Pontormo

1494 - 1557 Italian

Figuras alargadas en espacio ambiguo

Jacopo Carucci, generalmente conocido como Jacopo da Pontormo, Jacopo Pontormo o simplemente Pontormo, fue un pintor y retratista manierista italiano de la Escuela Florentina. Su obra representa un profundo cambio estilístico respecto a la regularidad perspectívica tranquila que caracterizaba el arte del Renacimiento florentino. Es famoso por el uso de poses entrelazadas, combinadas con una perspectiva ambigua; sus figuras a menudo parecen flotar en un entorno incierto, sin verse afectadas por las fuerzas de la gravedad. Jacopo Carucci nació en Pontorme, cerca de Empoli, hijo de Bartolomeo di Jacopo di Martino Carrucci y Alessandra di Pasquale di Zanobi. Vasari relata cómo el niño huérfano, «joven, melancólico y solitario», fue trasladado de un lado a otro como joven aprendiz: Jacopo no llevaba muchos meses en Florencia cuando Bernardo Vettori lo envió a alojarse con Leonardo da Vinci, y luego con Mariotto Albertinelli y Piero di Cosimo, y finalmente, en 1512, con Andrea del Sarto, con quien no permaneció mucho tiempo, pues después de haber realizado los cartones para el arco de los Servitas, parece que Andrea no le guardaba buena voluntad, fuera cual fuere la causa. Pontormo pintó en y alrededor de Florencia, a menudo apoyado por el mecenazgo de los Médici. Una incursión a Roma, principalmente para ver las obras de Miguel Ángel, influyó en su estilo posterior. Rostros atormentados y cuerpos alargados son característicos de su obra. Un ejemplo del estilo temprano de Pontormo es un fresco que representa la Visitación de la Virgen y Santa Isabel, con sus figuras equilibradas y danzantes, pintado entre 1514 y 1516. Esta Visitación temprana ofrece una comparación interesante con su pintura del mismo tema realizada aproximadamente una década después, que ahora se encuentra en la iglesia parroquial de San Miguel Arcángel en Carmignano, a unos 20 km al oeste de Florencia. La yuxtaposición de estas dos obras, una de su estilo temprano y otra de su período maduro, pone de relieve el desarrollo artístico de Pontormo. En la obra anterior, Pontormo está estilísticamente mucho más cerca de su maestro, Andrea del Sarto, y de los principios artísticos renacentistas de principios del siglo XVI. Por ejemplo, las figuras alcanzan algo menos de la mitad de la altura total del cuadro, y aunque están un poco más apiñadas de lo que preferiría el equilibrio propio del Alto Renacimiento, al menos están situadas en un entorno arquitectónico clasicista a una distancia cómoda del espectador. En la obra posterior, el espectador se acerca casi incómodamente a la Virgen y a Santa Isabel, quienes flotan la una hacia la otra entre nubes de pliegues. Además, el claro entorno arquitectónico, cuidadosamente construido en la obra anterior, ha sido completamente abandonado en favor de un entorno urbano extraño e indefinido. Los lienzos de José (actualmente en la National Gallery de Londres) ofrecen otro ejemplo del estilo en desarrollo de Pontormo. Realizadas aproximadamente al mismo tiempo que la Visitación anterior, estas obras (como José en Egipto, a la izquierda) muestran una inclinación mucho más manierista. Según Giorgio Vasari, el modelo del niño sentado en un escalón es su joven aprendiz, Bronzino. En los años entre las visitas de la SS Annunziata y San Michele, Pontormo participó en la decoración al fresco del salón de la villa campestre de los Médici en Poggio a Caiano (1519–20), a 17 km al noroeste de Florencia. Allí pintó frescos en un estilo de género pastoral, muy poco común para los pintores florentinos; su tema era el oscuro mito clásico de Vertumno y Pomona en una luneta. En 1522, cuando la peste estalló en Florencia, Pontormo partió hacia la Cartuja de Galluzzo, un monasterio cartujo clausurado donde los monjes seguían votos de silencio. Pintó una serie de frescos, ahora bastante dañados, sobre la pasión y resurrección de Cristo. Estos frescos revelan con especial fuerza la influencia de los grabados de Alberto Durero, que a menudo proporcionaron inspiración a Pontormo después de su regreso a Florencia. La Vida de Pontormo de Vasari lo retrata como retraído y sumido en la neurosis, aunque se encontraba en el centro de los artistas y mecenas de su época. Esta imagen de Pontormo ha tendido a teñir la concepción popular del artista, como se observa en la película de Giovanni Fago, Pontormo, un amor hereje. Fago representa a Pontormo como atrapado en una dedicación solitaria y finalmente paranoica a su último proyecto del Juicio Final, que a menudo mantenía oculto a los espectadores. Sin embargo, como ha señalado la historiadora del arte Elizabeth Pilliod, Vasari competía ferozmente con el taller de Pontormo/Bronzino en el momento en que escribía sus Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos. Esta rivalidad profesional entre los dos talleres bien podría haber proporcionado a Vasari amplia motivación para menospreciar la linaje artístico de su oponente por el patrocinio de los Médicis. Quizás como resultado de las burlas de Vasari, o tal vez debido a los caprichos del gusto estético, la obra de Pontormo pasó de moda durante varios siglos. El hecho de que gran parte de su obra se haya perdido o esté gravemente dañada es testimonio de este abandono, aunque los historiadores del arte contemporáneos le han prestado una atención renovada. De hecho, entre 1989 y 2002, el Retrato de un alabardero de Pontormo (a la derecha) ostentó el título de la pintura más cara del mundo realizada por un viejo maestro. Independientemente de la veracidad del relato de Vasari, es ciertamente cierto que las idiosincrasias artísticas de Pontormo produjeron un estilo que pocos pudieron (o quisieron) imitar, con la excepción de su alumno más cercano, Bronzino. Las obras tempranas de Bronzino son tan parecidas a las de su maestro que la autoría de varias pinturas de las décadas de 1520 y 1530 sigue siendo objeto de disputa; por ejemplo, los cuatro tondos que contienen a los Evangelistas en la Capilla Capponi, y el Retrato de una dama de rojo ahora en Fráncfort. Pontormo comparte algunos aspectos del manierismo de Rosso Fiorentino y de Parmigianino. En ciertos sentidos, anticipó el barroco así como las tensiones presentes en la obra de El Greco. Sus excentricidades también dieron lugar a un sentido original de la composición. En su mejor momento, sus composiciones son cohesivas. Las figuras de la Deposición, por ejemplo, parecen sostenerse mutuamente: la eliminación de cualquiera de ellas provocaría el colapso de la estructura. En otras obras, como en los lienzos de José, la aglomeración crea una confusa melee pictórica. Es en los dibujos tardíos donde observamos una graciosa fusión de cuerpos en una composición que incluye el marco ovalado de Jesús en el Juicio Final.