Jean-Léon Gérôme

1824-1904 French

Apogée de l'académisme

Jean-Léon Gérôme était un peintre et sculpteur français dont le style est aujourd'hui connu sous le nom d'académisme. Ses tableaux furent si largement reproduits qu'il devint « probablement l'artiste vivant le plus célèbre au monde en 1880 ». L'étendue de son œuvre comprenait la peinture historique, la mythologie grecque, l'orientalisme, les portraits et d'autres sujets, portant la tradition de la peinture académique à son apogée artistique. Il est considéré comme l'un des peintres les plus importants de cette période académique. Il fut également professeur et eut une longue liste d'élèves. Jean-Léon Gérôme est né à Vesoul, en Haute-Saône. Il partit à Paris en 1840 où il étudia sous la direction de Paul Delaroche, qu'il accompagna en Italie en 1843. Il visita Florence, Rome, le Vatican et Pompéi. À son retour à Paris en 1844, comme beaucoup d'autres élèves de Delaroche, il rejoignit l'atelier de Charles Gleyre et y étudia brièvement. Il fréquenta ensuite l'École des Beaux-Arts. En 1846, il tenta de participer au prestigieux Prix de Rome, mais échoua au stade final parce que ses dessins de figures humaines étaient insuffisants. Sa peinture Le Combat de coqs (1846) est un exercice académique dépeignant un jeune homme nu et une jeune femme très légèrement vêtue avec deux coqs en train de se battre, la baie de Naples en arrière-plan. Il envoya cette peinture au Salon de Paris en 1847, où elle lui valut une médaille de troisième classe. Cette œuvre fut considérée comme l'apogée du mouvement néo-grec né dans l'atelier de Gleyre (incluant Henri-Pierre Picou et Jean-Louis Hamon), et fut défendue par le critique français influent Théophile Gautier, dont la critique rendit célèbre Gérôme et lança effectivement sa carrière. Gérôme abandonna son rêve de remporter le Prix de Rome et profita de son succès soudain. Ses tableaux La Vierge, l'Enfant Jésus et saint Jean et Anacréon, Bacchus et Éros obtinrent une médaille de deuxième classe au Salon de Paris en 1848. En 1849, il produisit les peintures Michel-Ange (aussi appelée Dans son atelier) et Portrait d'une dame. En 1851, il décora un vase offert par la suite à l'empereur Napoléon III de France au prince Albert, qui fait maintenant partie de la collection royale du palais de Saint-James à Londres. Il exposa Œuvre intérieure grecque, Souvenir d'Italie, Bacchus et l'Amour ivre en 1851 ; Paestum en 1852 ; et Une idylle en 1853. En 1852, Gérôme reçut une commande pour peindre une grande fresque sur un sujet allégorique de son choix. L'Âge d'Auguste, la Naissance du Christ, qui associait la naissance du Christ aux nations conquises rendant hommage à Auguste, aurait pu être destiné à flatter Napoléon III, dont le gouvernement avait commandé la fresque et qui était identifié comme un « nouvel Auguste ». Un acompte considérable permit à Gérôme de voyager et de faire des recherches, d'abord en 1853 à Constantinople avec l'acteur Edmond Got, puis en 1854 en Grèce, en Turquie et sur les rives du Danube, où il assista à un concert de conscrits russes jouant de la musique sous la menace d'un fouet. En 1853, Gérôme déménagea à la Boîte à Thé, un groupe d'ateliers situé rue Notre-Dame-des-Champs à Paris. Cet endroit devint un lieu de rencontre pour artistes, écrivains et acteurs, où George Sand recevait les compositeurs Hector Berlioz, Johannes Brahms et Gioachino Rossini ainsi que les romanciers Théophile Gautier et Ivan Tourgueniev. En 1854, il acheva une autre commande importante, la décoration de la chapelle Saint-Jérôme dans l'église Saint-Séverin à Paris. Sa dernière communion de saint Jérôme dans cette chapelle reflète l'influence de l'école d'Ingres sur ses œuvres religieuses. Il exposa au Salon universel de 1855 les œuvres Pifferaro, le berger et L'Âge d'Auguste, la Nativité du Christ, mais ce fut la modeste peinture intitulée Récréation dans un camp russe qui suscita le plus grand intérêt. En 1856, Gérôme visita l'Égypte pour la première fois. Son itinéraire suivit le classique Grand Tour du Proche-Orient, remontant le Nil jusqu'au Caire, traversant vers Fayoum, puis continuant plus haut sur le Nil jusqu'à Abou Simbel, avant de retourner au Caire, de traverser la péninsule du Sinaï par le Sinaï et de remonter la vallée du Wadi el-Araba jusqu'à Jérusalem, et enfin Damas. Cela marqua le début de nombreuses peintures orientalistes dépeignant les pratiques religieuses arabes, les scènes de genre et les paysages d'Afrique du Nord. Ces œuvres incluent des peintures dans lesquelles le décor oriental est associé à des représentations de nus féminins. Le Marché aux esclaves, Le Grand bassin de Brousse, Bassin dans un harem et des sujets similaires étaient des œuvres d'imagination dans lesquelles Gérôme combinait des détails architecturaux du Moyen-Orient qu'il avait observés avec précision et des nus idéalisés peints dans son atelier parisien. (En 2019, le parti populiste d'extrême droite allemand, Alternative pour l'Allemagne, utilisa Le Marché aux esclaves sur une affiche de campagne lors des élections européennes de 2019.) Durant ses voyages, Gérôme collectionna des artefacts et des costumes pour recréer des scènes orientales dans son atelier, et réalisa également des études à l'huile sur nature pour les arrière-plans. Dans un essai autobiographique de 1878, Gérôme décrivit l'importance qu'avaient pour lui les croquis à l'huile faits sur place : « Même épuisé après de longues marches sous le soleil éclatant, dès que nous atteignions notre lieu de campement, je me mettais au travail avec concentration. Mais ô combien de choses laissées derrière moi n'emportai-je que le souvenir ! Et je préfère trois touches de couleur sur un morceau de toile au souvenir le plus vif, mais il fallait continuer malgré tout avec un certain regret. » La réputation de Gérôme fut grandement renforcée lors du Salon de Paris en 1857 grâce à l'exposition de ses œuvres « Recrues égyptiennes traversant le désert », « Memnon et Sesostris », « Chameaux buvant » et « Suite d'un bal masqué » (achetée par le duc d'Aumale, actuellement au musée Condé à Chantilly ; une copie réalisée par Gérôme en 1859, intitulée « Le Duel après le bal masqué », se trouve au Walters Art Museum). En 1858, il participa à la décoration de la maison parisienne du prince Napoléon Joseph Charles Paul Bonaparte dans le style pompéien. Le prince avait acheté précédemment son œuvre intitulée « Intérieur grec » (1850), une représentation d'un bordel également réalisée dans le style pompéien. Dans Ave Caesar ! Morituri te Salutant, présenté au Salon de 1859, Gérôme revint à la peinture de sujets classiques, mais le tableau ne suscita pas l'intérêt du public. Le Roi Candaule (1859), ainsi que Phryné devant l'Aréopage et Socrate cherchant Alcibiade chez Aspasie (tous deux en 1861), soulevèrent un certain scandale en raison des sujets choisis par le peintre, et provoquèrent des attaques violentes de Paul de Saint-Victor et de Maxime Du Camp. Toujours au Salon de 1861, il exposa Égyptien hachant de la paille et Rembrandt mordant une eau-forte, deux œuvres très finement achevées. En 1863, il épousa Marie Goupil (1842–1912), la fille du marchand d'art international Adolphe Goupil. Ils eurent quatre filles et un fils. Sa fille aînée était Jeanne (1863-1944), suivie de Suzanne (1867-1941 ; mariée à Aimé Morot), Blanche (1868-1918) et Madeleine (1875-1905). Après son mariage, il emménagea dans une maison située rue de Bruxelles, près des Folies Bergère. Il l'agrandit en une vaste demeure avec écuries, dotée d'un atelier de sculpture au sous-sol et d'un atelier de peinture au dernier étage. Gérôme fut nommé l'un des trois professeurs de l'École des Beaux-Arts. Il commença avec seize élèves. Entre 1864 et 1904, plus de 2 000 élèves reçurent au moins une partie de leur formation artistique par le biais de l'atelier de Gérôme à l'École des Beaux-Arts. Les places dans l'atelier de Gérôme étaient limitées, très recherchées et extrêmement compétitives. Seuls les meilleurs étudiants y étaient admis, et les candidats considéraient comme un honneur d'être sélectionnés. Gérôme faisait progresser ses élèves en commençant par la copie d’œuvres antiques et de moulages, puis passait à l'étude d'après modèle vivant, généralement choisi sur la base de sa morphologie, mais parfois pour son expression faciale, dans une série d'exercices connue sous le nom d'académie. Les élèves dessinaient d'abord des parties d’un buste avant de dessiner le buste entier, puis des parties du modèle vivant avant de préparer des figures complètes. Ce n’est qu’après avoir maîtrisé le croquis qu’on leur permettait de travailler à l’huile. On leur apprenait également à dessiner clairement et correctement avant d’aborder les qualités tonales. Dans son école, le sol était incliné de manière à ce que les élèves aient la vue la plus complète possible du modèle depuis l’arrière de la salle. Les élèves s’asseyaient autour du modèle selon leur ancienneté, les plus expérimentés à l’arrière afin de pouvoir dessiner la figure entière, tandis que les plus jeunes s’installaient à l’avant et se concentraient sur le buste ou d'autres parties anatomiques. Selon John Milner, qui étudia avec Gérôme, son atelier était le plus « turbulent » et « libertin » de tous les studios des Beaux-Arts. Les élèves subissaient des rites initiatiques bizarres incluant des entailles mutuelles sur les toiles, des jets d'étudiants en bas des escaliers, par les fenêtres ou sur des chaises retournées, ainsi que des combats d'escrime nus sur l'estrade du modèle, avec des pinceaux chargés de peinture. Gérôme assistait tous les mercredis et samedis, exigeant une ponctualité stricte à ses instructions. Sa réputation de critique sévère était bien connue. L'un de ses étudiants américains, Stephen Wilson Van Shaick, a commenté que Gérôme était « impitoyable dans son jugement » mais possédait un « magnétisme singulier ». Bien que Gérôme soit très exigeant envers ses élèves, il leur offrait une aide considérable en dehors de l'École des Beaux-Arts, en les invitant dans son propre atelier, en faisant des recommandations en leur faveur au Salon, et en les encourageant à étudier avec ses collègues. Gérôme fut élu, à sa cinquième tentative, membre de l'Institut de France en 1865. Déjà chevalier de la Légion d'honneur, il fut promu officier en 1867. En 1869, il fut élu membre honoraire de la Royal Academy britannique. Le roi de Prusse, Guillaume Ier, lui décerna la Grande Croix de l'Ordre de l'Aigle rouge, troisième classe. Son influence devint considérable et il fut un invité régulier de l'impératrice Eugénie à la cour impériale de Compiègne. Avec les artistes français les plus éminents, il fut invité à l'inauguration du canal de Suez en 1869. La Société des Peintres Orientalistes Français, fondée en 1893, nomma Gérôme président honoraire. L'Exécution du maréchal Ney a été exposée au Salon de 1868. Au nom des descendants de Ney, Gérôme fut prié de retirer le tableau, mais il refusa. La réception générale fut très partagée, et le Salon de 1868 marqua le début d'une division durable entre Gérôme et de nombreux critiques d'art français, qui l'accusèrent de recourir à des procédés littéraires, de commercialiser l'art et d'y introduire la politique. Henri Oulevay fit une caricature dans laquelle Gérôme est représenté devant un mur, les critiques d'art formant le peloton d'exécution. En 1872, Gérôme produisit Pollice Verso, une peinture représentant des gladiateurs sanglants et des vestales assoiffées de sang dans le Colisée, qui devint l'une de ses œuvres les plus célèbres. Alexander Turney Stewart acheta la peinture à Gérôme pour un prix de 80 000 francs, établissant ainsi un nouveau record pour l'artiste. L'image créée par Gérôme du pouce tourné pour signifier la vie ou la mort d'un gladiateur tombé fut reproduite dans de nombreux films, depuis l'époque du muet jusqu'au film Gladiator, gagnant de l'Oscar en 2000. Gérôme est revenu avec succès au Salon en 1873 avec sa peinture L’Éminence grise (Musée des beaux-arts de Boston), une représentation colorée du grand escalier du palais du cardinal Richelieu, connu populairement sous le nom de « Cardinal rouge » (L’Éminence rouge), qui fut le dirigeant de facto de la France sous le règne du roi Louis XIII à partir de 1624. Dans le tableau, François Leclerc du Tremblay, un moine capucin surnommé L’Éminence grise (le Cardinal gris), descend l'escalier cérémoniel plongé dans la lecture de la Bible, tandis que tous les autres s'inclinent devant lui ou fixent leur regard sur lui. En tant que principal conseiller de Richelieu, L’Éminence grise fut appelé « le pouvoir derrière le trône », ce qui devint la définition connue de son titre. Dans les années trente, Gérôme s'est mis à la sculpture. Sa première œuvre fut une grande statue en bronze d'un gladiateur posant le pied sur sa victime, basée sur sa peinture Pollice Verso (1872), exposée au public lors de l'Exposition universelle de 1878. La même année, il exposa une statue en marbre au Salon de 1878, inspirée de sa peinture ancienne Anacréon, Bacchus et Éros (1848). Conscient des expériences contemporaines de teinture du marbre (comme celles de John Gibson), il réalisa Danseuse aux trois masques, combinant mouvement et couleur, exposée pour la première fois en 1902 et aujourd'hui conservée au Musée des Beaux-Arts de Caen. Parmi ses autres sculptures figurent Omphale (1887) et la statue du duc d'Aumale qui se dresse devant le château de Chantilly (1899). Il expérimenta avec des ingrédients mixtes, utilisant pour ses statues du marbre teinté, du bronze et de l'ivoire incrustés de pierres précieuses et de pâte. Sa sculpture Danseuse fut exposée en 1891. Sa statue grandeur nature Bellona, en ivoire, bronze et pierres précieuses, attira beaucoup d'attention lors de l'exposition de 1892 à la Royal Academy de Londres. Gérôme entreprit alors une série de conquérants, exécutés en or, en argent et en pierres précieuses : Bonaparte entrant au Caire (1897), Tamerlan (1898) et Frédéric le Grand (1899). En 1903, Gérôme réalisa une commande de deux sculptures, Métallurgiste et Science métallurgique, destinées au millionnaire américain Charles M. Schwab dans le but de célébrer la production de l'acier. Schwab envoya un véritable ouvrier sidérurgiste à Paris pour poser comme modèle pour ces œuvres. Au cours des dernières décennies de sa carrière, alors que ses propres œuvres tombaient en désuétude, Gérôme fut très critique envers l'impressionnisme. En 1894, il provoqua un scandale en s'opposant à la donation Caillebotte à l'État, qui devint finalement la base de la collection du musée d'Orsay. Il organisa une démonstration publique dans son atelier et donna des interviews à des journalistes, notamment les commentaires publiés dans le journal L'Éclair : L'Institut de France ne peut pas rester impassible face à un tel scandale... Comment le gouvernement ose-t-il accueillir une telle collection d'idioties dans un musée ? Vous avez vu cette collection ? L'État, garant de ce genre de camelote !... Quelles leçons nos jeunes artistes vont-ils recevoir dorénavant ? Ils vont tous se mettre à faire de l'impressionnisme ! Ah ! ces gens croient qu'ils peignent la nature, cette nature si admirable dans toutes ses manifestations ! Quelle prétention ! La nature n'est pas pour eux ! Ce Monet, vous rappelez-vous ses cathédrales ? Et cet homme savait autrefois comment peindre ! Oui, j'ai vu de belles choses de lui, mais maintenant ! De même, il s'est opposé à l'exposition commémorative de Manet à l'École des Beaux-Arts en 1884. Mais il assista néanmoins à l'ouverture, après quoi il fit à Manet un compliment ambigu en disant que l'exposition n'était « pas aussi mauvaise que je le pensais ». À partir de 1890, Gerôme tira à nouveau son inspiration du monde antique avec une série interconnectée et subtilement autoréférentielle de peintures et sculptures représentant Pygmalion et Galatée, l'esprit de Tanagra, ainsi que lui-même. En 1890, Gérôme réalisa au moins deux peintures représentant le sculpteur grec mythique Pygmalion embrassant sa statue de Galatée au moment exact où elle se transforme du marbre en chair vivante. La plus célèbre de ces peintures, intitulée Pygmalion et Galatée, se trouve maintenant au Metropolitan Museum of Art ; elle montre le sculpteur et sa statue vivante de dos. Une variante (dans des collections privées) les montre de face. Toujours en 1890, en réponse à la fascination générale suscitée par les récentes découvertes des figurines Tanagra en Grèce, Gérôme sculpta une Tanagra haute de cinq pieds en marbre teinté, une femme nue personnifiant la Tyche, ou esprit tutélaire, de l'ancienne cité. Elle tient dans sa paume levée une figurine représentant une danseuse au cerceau féminine (invention propre de Gérôme, inspirée mais non copiée d'une véritable figurine Tanagra). « Inspiré par son désir caractéristique de précision archéologique et de réalisme, Gérôme teinta délicatement la peau, les cheveux, les lèvres et les mamelons de sa Tanagra, provoquant une sensation au Salon de 1890. » Gérôme créa ensuite des versions plus petites en bronze doré de Tanagra ; plusieurs versions de la statuette « Danseuse au cerceau » tenue par Tanagra (ces œuvres devinrent « la sculpture la plus populaire et la plus largement reproduite de Gérôme ») ; deux peintures représentant un atelier imaginaire de Tanagra antique où sont exposées des copies de sa propre Danseuse au cerceau ; et deux autoportraits le montrant en train de sculpter Tanagra d'après un modèle vivant dans son atelier parisien, dans lesquels on peut voir en arrière-plan une Danseuse au cerceau ainsi que deux versions différentes de Pygmalion et Galatée. Ce complexe autoportrait a été qualifié de « synthèse de la remarquable carrière de Gérôme à la fois en tant que peintre et sculpteur ». Gérôme a également sculpté un Pygmalion et Galatée en marbre teinté (1891) inspiré de ses peintures. Dans ce cycle d'œuvres, qui explore l'antiquité classique, l'inspiration créatrice, les doubles et la beauté féminine, nous voyons Gérôme «puissamment évoquer l'interaction continue entre peinture et sculpture, réalité et artifice, tout en mettant en lumière la nature théâtrale inhérente à l'atelier de l'artiste.» À partir de la mi-1890, durant la dernière décennie de sa vie, Gérôme réalisa au moins quatre peintures personnifiant la Vérité sous les traits d'une femme nue, soit jetée dans un puits, soit au fond d'un puits, soit émergeant d'un puits. Cette image s'inspire d'un aphorisme du philosophe Démocrite : « De la vérité nous ne savons rien, car la vérité est dans un puits. » « La Vérité sortant de son puits, armée de son fouet pour châtier l'humanité » a été exposé au Salon du Champ de Mars en 1896. On a supposé que le tableau constituait un commentaire sur l'affaire Dreyfus, mais l'historien d'art Bernard Tillier affirme que les représentations de la Vérité et du puits par Gérôme faisaient partie de sa diatribe continue contre l'impressionnisme. Gérôme lui-même invoqua la métaphore de la Vérité et du puits dans une préface qu'il écrivit pour Le Nu Esthétique d'Émile Bayard, publié en 1902, afin de caractériser l'influence profonde et irréversible de la photographie : La photographie est un art. La photographie oblige les artistes à se débarrasser des anciennes routines et à oublier les vieilles formules. Elle nous a ouvert les yeux et contraints à voir ce que nous n'avions jamais vu auparavant, un service précieux et inestimable qu'elle a rendu à l'art. C'est grâce à elle que la vérité est enfin sortie de son puits. Elle n'y rentrera plus. La photographie est un art. Elle oblige les artistes à abandonner leurs anciennes routines et à oublier leurs anciennes formules. Elle a ouvert nos yeux et nous a forcés à voir ce que nous n'avions jamais vu auparavant ; un service immense et inexprimable pour l'art. C'est grâce à la photographie que la Vérité est enfin sortie de son puits. Elle n'y retournera jamais plus. En 2012, le Musée Anne de Beaujeu à Moulins, en France, qui est désormais propriétaire du tableau, a organisé l'exposition « La vérité est au musée », rassemblant de nombreux dessins, croquis et variantes réalisés par Gérôme et d'autres artistes en lien avec le tableau et son thème. Les multiples interprétations du sens énigmatique de la peinture ont poussé l'un des conservateurs du musée à déclarer : « C'est notre Joconde à nous. » À la fin de sa vie, Gérôme se sentait très fortement un homme dépassé par son époque. En 1903, se souvenant de sa première rencontre avec Charles Jalabert en 1840, il écrivit : À cette époque, Paris n'avait rien à voir avec le Paris d'aujourd'hui : pas de chemins de fer, pas de bicyclettes, pas de voitures ; nous étions moins agités, et certains quartiers, notamment celui où nous vivions et que nous appelions le Quartier latin, avaient un aspect provincial dans leur calme et leur tranquillité. Aujourd'hui, tout a changé ; nous ne marchons plus, nous courons comme des fous ; si nous ne sommes pas écrasés pendant la journée, nous avons de bonnes chances d'être assassinés la nuit. C'est charmant. Nous avons assisté à la fin d'un monde, nous assistons aujourd'hui à l'aube d'un nouveau, qui manque de pittoresque et surtout de sérénité. Le jour n'est pas loin où, par nos coutumes, nos façons d'être, notre amour du dollar (auri sacra fames), nous ne serons plus français, ni en esprit ni en cœur. Horrible à penser ! Nous deviendrons américains ! Le 31 décembre 1903, Gérôme écrivit à son élève et ancien assistant Albert Aublet : « Je commence à en avoir assez de la vie. J'ai vu trop de misère et de malheur dans la vie des autres. Je le vois encore chaque jour, et j'ai hâte d'échapper à ce théâtre. » Il devait vivre seulement dix jours de plus. Le 10 janvier 1904, « la femme de chambre le trouva mort dans la petite pièce adjacente à son atelier, effondré devant un portrait de Rembrandt et au pied de sa propre peinture intitulée Vérité » — mais la source de cette anecdote, le biographe Moreau-Vauthier, ne précise pas quelle peinture intitulée Vérité. Il avait 79 ans. À sa propre demande, il fut inhumé lors d'une cérémonie simple sans fleurs. Cependant, la messe de requiem donnée en sa mémoire fut suivie par un ancien président de la République, la plupart des hommes politiques les plus en vue et de nombreux peintres et écrivains. Il fut enterré au cimetière de Montmartre devant la statue de La Douleur qu'il avait fondue pour son fils Jean, mort en 1891. L'héritage de Gérôme vécut à travers les œuvres de ses milliers d'élèves venus de nombreux pays, notamment : Odilon Redon, Mary Cassatt, Vassili Vassilievitch Veretchnaguine, Stanisław Chlebowski, Ahmed Ali Bey, Henri-Camille Danger et Hosui Yamamoto, ainsi que beaucoup d'autres qui vinrent étudier à Paris depuis les États-Unis, parmi lesquels Thomas Eakins, Edwin Lord Weeks et Gottardo Piazzoni. L'énergie prodigieuse de Gérôme, sa longue carrière et sa grande popularité ont abouti à un corpus immense d'œuvres qui se trouvent aujourd'hui dans des musées et des collections privées à travers le monde ; le catalogue raisonné révisé par Ackerman en 2018 recense environ 700 peintures et 70 sculptures. Au début des années 1870, Gérôme était connu pour une gamme étonnante d'exotisme visuel, tout réalisé avec une précision et un détail minutieux, obtenus grâce à des couches minces de peinture qui révélaient à peine un trait de pinceau... Ses œuvres étaient particulièrement recherchées par les Américains riches... Au cours de sa carrière, Gérôme vendit à des mécènes américains 144 tableaux, soit près d'un quart de sa production. [Une œuvre de Gérôme dans le manoir de Leland Stanford à Nob Hill fut détruite lors du tremblement de terre et de l'incendie de San Francisco en 1906.] Malgré sa production prodigieuse et son immense succès outre-Atlantique, la plupart des articles universitaires des dernières décennies citent les œuvres de Gérôme comme un mélange nocif de banalités, d'exploitation et d'académisme figé. Cependant, les dernières recherches réévaluent Gérôme et son importance au XIXe siècle. Un essai de 2010 par l'historienne de l'art Mary G. Morton… souligne que, contrairement aux perspectives majoritaires du XXe et du XXIe siècle… les [Américains du XIXe siècle] trouvaient les peintures de Gérôme complexes, édifiantes et complètement modernes. Ses images bien documentées et minutieusement détaillées de combats de gladiateurs, de courses de chars, de marchés d'esclaves et de nombreux autres sujets du monde antique ont laissé une empreinte indélébile sur la culture populaire. Son imagery ethnographique de la culture arabe et islamique, controversé de son vivant, est aujourd'hui encore plus étroitement examiné, tout comme sa prédilection pour la nudité féminine ; les critiques modernes soulèvent des questions d'« appropriation culturelle » et d'« exploitation sexuelle ». Ces questions liées au sexe et à la race ont été illustrées en 2019 par l'utilisation de sa peinture Le Marché aux esclaves dans une affiche de campagne anti-musulmane par le parti populiste allemand d'extrême droite Alternative für Deutschland, suscitant l'inquiétude du musée américain propriétaire de la toile. Malgré les accusations selon lesquelles les peintures orientalistes de Gérôme (et d'autres) exploitaient et se complaisaient dans des stéréotypes des cultures arabes et musulmanes, il existe désormais « un intérêt élevé pour la collection des œuvres de Gérôme au Moyen-Orient », comme en témoignent les prix élevés payés aux enchères par l'Autorité des musées du Qatar à Doha pour ses œuvres. « Ils veulent le récupérer et l'avoir pour eux-mêmes », déclare l'historienne de l'art Emily M. Weeks. L'industriel et collectionneur d'art égyptien Shafik Gabr considère Gérôme et d'autres peintres orientalistes comme « des mondialisateurs précoces courageux qui ont mis leur vie en danger pour documenter un nouveau monde ouvert par l'expédition napoléonienne en Égypte de 1798 à 1801… 'Je me suis inspiré de ces peintres… Ces gens-là voyageaient dans des circonstances très difficiles sans savoir ce qu'ils allaient découvrir. Ils ne voyageaient pas pour conquérir ou trouver du pétrole. Ils voyageaient pour découvrir et comprendre.' » L'opposition très véhémente de Gérôme à l'impressionnisme s'est avérée une argumentation perdante, et ses œuvres ont été reléguées à la marge de l'histoire de l'art par les critiques, historiens et professionnels des musées qui croyaient que ses thèmes choisis ont corrompu les hautes finalités de l'art, conduisant ainsi au commercialisme...ils s'opposaient également à son orientalisme, qu'ils dénigraient comme étant faux, une perversion ou une invention de l'Orient véritable...Aujourd'hui, avec l'exposition au musée Getty et une version plus vaste de l'exposition qui ouvrira à la Musée d'Orsay en octobre 2010, Gérôme reçoit enfin l'attention qu'il mérite. Il ne sera plus perdu dans le temps, bien que ses peintures, la manière dont il les a développées, et sa relation avec plusieurs des grands enjeux de la créativité artistique du XIXe siècle et au-delà resteront controversées. Comme pour d'autres peintres du Réalisme classique et de l'art académique du XIXe siècle, la réputation et la popularité de Gérôme ont fortement décliné au XXe siècle ; sa toile Le Charmeur de serpent, vendue 19 500 dollars en 1888, ne s'est vendue que 500 dollars en 1942. Aujourd'hui, ses œuvres sont à nouveau très recherchées sur le marché international de l'art. En 2008, sa peinture Femme circassienne voilée ou La Belle Circassienne voilée (1876) a été adjugée pour 2 057 250 livres sterling ; elle appartient désormais aux Musées du Qatar à Doha. En 2019, son tableau Le Harem dans le kiosque (vers 1870-1875) a atteint 2 655 000 livres sterling lors d'une vente aux enchères, et sa peinture Cavaliers traversant le désert (1870) s'est vendue 3 135 000 livres sterling. La collection la plus complète des œuvres de Gérôme se trouve probablement dans les plusieurs salles dédiées à l'exposition de ses peintures et sculptures au musée Georges-Garret, dans sa ville natale de Vesoul. Gérôme avait fait don de plusieurs œuvres au musée de son vivant, et ses héritiers ont offert davantage d'œuvres après sa mort.