Max Beckmann

1884 - 1950 German

Vervormde vormen, bruut realisme, maatschappijkritiek

Max Carl Friedrich Beckmann was een Duitse schilder, tekenaar, graveur, beeldhouder en schrijver. Hoewel hij wordt geclassificeerd als een expressie-artiest, wees hij zowel het term als de beweging afwijzend. In de jaren twintig was hij verbonden met de Nieuwe Objectiviteit (Neue Sachlichkeit), een uitgangspunt van expressionisme dat tegen zijn introverte emotionaliteit stond. Zijn werk werd gevuld met verschrikkelijke beelden en vervormde vormen met een combinatie van brute realiteit en maatschappelijke kritiek. Max Beckmann werd geboren in een middenklassefamilie in Leipzig, Sachsena. Vanaf zijn jeugd stelde hij zich tegen de oude meesters. Zijn trauma's tijdens de Eerste Wereldoorlog, waarin hij vrijwillig als medische orderlijke diende, overlappende met een dramatische verandering in zijn stijl van academisch correcte afbeeldingen naar een vervorming van zowel figuur als ruimte, wat zijn veranderde visie op zichzelf en de mensheid weerspiegelde. Hij is bekend om de zelfportretten die hij gedurende zijn hele leven heeft getekend, waarvan het aantal en de intensiteit alleen worden overtroffen door die van Rembrandt en Picasso. Goed geïnformeerd op het gebied van filosofie en literatuur, bestudeerde Beckmann ook mystiek en theosofie in zoektocht naar het "Zelf". Als echte kunstenaar-denker streefde hij ernaar om de verborgen spirituele dimensie in zijn onderwerpen te vinden (de Brieven van Beckmann aan een Vrouwelijke Schilder uit 1948 vormen een verklaring van zijn benadering van kunst). Beckmann genoot groot succes en officiële eer tijdens de Weimarrepubliek. In 1925 werd hij gekozen om een meesterklasse te geven aan de Städelschule Academie voor Beeldende Kunsten in Frankfurt. Sommige van zijn beroemdste studenten waren Theo Garve, Leo Maillet en Marie-Louise von Motesiczky. In 1927 ontving hij de Eerbetoonde Keizerlijke Prijs voor Duitse Kunst en de Goudmedaille van de stad Düsseldorf; de Nationale Galerie in Berlijn kocht zijn schilderij De Schil en kocht in 1928 zijn Zelfportret in Tuxedo. Tot het begin van de jaren dertig toonde een reeks grote tentoonstellingen, waaronder grote retrospectieven in de Städtische Kunsthalle Mannheim (1928) en in Basel en Zürich (1930), samen met talrijke publicaties, het hoge respect waarin Beckmann werd gehouden. Zijn lot veranderde met het optreden van Adolf Hitler tot macht, wiens afkeer van moderne kunst snel leidde tot onderdrukking door de staat. In 1933 noemde de Nazi-regering Beckmann een 'culturele bolsjewiek' en ontsloog hem van zijn functie als docent aan de kunstschool in Frankfurt. In 1937 confisqueerde de regering meer dan 500 van zijn werken uit Duitse musea, waarbij verschillende werden uitgestald in de beroemde tentoonstelling 'Degeneratieve kunst' in München. De dag na Hitlers radiospreekwoord over degeneratieve kunst in 1937 verliet Beckmann Duitsland met zijn tweede vrouw, Quappi, voor Nederland. Tien jaar lang leefde Beckmann in zelfopgelegde verbanning in Amsterdam, waarbij hij zijn wanhopige pogingen om een visa voor de Verenigde Staten te verkrijgen, faalde. In 1944 probeerden de Duitsers hem in dienst te nemen in het leger, hoewel de zestigjarige kunstenaar al een hartaanval had geleden. De werken die in zijn Amsterdamse studio werden voltooid waren zelfs krachtiger en intenser dan die van zijn meesterjaren in Frankrijk. Deze omvatten verschillende grote triptieken, die een samenvatting vormen van Beckmanns kunst. In 1948 verhuisde Beckmann naar de Verenigde Staten. Tijdens de laatste drie jaar van zijn leven lesde hij aan de kunstscholen van de Washington University in St. Louis (samen met de Duitstalige-Amerikaanse schilder en gravurenauteur Werner Drewes) en het Brooklyn Museum. Hij kwam op uitnodiging van Perry T. Rathbone naar St. Louis, die directeur was van het Saint Louis Art Museum. Rathbone zorgde ervoor dat de Washington University in St. Louis Beckmann in dienst nam als kunstleraar, wat een vacature vulde die door Philip Guston was achtergelaten toen die een verlof had genomen. De eerste retrospektieve tentoonstelling van Beckmann in de Verenigde Staten vond plaats in 1948 in het City Art Museum in Saint Louis. In St. Louis werd Morton D. May zijn patroon en, al een passievolle amateurfotograaf en schilder, student van de kunstenaar. May donateerde later veel van zijn grote collectie Beckmann-werken aan het Saint Louis Art Museum. Beckmann hielp hem ook om Oceanië- en Afrikaanse kunst te waarderen. Na stoppen in Denver en Chicago huurden hij en Quappi een appartement aan 38 West 69th Street in Manhattan. In 1949 kreeg hij een professorenpositie aan de Brooklyn Museum Art School. Hij leed aan angina pectoris en overleed na Kerstmis 1950, door een hartaanval op de hoek van 69th Street en Central Park West in New York, niet ver van zijn appartementgebouw. Zoals de weduwe van de kunstenaar zich herinnerde, was hij onderweg om een van zijn schilderijen te zien in het Metropolitan Museum of Art. Beckmann had een solo-expositie op de Venetiëse Biennale van 1950, het jaar van zijn dood. In tegenstelling tot verschillende van zijn avantgardistische tijdgenoten wees Beckmann niet-representatieve schilderkunst af; in plaats daarvan nam hij de traditie van figuratieve schilderkunst over en ontwikkelde deze verder. Hij bewonderde niet alleen Cézanne en Van Gogh, maar ook Blake, Rembrandt en Rubens, evenals Noord-Europese kunstenaars uit het late Middeleeuwen en vroege Renaissance, zoals Bosch, Bruegel en Matthias Grünewald. Zijn stijl en compositiemethode zijn gedeeltelijk geworteld in de beelden van middeleeuwse gekleurde glazen. Door zich te bemoeien met de genres portret, landschap, stilleven en historiepainting creëerde zijn gevarieerde werk een zeer persoonlijke maar authentieke versie van modernisme, met een gezonde respect voor traditionele vormen. Beckmann herontdekte het religieuze triptychon en breidde dit archetypische element van middeleeuwse schilderkunst uit tot een allegorie van hedendaagse menselijkheid. Van zijn begin in het einde van de 19e eeuw tot de periode na de Tweede Wereldoorlog spiegelde Beckmann een tijd van radicale veranderingen in zowel kunst als geschiedenis in zijn werk. Veel van Beckmanns schilderijen drukken de ellende van Europa in de eerste helft van de 20e eeuw uit. Sommige van zijn beelden verwijzen naar de verfallende glans van de cabaretcultuur van de Weimarrepubliek, maar vanaf de jaren dertig bevatten zijn werken vaak gemythologiseerde verwijzingen naar de brutaliteiten van de naziregime. Behalve deze directe zorgen nemen zijn onderwerpen en symbolen een groter betekenis aan, waarin universele thema's van angst, verlossing en de mysteriën van eeuwigheid en bestemming worden uitgesproken. Zijn Zelfportret met Hoorn (1938), geschilderd tijdens zijn verblijf in Amsterdam, demonstreert het gebruik van symbolen. Muziekinstrumenten komen in veel van zijn schilderijen voor; in dit geval een hoorn die de kunstenaar vasthoudt alsof het een telescoop is waarmee hij de duisternis om zich heen wil verkennen. Het strakke kader van de figuur binnen de randen van het doek benadrukt zijn gevangenschap. Kunsthistoricus Cornelia Stabenow noemt het schilderij "het meest melancholische, maar ook het meest raadselachtige, van zijn zelfportretten".