Max Beckmann

1884 - 1950 German

Formas distorsionadas, realismo brutal, crítica social

Max Carl Friedrich Beckmann fue un pintor, dibujante, grabador, escultor y escritor alemán. Aunque es clasificado como artista expresionista, rechazó tanto el término como el movimiento. En la década de 1920, estuvo asociado con la Nueva Objetividad (Neue Sachlichkeit), un desarrollo del expresionismo que se opuso a su emocionalismo introspectivo. Su obra se volvió llena de imágenes aterradoras y formas distorsionadas combinando realismo brutal y crítica social. Max Beckmann nació en una familia burguesa en Leipzig, Sajonia. Desde su juventud se enfrentó a los maestros clásicos. Sus experiencias traumáticas en la Primera Guerra Mundial, en las que se ofreció como ordenanza médica, coincidieron con una transformación dramática de su estilo, pasando de representaciones académicamente correctas a una distorsión tanto de la figura como del espacio, reflejando su visión alterada de sí mismo y de la humanidad. Es conocido por los autorretratos pintados durante toda su vida, cuyo número e intensidad solo pueden ser superados por los de Rembrandt y Picasso. Bien leído en filosofía y literatura, Beckmann también exploró la mística y la teosofía en busca del "Yo". Como verdadero pintor-pensador, se esforzó por encontrar la dimensión espiritual oculta en sus temas (las Cartas de Beckmann a una pintora de 1948 constituyen una declaración de su enfoque hacia el arte). Beckmann disfrutó de gran éxito y honores oficiales durante la República de Weimar. En 1925 fue seleccionado para impartir una clase magistral en la Academia de Bellas Artes Städelschule en Fráncfort. Algunos de sus estudiantes más famosos incluyeron a Theo Garve, Leo Maillet y Marie-Louise von Motesiczky. En 1927 recibió el Premio Honorífico del Imperio para el Arte Alemán y la Medalla de Oro de la Ciudad de Düsseldorf; la Galería Nacional de Berlín adquirió su pintura La Corteza y, en 1928, compró su Autorretrato en Traje de Tuxedo. Para principios de los años 30, una serie de exposiciones importantes, incluyendo grandes retrospecciones en la Städtische Kunsthalle de Mannheim (1928) y en Basilea y Zúrich (1930), junto con numerosas publicaciones, mostraron el alto concepto en el que se tenía a Beckmann. Su fortuna cambió con el ascenso al poder de Adolf Hitler, cuyo desprecio por el arte moderno condujo rápidamente a su supresión por el estado. En 1933, el gobierno nazi llamó a Beckmann un "bolchevique cultural" y lo despidió de su posición docente en la Escuela de Arte de Fráncfort. En 1937, el gobierno confiscó más de 500 de sus obras de los museos alemanes, colocando varias en exhibición en la notoriamente infame exposición de Arte Degenerado en Múnich. El día después del discurso radial de Hitler sobre el arte degenerado en 1937, Beckmann dejó Alemania con su segunda esposa, Quappi, para los Países Bajos. Durante diez años, Beckmann vivió en exilio autoimpuesto en Ámsterdam, fallando en sus desesperadas intentos por obtener una visa para los Estados Unidos. En 1944, los alemanes intentaron reclutarlo al ejército, aunque el artista de sesenta años había sufrido un infarto. Las obras completadas en su estudio de Ámsterdam fueron aún más poderosas e intensas que las de sus años maestros en Fráncfort. Incluyeron varios trípticos grandes, que constituyen un resumen del arte de Beckmann. En 1948, Beckmann se mudó a Estados Unidos. Durante los últimos tres años de su vida, enseñó en las escuelas de arte de la Universidad de Washington en Saint Louis (con el pintor y grabador alemano-americano Werner Drewes) y en el Museo de Brooklyn. Vino a Saint Louis bajo invitación de Perry T. Rathbone, quien era director del Museo de Arte de Saint Louis. Rathbone organizó que la Universidad de Washington en Saint Louis contratará a Beckmann como profesor de arte, cubriendo un puesto vacante dejado por Philip Guston, quien había tomado un permiso. La primera retrospectiva de Beckmann en Estados Unidos tuvo lugar en 1948 en el Museo de Arte de la Ciudad de Saint Louis. En Saint Louis, Morton D. May se convirtió en su protector y, ya entusiasta fotógrafo aficionado y pintor, estudiante del artista. May donó más tarde gran parte de su amplia colección de obras de Beckmann al Museo de Arte de Saint Louis. Beckmann también lo ayudó a apreciar el arte oceaniano y africano. Después de detenerse en Denver y Chicago, él y Quappi alquilaron un apartamento en el 38 West 69th Street en Manhattan. En 1949 obtuvo una cátedra en la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn. Padecía de angina de pecho y murió después de Navidad de 1950, tras sufrir un infarto en la esquina de la calle 69 y Central Park West en Nueva York, cerca de su edificio. Como recordaba la viuda del artista, estaba camino para ver una de sus pinturas en el Museo Metropolitano de Arte. Beckmann tuvo una exposición individual en la Bienal de Venecia de 1950, el año de su muerte. A diferencia de varios de sus contemporáneos vanguardistas, Beckmann rechazó la pintura no representativa; en cambio, tomó y desarrolló la tradición de la pintura figurativa. Admiraba no solo a Cézanne y Van Gogh, sino también a Blake, Rembrandt y Rubens, así como a los artistas nórdicos europeos de finales de la Edad Media y principios de la Renacimiento, como Bosch, Bruegel y Matthias Grünewald. Su estilo y método de composición están parcialmente arraigados en la imaginación de los vitrales medievales. Involucrándose con los géneros del retrato, el paisaje, la naturaleza muerta y la pintura histórica, su diverso cuerpo de trabajo creó una versión muy personal pero auténtica del modernismo, con un respeto saludable hacia las formas tradicionales. Beckmann reinventó el tríptico religioso y amplió este arquetipo de la pintura medieval en una alegoría de la humanidad contemporánea. Desde sus comienzos en el fin de siglo hasta el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, Beckmann reflejó una era de cambios radicales tanto en el arte como en la historia en su obra. Muchas de las pinturas de Beckmann expresan las angustias de Europa en la primera mitad del siglo XX. Algunas de sus imágenes hacen referencia al decadente glamour de la cultura del cabaret de la República de Weimar, pero desde los años 1930, sus obras a menudo contienen referencias mitológicas a las brutalidades de los nazis. Más allá de estas preocupaciones inmediatas, sus temas y símbolos asumen un significado mayor, vocalizando temas universales de terror, redención y los misterios de la eternidad y el destino. Su autorretrato con cuerno (1938), pintado durante su exilio en Ámsterdam, demuestra su uso de símbolos. Los instrumentos musicales aparecen en muchas de sus pinturas; en este caso, un cuerno que el artista sostiene como si fuera un telescopio con el que pretende explorar la oscuridad que lo rodea. El estrecho marco de la figura dentro de los límites del lienzo resalta su atrapamiento. La historiadora del arte Cornelia Stabenow califica la pintura de "la más melancólica, pero también la más enigmática, de sus autorretratos".