Le Pontormo

1494 - 1557 Italian

Figures allongées dans l'ambiguïté

Jacopo Carucci, généralement connu sous le nom de Jacopo da Pontormo, Jacopo Pontormo ou simplement Pontormo, était un peintre et portraitiste maniériste italien de l’École florentine. Son œuvre représente un changement stylistique profond par rapport à la régularité perspective calme qui caractérisait l’art de la Renaissance florentine. Il est célèbre pour son utilisation de poses entrelacées, associées à une perspective ambiguë ; ses personnages semblent souvent flotter dans un environnement incertain, libérés des forces de la gravité. Jacopo Carucci est né à Pontorme, près d’Empoli, de Bartolomeo di Jacopo di Martino Carrucci et d’Alessandra di Pasquale di Zanobi. Vasari raconte comment le garçon orphelin, « jeune, mélancolique et solitaire », fut ballotté çà et là en tant que jeune apprenti : Jacopo n’était pas depuis plusieurs mois à Florence que Bernardo Vettori l’envoya séjourner auprès de Léonard de Vinci, puis auprès de Mariotto Albertinelli et de Piero di Cosimo, et enfin, en 1512, auprès d’Andrea del Sarto, avec qui il ne resta pas longtemps, car après avoir réalisé les cartons pour l’arc des Servites, il semble qu’Andrea ne lui portait aucune bienveillance, quelle qu’en ait été la cause. Pontormo a peint à Florence et dans ses environs, souvent soutenu par le mécénat des Médicis. Une excursion à Rome, principalement pour voir les œuvres de Michel-Ange, a influencé son style ultérieur. Des visages hantés et des corps allongés sont caractéristiques de son travail. Un exemple du style précoce de Pontormo est une fresque représentant la Visitation de la Vierge et sainte Élisabeth, avec ses figures équilibrées et dansantes, peinte de 1514 à 1516. Cette Visitation de jeunesse offre une comparaison intéressante avec sa peinture du même sujet réalisée environ une décennie plus tard, aujourd’hui conservée dans l’église paroissiale de Saint-Michel Archange à Carmignano, à environ 20 km à l’ouest de Florence. La mise en regard de ces deux tableaux – l’un relevant de son style primitif, l’autre de sa période de maturité – met en relief le développement artistique de Pontormo. Dans l’œuvre antérieure, Pontormo est stylistiquement beaucoup plus proche de son maître, Andrea del Sarto, ainsi que des principes artistiques de la Renaissance du début du XVIe siècle. Par exemple, les figures atteignent un peu moins de la moitié de la hauteur totale du tableau, et bien qu’un peu plus encombrées que ne le voudrait l’équilibre propre à la Haute Renaissance, elles sont du moins placées dans un cadre architectural classicisant, à une distance confortable du spectateur. Dans l’œuvre ultérieure, le spectateur est amené presque inconfortablement près de la Vierge et de sainte Élisabeth, qui flottent l’une vers l’autre dans des nuages de draperies. De plus, le cadre architectural clair, soigneusement construit dans la première œuvre, a été complètement abandonné au profit d’un décor urbain étrange et indéfini. Les toiles de Joseph (aujourd’hui conservées à la National Gallery de Londres) offrent un autre exemple du style en évolution de Pontormo. Réalisées à peu près à la même époque que la Visitation antérieure, ces œuvres (comme Joseph en Égypte, à gauche) montrent une inclination beaucoup plus maniériste. Selon Giorgio Vasari, le modèle du garçon assis sur une marche est son jeune apprenti, Bronzino. Dans les années qui séparent les visites de la SS Annunziata et de San Michele, Pontormo participa à la décoration à fresque du salon de la villa de campagne des Médicis à Poggio a Caiano (1519–20), située à 17 km au nord-nord-ouest de Florence. Il y peignit des fresques dans un style pastoral, très inhabituel pour les peintres florentins ; leur sujet était le mythe classique obscur de Vertumne et Pomone, dans une lunette. En 1522, lorsque la peste éclata à Florence, Pontormo partit pour la Chartreuse de Galluzzo, un monastère chartreux cloîtré où les moines suivaient des vœux de silence. Il peignit une série de fresques, aujourd’hui assez endommagées, sur la passion et la résurrection du Christ. Ces fresques révèlent particulièrement fortement l’influence des gravures d’Albrecht Dürer, qui ont souvent servi d’inspiration à Pontormo après son retour à Florence. La Vie de Pontormo par Vasari le dépeint comme retiré et plongé dans la névrose, bien qu’il se trouve au centre des artistes et des mécènes de son époque. Cette image de Pontormo a tendance à colorer la conception populaire de l’artiste, comme on le voit dans le film de Giovanni Fago, Pontormo, un amour hérétique. Fago représente Pontormo comme englué dans une dédicace solitaire et finalement paranoïaque à son dernier projet du Jugement dernier, qu’il gardait souvent à l’abri des regards. Pourtant, comme l’a souligné l’historienne de l’art Elizabeth Pilliod, Vasari était en fierce compétition avec l’atelier Pontormo/Bronzino au moment où il écrivait ses Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes. Cette rivalité professionnelle entre les deux bottegas aurait bien pu fournir à Vasari une motivation ample pour dénigrer la lignée artistique de son opposant pour le patronage des Médicis. Peut-être en raison des railleries de Vasari, ou peut-être à cause des caprices du goût esthétique, l’œuvre de Pontormo est passée de mode pendant plusieurs siècles. Le fait qu’une grande partie de son travail ait été perdue ou gravement endommagée témoigne de cette négligence, bien que les historiens de l’art contemporains lui accordent une attention renouvelée. En effet, entre 1989 et 2002, le Portrait d’un hallebardier de Pontormo (à droite) a détenu le titre de peinture la plus chère au monde réalisée par un maître ancien. Quel que soit le bien-fondé du récit de Vasari, il est certain que les idiosyncrasies artistiques de Pontormo ont produit un style que peu étaient capables (ou disposés) à imiter, à l’exception de son élève le plus proche, Bronzino. Les premières œuvres de Bronzino sont si proches de celles de son maître que l’attribution de plusieurs peintures des années 1520 et 1530 reste controversée – par exemple, les quatre tondi contenant les Évangélistes dans la chapelle Capponi, et le Portrait d’une dame en rouge maintenant à Francfort. Pontormo partage certains aspects du maniérisme de Rosso Fiorentino et de Parmigianino. À certains égards, il a anticipé le baroque ainsi que les tensions présentes chez Le Greco. Ses excentricités ont également abouti à un sens original de la composition. Au mieux, ses compositions sont cohésives. Les figures de la Déposition, par exemple, semblent se soutenir mutuellement : le retrait de l’une d’entre elles entraînerait l’effondrement de l’édifice. Dans d’autres œuvres, comme dans les toiles de Joseph, la foule crée une mêlée picturale confuse. C’est dans les dessins tardifs que l’on observe une fusion gracieuse des corps dans une composition qui inclut le cadre ovale de Jésus dans le Jugement dernier.