity, concluding with a painting depicting Jesus delivering the Sermon on the Mount. But Sargent’s paintings of "The Church" and "The Synagogue", installed in late 1919, inspired a debate about whether the artist had represented Judaism in a stereotypical, or even an anti-Semitic, manner. Drawing upon iconography that was used in medieval paintings, Sargent portrayed Judaism and the synagogue as a blind, ugly hag, and Christianity and the church as a lovely, radiant young woman. He also failed to understand how these representations might be problematic for the Jews of Boston; he was both surprised and hurt when the paintings were criticized. The paintings were objectionable to Boston Jews since they seemed to show Judaism defeated, and Christianity triumphant. The Boston newspapers also followed the controversy, noting that while many found the paintings offensive, not everyone agreed. In the end, Sargent abandoned his plan to finish the murals, and the controversy eventually died down. Bij zijn terugkeer naar Engeland in 1918, na een bezoek aan de Verenigde Staten, werd Sargent door het Britse Ministerie van Informatie aangesteld als oorlogskunstenaar. In zijn grote schilderij Gassed en in vele aquarellen beeldde hij taferelen uit de Eerste Wereldoorlog uit. Sargent was getroffen door de dood van zijn nichtje Rose-Marie bij de beschieting van de Saint-Gervais-kerk in Parijs op Goede Vrijdag 1918. Sargent was een levenslange vrijgezel met een brede kring van vrienden, waaronder zowel mannen als vrouwen, zoals Oscar Wilde (met wie hij enkele jaren buren was), de lesbische auteur Violet Paget en zijn waarschijnlijke minnaar Albert de Belleroche. Biografen schilderden hem ooit af als braaf en terughoudend. Recent wetenschappelijk onderzoek heeft echter de theorie geopperd dat hij een private, complexe en gepassioneerde man was, wiens homoseksuele identiteit integraal was voor het vormgeven van zijn kunst. Deze visie is gebaseerd op uitspraken van zijn vrienden en kennissen, de algehele betoverende afstandelijkheid van zijn portretten, de manier waarop zijn werken de 19e-eeuwse noties van geslachtsverschil uitdagen, zijn eerder genegeerde mannelijke naakten, en enkele mannelijke naaktportretten, waaronder die van Thomas E. McKeller, Bartholomy Maganosco, Olimpio Fusco, en dat van de aristocratische kunstenaar Albert de Belleroche, dat in zijn eetkamer in Chelsea hing. Sargent had een lange vriendschap met Belleroche, whom hij in 1882 ontmoette en met wie hij vaak reisde. Een bewaard gebleven tekening suggereert dat Sargent Belleroche mogelijk als model gebruikte voor Madame X, vanwege een toevallige overeenkomst in data waarbij Sargent hen rond dezelfde tijd apart tekende, en een delicate pose die meer doet denken aan Sargents schetsen van het mannelijke lichaam dan aan zijn vaak stijve opdrachten. Er is gesuggereerd dat Sargents reputatie in de jaren 1890 als ‘de schilder van de Joden’ te danken zou kunnen zijn aan zijn empathie voor hun wederzijdse sociale andersheid, evenals aan een medeplichtig genot daarin. Een joodse cliënte, Betty Wertheimer, schreef dat Sargent, toen hij in Venetië was, ‘alleen interesse had in de Venetiaanse gondeliers’. De schilder Jacques-Émile Blanche, die een van zijn eerste modellen was, zei na Sargents dood dat zijn seksleven ‘in Parijs berucht was en in Venetië ronduit schandalig. Hij was een razende sodomieter.’ There were many relationships with women: it has been suggested that those with his sitters Rosina Ferrara, Virginie Gautreau, and Judith Gautier may have tipped into infatuation. As a young man, Sargent also courted for a time Louise Burkhardt, the model for Lady with the Rose. Sargents vrienden en ondersteuners omvatten Henry James, Isabella Stewart Gardner (die werken bij Sargent bestelde en kocht en zijn advies inwon voor andere aankopen), Eduard VII en Paul César Helleu. Hij had ook banden met prins Edmond de Polignac en graaf Robert de Montesquiou. Andere kunstenaars waarmee Sargent omging, waren Dennis Miller Bunker, James Carroll Beckwith, Edwin Austin Abbey en John Elliott (die ook werkte aan de muurschilderingen van de Boston Public Library), Francis David Millet, Joaquín Sorolla en Claude Monet, die door Sargent werd geschilderd. Tussen 1905 en 1914 waren de frequente reisgenoten van Sargent het getrouwde kunstenaarsechtpaar Wilfrid de Glehn en Jane Emmet de Glehn. Het drietal bracht de zomers vaak door in Frankrijk, Spanje of Italië, en ze beeldenden elkaar tijdens hun reizen af in hun schilderijen. In een tijd waarin de kunstwereld zich achtereenvolgens richtte op impressionisme, fauvisme en kubisme, beoefende Sargent zijn eigen vorm van realisme, met briljante verwijzingen naar Velázquez, Van Dyck en Gainsborough. Zijn schijnbaar moeiteloze vaardigheid om de meesters op een eigentijdse manier te parafraseren, leidde tot een stroom van in opdracht geschilderde portretten van opmerkelijke virtuositeit (Arsène Vigeant, 1885, Musées de Metz; de heer en mevrouw Isaac Newton Phelps-Stokes, 1897, Metropolitan Museum of Art, New York) en bezorgde Sargent de bijnaam „de Van Dyck van onze tijd“. Toch wekten zijn werken tijdens zijn leven negatieve reacties op bij sommige van zijn collega’s: Camille Pissarro schreef dat “hij geen enthousiasteling is, maar veeleer een behendige uitvoerder”, en Walter Sickert publiceerde een satirisch stuk onder de titel “Sargentolatrie”. Ten tijde van zijn overlijden werd hij afgedaan als een anachronisme, een relikwie uit de Gilded Age, en niet in overeenstemming met de artistieke gevoelens in het Europa na de Eerste Wereldoorlog. Elizabeth Prettejohn suggereert dat de neergang van Sargents reputatie deels te wijten was aan de opkomst van het antisemitisme en de daaruit voortvloeiende intolerantie jegens ‘vieringen van joodse welvaart’. Er is gesuggereerd dat de exotische kwaliteiten die inherent waren aan zijn werk, de sympathie opriepen van de joodse cliënten die hij vanaf de jaren 1890 schilderde. Nergens is dit duidelijker dan in zijn portret Almina, dochter van Asher Wertheimer (1908), waarin het onderwerp te zien is in een Perzisch kostuum, een met parels bezette tulband en een Indiase tambura bespelend; alle accessoires bedoeld om sensualiteit en mysterie over te brengen. Als Sargent dit portret gebruikte om kwesties van seksualiteit en identiteit te onderzoeken, lijkt het de voldoening te hebben gevonden van de vader van het onderwerp, Asher Wertheimer, een welvarende Joodse kunsthandelaar. De voornaamste criticus van Sargent was de invloedrijke Engelse kunstkriticus Roger Fry, lid van de Bloomsbury Group, die tijdens de Sargent-retrospectieve in Londen in 1926 Sargents werk afdeed als ontbrekend in esthetische kwaliteit: "Inderdaad wonderbaarlijk, maar het meest wonderbaarlijke is dat deze wonderbare prestatie ooit verward is met die van een kunstenaar." En in de jaren dertig leidde Lewis Mumford een koor van de strengste critici: "Sargent bleef tot het einde een illustrator ... de meest behendige schijn van vakmanschap, het meest bruisende oog voor effect, kunnen de essentiële leegte van Sargents geest niet verbergen, noch de minachtende en cynische oppervlakkigheid van een bepaald deel van zijn uitvoering." Een deel van de depreciatie van Sargent wordt ook toegeschreven aan zijn leven als expat, waardoor hij minder Amerikaans overkwam in een tijd waarin ‘authentieke’, sociaal bewuste Amerikaanse kunst, zoals belichaamd door de kring rond Stieglitz en de Ashcan School, in opkomst was. Na een lange periode van kritische afkeuring is Sargents reputatie sinds de jaren vijftig gestaag toegenomen. In de jaren zestig versterkten een herleving van de Victoriaanse kunst en nieuw wetenschappelijk onderzoek gericht op Sargent zijn reputatie. Sargent was het onderwerp van grootschalige tentoonstellingen in grote musea, waaronder een overzichtstentoonstelling in het Whitney Museum of American Art in 1986 en een belangrijke reizende tentoonstelling in 1999, die te zien was in het Museum of Fine Arts in Boston, de National Gallery of Art in Washington en de National Gallery in Londen. In 1986 merkte Andy Warhol tegenover Sargent-kenner Trevor Fairbrother op dat Sargent "iedereen er glamoureus uit liet zien. Langer. Slanker. Maar ze hebben allemaal stemming, elk van hen heeft een andere stemming." In een artikel uit het tijdschrift TIME uit de jaren tachtig prees criticus Robert Hughes Sargent als "de ongeëvenaarde vastlegger van mannelijke macht en vrouwelijke schoonheid in een tijd die, net als de onze, beide overdreven het hof maakte." In 1922 richtte Sargent samen met Edmund Greacen, Walter Leighton Clark en anderen de Grand Central Art Galleries in New York City op. Sargent nam actief deel aan de Grand Central Art Galleries en hun academie, de Grand Central School of Art, tot zijn overlijden in 1925. De galerieën hielden in 1924 een grote overzichtstentoonstelling van Sargents werk. Vervolgens keerde hij terug naar Engeland, waar hij op 14 april 1925 in zijn huis in Chelsea overleed aan hartziekte. Sargent is begraven op Brookwood Cemetery bij Woking, Surrey. Herdenkingstentoonstellingen van Sargents werk werden in 1925 gehouden in Boston, in 1926 in het Metropolitan Museum of Art in New York en in de Royal Academy en de Tate Gallery in Londen. De Grand Central Art Galleries organiseerden in 1928 ook een postume tentoonstelling met eerder ongeziene schetsen en tekeningen uit zijn hele carrière.