Max Beckmann

1884 - 1950 German

Formas distorcidas, realismo brutal, crítica social

Max Carl Friedrich Beckmann foi um pintor, desenhista, gravador, escultor e escritor alemão. Embora seja classificado como artista expressionista, ele rejeitou tanto o termo quanto o movimento. Nos anos 1920, esteve associado à Nova Objetividade (Neue Sachlichkeit), uma evolução do expressionismo que se opunha ao seu emocionalismo introspectivo. Seu trabalho tornou-se cheio de imagens assustadoras e formas distorcidas combinando realismo brutal e crítica social. Max Beckmann nasceu em uma família burguesa em Leipzig, Saxônia. Desde a juventude, ele se opunha aos mestres clássicos. Suas experiências traumáticas na Primeira Guerra Mundial, quando se voluntariou como orderly médico, coincidiram com uma transformação dramática de seu estilo, passando de representações academicamente corretas para uma distorção tanto da figura quanto do espaço, refletindo sua visão alterada de si mesmo e da humanidade. Ele é conhecido pelos autorretratos pintados ao longo de sua vida, cujo número e intensidade são superados apenas pelos de Rembrandt e Picasso. Bem versado em filosofia e literatura, Beckmann também contemplou a misticismo e a teosofia em busca do "Eu". Como verdadeiro pintor-pensador, ele buscou encontrar a dimensão espiritual oculta em seus assuntos (as Cartas de Beckmann a uma Pintora de 1948 constituem uma declaração de sua abordagem para a arte). Beckmann teve grande sucesso e honras oficiais durante a República de Weimar. Em 1925 foi selecionado para ministrar uma aula de mestria na Academia de Belas Artes Städelschule em Frankfurt. Alguns de seus alunos mais famosos incluíam Theo Garve, Leo Maillet e Marie-Louise von Motesiczky. Em 1927 recebeu o Prêmio Honorífico do Império para a Arte Alemã e a Medalha de Ouro da Cidade de Düsseldorf; a Galeria Nacional de Berlim adquiriu sua pintura A Casca e, em 1928, comprou seu Auto-retrato em Smoking. Até o início dos anos 1930, uma série de grandes exposições, incluindo grandes retrospectivas na Städtische Kunsthalle de Mannheim (1928) e em Basileia e Zurique (1930), juntamente com numerosas publicações, mostraram o alto conceito em que Beckmann era tido. Seu destino mudou com o ascenso ao poder de Adolf Hitler, cujo desprezo pela arte moderna levou rapidamente à sua supressão pelo estado. Em 1933, o governo nazista chamou Beckmann de "bolchevique cultural" e o demitiu de seu cargo como professor na Escola de Artes de Frankfurt. Em 1937, o governo confiscou mais de 500 de suas obras dos museus alemães, colocando várias em exibição na notoriamente infame exposição de Arte Degenerada em Munique. No dia seguinte ao discurso radiofônico de Hitler sobre arte degenerada em 1937, Beckmann deixou a Alemanha com sua segunda esposa, Quappi, para os Países Baixos. Por dez anos, Beckmann viveu em exílio autointerrompido em Amsterdã, falhando em suas tentativas desesperadas para obter um visto para os Estados Unidos. Em 1944, os alemães tentaram recrutá-lo para o exército, embora o artista de sessenta anos tivesse sofrido um ataque cardíaco. As obras concluídas em seu estúdio em Amsterdã foram ainda mais poderosas e intensas que as de seus anos mestres em Frankfurt. Incluíram vários tripticos grandes, que constituem um resumo da arte de Beckmann. Em 1948, Beckmann mudou-se para os Estados Unidos. Durante os três últimos anos de sua vida, ele ensinou nas escolas de arte da Universidade de Washington em Saint Louis (com o pintor e gravador alemão-americano Werner Drewes) e no Museu de Brooklyn. Ele veio a Saint Louis convidado por Perry T. Rathbone, que era diretor do Museu de Arte de Saint Louis. Rathbone organizou que a Universidade de Washington em Saint Louis contratasse Beckmann como professor de arte, preenchendo uma vaga deixada por Philip Guston, que havia tirado licença. A primeira retrospectiva de Beckmann nos Estados Unidos ocorreu em 1948 no Museu de Arte da Cidade de Saint Louis. Em Saint Louis, Morton D. May tornou-se seu patrono e, já apaixonado por fotografia amadora e pintura, estudante do artista. May mais tarde doou grande parte de sua grande coleção de obras de Beckmann ao Museu de Arte de Saint Louis. Beckmann também o ajudou a apreciar a arte oceaniana e africana. Após paradas em Denver e Chicago, ele e Quappi alugaram um apartamento no 38 West 69th Street em Manhattan. Em 1949, ele obteve uma cátedra na Escola de Arte do Museu de Brooklyn. Ele sofria de angina pectoris e morreu após o Natal de 1950, atingido por um ataque cardíaco na esquina da Rua 69 e Central Park West em Nova York, não muito longe do seu prédio. Como recordava a viúva do artista, ele estava a caminho de ver uma de suas pinturas no Museu Metropolitano de Arte. Beckmann teve uma exposição individual na Bienal de Veneza de 1950, o ano de sua morte. Ao contrário de vários de seus contemporâneos vanguardistas, Beckmann rejeitou a pintura não representativa; em vez disso, ele assumiu e aprimorou a tradição da pintura figurativa. Ele admirava não apenas Cézanne e Van Gogh, mas também Blake, Rembrandt e Rubens, bem como artistas nórdicos da Europa da época tardia do Médio Idade e início do Renascimento, como Bosch, Bruegel e Matthias Grünewald. Seu estilo e método de composição são parcialmente enraizados na imaginação dos vitrais medievais. Envolvendo os gêneros do retrato, paisagem, natureza morta e pintura histórica, seu corpo diversificado de trabalho criou uma versão muito pessoal mas autêntica do modernismo, com um respeito saudável pelas formas tradicionais. Beckmann reinventou o tríptico religioso e expandiu este arquétipo da pintura medieval em uma alegoria da humanidade contemporânea. Desde seus começos no fim do século até o período após a Segunda Guerra Mundial, Beckmann refletiu uma era de mudanças radicais tanto na arte quanto na história em sua obra. Muitas das pinturas de Beckmann expressam as angústias da Europa na primeira metade do século XX. Algumas de suas imagens fazem referência ao decadente glamour da cultura do cabaré da República de Weimar, mas a partir dos anos 1930, suas obras frequentemente continham referências mitificadas às brutalidades dos nazistas. Além dessas preocupações imediatas, seus temas e símbolos assumem um significado maior, vocalizando temas universais de terror, redenção e os mistérios da eternidade e do destino. Seu autorretrato com corneta (1938), pintado durante seu exílio em Amsterdã, demonstra seu uso de símbolos. Instrumentos musicais aparecem em muitas de suas pinturas; neste caso, uma corneta que o artista segura como se fosse um telescópio pelo qual pretende explorar a escuridão ao redor dele. O enquadramento apertado da figura dentro dos limites da tela enfatiza sua prisão. A historiadora da arte Cornelia Stabenow denomina a pintura de "o mais melancólico, mas também o mais enigmático, de seus autorretratos".