温斯洛·霍默

1836-1910 American

美国海洋题材大师

温斯洛·霍默是一位美国风景画家和版画家，以其海洋题材作品而闻名。他被认为是19世纪美国最重要的画家之一，也是美国艺术中的杰出人物。 荷马 largely 自学成才，职业生涯始于担任商业插画师。随后他投身油画创作，产出重要的画室作品，其特点在于他充分利用该媒介所呈现出的厚重感与密度。他还广泛从事水彩画创作，形成了流畅而多产的 oeuvre，主要记录他的工作假期。 霍默于1836年出生于马萨诸塞州波士顿，是查尔斯·萨维奇·霍默和亨丽埃塔·本森·霍默的第三个儿子中的第二个，两人均出自新英格兰地区的悠久家族。他的母亲是一位有天赋的业余水彩画家，也是霍默的第一位老师。母子二人一生关系亲密。霍默继承了她许多特质，包括她安静、意志坚定、言简意赅、善于社交的性格；她那种干幽默感；以及她的艺术才华。霍默的童年很幸福，主要在当时的乡村地区马萨诸塞州剑桥长大。他是一名成绩平平的学生，但他的艺术天赋在早年就已显现。 荷马的父亲是一位性情多变、坐立不安的商人，总是想着“大赚一笔”。荷马十三岁时，查尔斯放弃了五金店生意，前往加利福尼亚淘金热中寻求财富。失败后，查尔斯离开了家人，前往欧洲为其他快速致富的计划筹集资金，但这些计划均未成功。 荷马高中毕业后，他的父亲看到一则报纸广告，为他安排了一份学徒工作。19岁时，荷马在波士顿商业石版印刷师J. H. Bufford门下当学徒，这段经历虽具塑造性，却也被他形容为“单调乏味的苦差”。他在两年间反复从事乐谱封面及其他商业作品的制作。到1857年，在他拒绝加入《哈珀周刊》编辑团队的邀请后，他的自由职业生涯正式起步。荷马后来表示：“自从我把鼻子从那块石版上抬开的那一刻起，我便再无主人，也永不会有。” 霍默作为插画师的职业生涯持续了近二十年。他为《巴卢画报》和《哈珀周刊》等杂志创作了描绘波士顿生活和乡村新英格兰生活的插图，当时插图市场迅速增长，潮流和时尚变化迅速。他的早期作品主要是城市和乡村社会场景的商业木刻版画，其特点是轮廓清晰、形式简化、明暗对比强烈以及人物组合生动——这些特质在他的整个职业生涯中始终至关重要。他的快速成功主要归功于他对平面设计的深刻理解，以及他的作品对木刻版画的适应性。 在1859年移居纽约之前，荷马与家人住在马萨诸塞州的贝尔蒙特。他叔叔的贝尔蒙特宅邸——1853年建成的荷马故居，是他许多早期插图和画作的灵感来源，其中包括几幅19世纪60年代的槌球题材画作。荷马故居现由贝尔蒙特妇女俱乐部所有，对公众开放参观。 1859年，他在纽约市的第十街工作室大楼开设了一间工作室，那里是美国的艺术与出版中心。直到1863年，他在国家设计学院上课，并短暂师从弗雷德里克·朗德尔，学习绘画基础。在仅约一年的自学训练中，霍默便创作出出色的油画作品。他的母亲曾试图筹集家庭资金送他前往欧洲深造，但《哈珀斯》杂志反而派遣霍默前往美国内战（1861–1865）的前线，在那里他素描战场场景与军营生活，既包括宁静的时刻，也包括混乱的瞬间。他最初的素描作品描绘的是1861年10月，在波托马克河畔，著名的联邦军官乔治·B·麦克莱伦少将的军营、指挥官及其军队。 尽管这些素描在当时并未引起太多关注，但它们标志着霍默从插画家向画家的技能拓展。与他的城市场景作品一样，霍默也描绘了战时的女性，并展现了战争对后方的影响。战时工作既危险又令人疲惫。回到工作室后，霍默会恢复体力并重新聚焦他的艺术视野。他着手根据素描创作一系列与战争相关的画作，其中包括《哨兵职责上的神枪手》（1862年）、《家，甜蜜的家》（1863年）和《前线的俘虏》（1866年）。从1863年到1866年，他每年都在国家设计学院展出这些题材的画作。《家，甜蜜的家》在国家设计学院展出时获得了特别的评论界赞誉；该作品迅速售出，艺术家因此当选为副院士，并于1865年成为正式院士。在此期间，他还继续向《我们的年轻伙伴》和《弗兰克·莱斯利的烟囱角落》等期刊出售插图。 战后，霍默将注意力主要转向儿童和年轻女性的场景，反映出对更简单时代的怀旧之情，既包括他个人的，也包括整个国家的。 霍默也对战后题材感兴趣，这些题材传达了两个试图理解自身未来的社区之间无声的紧张关系。他的油画《老女主人的来访》（1876年）描绘了一群四名获得自由的奴隶与他们昔日女主人之间的会面。站立人物之间的形式对等性暗示了国家在艰难的重建时期希望找到的平衡。霍默根据他在弗吉尼亚旅行时制作的素描创作了这幅画。 在绘画生涯初期，27岁的霍默便展现出一种成熟的情感、深刻的洞察力以及娴熟的技法，并立即获得认可。他的现实主义风格客观、忠于自然，且情感克制。一位评论家写道：“温斯洛·霍默是少数几位年轻艺术家中的一员，他们凭借向学院提交的最初作品便令人对其实力留下深刻印象……此刻，他在用笔、造型和着色方面，胜过许多我们本可以点名（若非不合礼仪）的学院常规供稿者。”至于《甜蜜的家》这幅作品，评论称：“其中毫无哗众取宠之嫌。贯穿这幅小画的情感细腻与力量，在整个展览中无出其右。”“这是一部充满真实情感的作品：营地中的士兵聆听晚间乐队演奏，思念远方的妻子与爱人。作品中没有矫揉造作，也没有感伤主义，而是一种质朴、亲切的真实感，以宽广、自由且简洁的手法加以呈现。 在参加国家设计学院展览之前，霍默终于在1867年前往法国巴黎，并在那里停留了一年。他最受赞誉的早期画作《前线的俘虏》同时在巴黎的世界博览会上展出。他没有接受过正式的学习，但在继续为《哈珀斯》杂志工作的同时练习风景画，描绘巴黎生活的场景。 霍默在逗留期间创作了大约十二幅小型画作。尽管他抵达法国时正值艺术新风尚兴起之际，但他画作的主要题材是农民生活，显示出他与既有的法国巴比松画派及艺术家米勒更为契合，而非与新锐艺术家马奈和库尔贝一致。虽然他对描绘自然光的兴趣与早期印象派画家平行，但没有证据表明存在直接影响，因为他在美国时已是一位户外写生画家，并已发展出一种更贴近马奈而非莫奈的个人风格。不幸的是，霍默对个人生活及其创作方法极为保密（甚至拒绝向其首位传记作者提供任何个人信息或评论），但他的立场明确体现出风格上的独立以及对美国题材的专注。正如他的同行艺术家尤金·本森所写，霍默认为艺术家“绝不应观看画作”，而应“用自己的语言结结巴巴地表达”。 在整个19世纪70年代，霍默继续主要绘制乡村或田园风格的农场生活、儿童嬉戏以及年轻人求爱的场景，其中包括《乡村学校》（1871年）和《晨钟》（1872年）。1875年，霍默辞去了商业插画师的工作，并誓言仅靠他的油画和水彩画维持生计。尽管他享有极佳的评论界声誉，但他的财务状况依然岌岌可危。他于1872年创作的受欢迎作品《甩鞭子》在宾夕法尼亚州费城举行的1876年百年博览会上展出，他最优秀且最著名的画作之一《迎风而上》（1876年）也在此展出。 1877年，霍默首次在波士顿艺术俱乐部展出油画《午后阳光》（由艺术家本人收藏）。从1877年到1909年，霍默经常在波士顿艺术俱乐部展出。自1882年起，霍默频繁展出纸本作品，包括素描和水彩画。1902年，展出了一件极为罕见的艺术家雕塑作品《猎人与狗——北林》。到那一年，霍默已将主要代理画廊从波士顿的 Doll and Richards 改为纽约的 Knoedler & Co。 荷马成为瓷砖俱乐部的一员，这是一个由艺术家和作家组成的团体，他们经常聚会交流思想，组织绘画外出活动，并促进装饰瓷砖的创作。在短暂的一段时间里，他为壁炉设计瓷砖。 1873年，霍默在马萨诸塞州格洛斯特度夏期间，开始定期用水彩作画。从一开始，他的技法就自然、流畅且自信，展现了他在这一难度较高的媒介上与生俱来的天赋。他的影响具有革命性。在此，评论家们起初也感到困惑，“哪怕是一个拿着墨水瓶的孩子也不会画得更糟。”另一位评论家称，霍默“突然而孤注一掷地投身于水彩画创作”。但他的水彩画证明既受欢迎又经久不衰，销路更好，显著改善了他的财务状况。这些作品风格各异，有的极为细致（《黑板》，1877年），有的则大致呈现印象派风格（《日落时的纵帆船》，1880年）。有些水彩画是为油画创作的预备草图（如《迎风而上》），有些则是独立的完成作品。此后，他出行时几乎总会携带纸张、画笔和水性颜料。 由于对女性的失望或其他情感困扰，霍默在19世纪70年代后期变得隐居，不再享受城市社交生活，而是居住在格洛斯特。有一段时间，他甚至住在与世隔绝的东点灯塔（与看守人的家人一起）。在重新建立对海洋的热爱的过程中，霍默通过密切观察渔民、海洋和海洋天气，找到了丰富的主题来源。1880年以后，他很少描绘闲暇中的优雅女性，而是专注于劳动女性。 霍默在诺森伯兰郡的英格兰沿海村庄卡勒科茨度过了两年（1881–1882）。在卡勒科茨创作的许多画作以劳动男女及其日常英雄主义为主题，充满了一种对霍默艺术而言全新的坚实与庄重，预示着他未来作品的方向。他写道：“女性是勤劳的工蜂。她们是强壮而坚韧的生物。”他这一时期的作品几乎全是水彩画。他的调色板变得克制而庄重；他的画作尺寸更大、更具雄心，构思和执行也更为刻意。他的题材更加普世，减少民族主义色彩，并因其不感伤的描绘而更显英雄气概。尽管他远离了19世纪60年代和70年代美国绘画那种自发性和明亮的纯真，霍默却找到了一种新的风格和视野，将他的才华带入了新的境界。 1882年11月，霍默回到美国，在纽约展出了他的英国水彩画。评论家们立刻注意到了他风格的变化：“他与我们过去所知的霍默截然不同”，如今他的画作“达到了一个高得多的境界……它们是高级艺术作品。”霍默笔下的女性不再是“炫耀帽饰的玩偶”，而是“健壮、无畏、适合作为男子之妻与母”的女性，她们完全有能力与男性一同承受自然的力量与变幻无常。 1883年，霍默搬至缅因州普鲁茨颈（位于斯卡伯勒），并居住在距离海洋75英尺的家族庄园中经过改造的马车库里。在19世纪80年代中期余下的时间里，霍默绘制了他那些宏伟的海洋场景画作。在《激流》（1886年）中，描绘了两名男性救生员戏剧性地救援两名女性浴者的场景，霍默笔下的人物“具有古典人物般的分量与权威感”。在《八音钟》（1886年）中，两名水手在甲板上仔细测定方位，冷静地评估他们的位置，进而审视他们与海洋的关系；他们对自身的航海技术充满信心，但对眼前的自然力量保持敬畏。在这些表现与自然抗争的戏剧性图像中，其他著名画作还包括《岸边的渔夫》、《墨西哥湾流》、《拉姆岛》、《修补渔网》以及《圣地亚哥德古巴港入口的探照灯》。其中一些作品他还以蚀刻版画的形式重复创作。 五十岁时，霍默已成为一位“隐居在艺术孤岛上的扬基鲁滨逊·克鲁索”和“手持画笔的隐士”。正如《纽约晚邮报》所写，这些画作确立了霍默“独树一帜的地位，成为最具原创性且实力最强的美国画家之一”。然而，尽管获得评论界的认可，霍默的作品从未达到传统沙龙画作或约翰·辛格·萨金特那些奉承式肖像画的受欢迎程度。他的许多海景画多年才得以售出，《逆浪》仅为他带来400美元的收入。 在这些年里，霍默主要从他的母亲、兄弟查尔斯和嫂子玛莎（“马蒂”）那里获得情感支持。母亲去世后，霍默成了他年迈但专横的父亲的“家长”，而马蒂则成为他最亲密的女性伴侣。在1884至1885年的冬季，霍默前往佛罗里达、古巴和巴哈马等较温暖的地区，并为《世纪杂志》创作了一系列水彩画作为委托作品。他用加勒比海闪闪发光的蓝天取代了普鲁茨颈波涛汹涌的绿色风暴海洋，用黑人原住民取代了坚韧的新英格兰人，进一步拓展了他的水彩技法、题材和调色板。在这次旅行中，他为总督夫人布莱克夫人绘制了《棕榈树下的儿童》。他的热带之旅以与保罗·高更前往塔希提岛相似的方式激发并刷新了他的创作灵感。 《拿骚的花园》（1885年）是这些水彩画中的最佳范例之一。评论家再次称赞他的清新与原创性，但这些作品对传统艺术买家而言过于超前，他“徒劳地寻求利润”。然而，霍默生活节俭，幸运的是，他富裕的兄弟查尔斯在需要时提供了经济援助。 霍默在1888年至1903年间经常访问佛罗里达州的基韦斯特。他的一些最著名的作品，包括《北风》、《基韦斯特》、《墨西哥湾流》、《装载湿粮》和《风暴中的棕榈树》，据说都是在那里创作的。 霍默在夏季前往纽约阿迪朗达克山脉米涅尔瓦村附近的北林俱乐部的旅行中找到了灵感。正是在这些钓鱼假期中，他尝试了水彩媒介，创作出极具活力与细腻的作品，这些作品是对孤独、自然和户外生活的颂歌。霍默不回避血腥运动的残酷，也不回避生存的挣扎。色彩效果大胆而自如地运用。就质量与创新而言，霍默作为水彩画家的成就无与伦比：“霍默以其独特的视野和绘画方式，创作出了一批无人能及的作品。” 1893年，霍默创作了他最著名的“达尔文主义”作品之一《猎狐》，描绘了一群饥饿的乌鸦俯冲向被深雪拖慢脚步的狐狸。这是霍默最大幅的画作，并立即被宾夕法尼亚美术学院收购，成为其首件入藏美国主要博物馆的作品。在《猎人与狗》（1891年）中，一位孤独而冷漠的猎人将鹿皮搭在右肩上，身旁伴随着吠叫的猎犬，狩猎结束后踏上归途。另一幅晚期作品《墨西哥湾流》（1899年）展现了一名黑人水手被困于受损的小船中漂流，四周环绕着鲨鱼和即将到来的大漩涡。 到1900年，霍默终于实现了财务稳定，因为他的画作从博物馆获得了良好的价格，并且他开始收到房地产的租金。他也摆脱了照顾父亲的责任，他的父亲在两年前去世。霍默继续创作优秀的水彩画，主要是在前往加拿大和加勒比海的旅行中。其他晚期作品包括如《右与左》这样的运动场景，以及没有人物形象的海景画，大多是不同光线下的海浪拍打岩石的画面。他晚期的海景画因其对自然力量的戏剧性和有力表达，以及其美丽和强度而特别受到重视。 在他生命的最后十年，他有时遵循自己在1907年给一位学生艺术家的建议：“把岩石留到你的晚年——它们很容易画。” 霍默于1910年在普鲁茨颈的工作室去世，享年74岁，安葬在马萨诸塞州剑桥市的奥本山公墓。他的画作《射击急流，萨格奈河》仍未完成。 他的普劳茨内克工作室是美国国家历史地标，现由波特兰艺术博物馆拥有，该博物馆提供参观服务。