Maurice Prendergast

1858-1924 American

Motifs post-impressionnistes mosaïqués

Maurice Brazil Prendergast était un artiste post-impressionniste américain qui travaillait à l’huile, à l’aquarelle et en monotype. Il a exposé en tant que membre des « Huit », bien que la délicatesse de ses compositions et la beauté mosaïque de son style diffèrent des intentions artistiques et de la philosophie du groupe. Maurice Prendergast et sa sœur jumelle, Lucy, sont nés au poste de traite subarctique de leur famille dans la ville de St. John’s, à Terre-Neuve, alors une colonie en Amérique du Nord britannique. Après l’échec du poste de traite, la famille a déménagé à Boston. Il a grandi dans le South End et a été apprenti auprès d’un artiste commercial dans sa jeunesse. Cela l’a conditionné dès le début aux effets de motifs plats et colorés qui caractérisaient son œuvre mature. Il a également été inspiré par l’exemple de l’impressionniste bostonien Childe Hassam. Individu timide qui a connu une surdité croissante dans ses dernières années, Prendergast est resté célibataire toute sa vie. Il s’est attaché étroitement à son jeune frère Charles, qui était aussi un peintre post-impressionniste. Prendergast a étudié à Paris de 1891 à 1895, à l’Académie Colarossi avec Gustave Courtois et Jean-Joseph Benjamin-Constant, ainsi qu’à l’Académie Julian. Lors d’un de ses premiers séjours parisiens, il a rencontré le peintre canadien James Morrice, qui l’a présenté aux artistes d’avant-garde anglais Walter Sickert et Aubrey Beardsley, tous ardents admirateurs de James McNeill Whistler. Une fréquentation ultérieure d’Édouard Vuillard et de Pierre Bonnard l’a fermement ancré dans le camp postimpressionniste. Il a également étudié les œuvres de Vincent van Gogh et de Georges Seurat lors des rétrospectives organisées à Paris en 1891 et 1892. Prendergast fut en outre l’un des premiers Américains à épouser la cause de Paul Cézanne et à comprendre et utiliser son emploi expressif de la forme et de la couleur. Prendergast est retourné à Boston en 1895 et a travaillé principalement à l’aquarelle et au monotype. Un voyage à Venise en 1898 l’a exposé aux scènes de genre de Vittore Carpaccio et l’a encouragé à expérimenter des arrangements encore plus complexes et rythmés. Ses aquarelles inventives de Venise figurent parmi ses œuvres les plus appréciées aujourd’hui. En 1900, il a organisé des expositions majeures à l’Art Institute of Chicago et aux Macbeth Galleries à New York, ce qui lui a valu une reconnaissance critique. Il a participé à une exposition du National Arts Club en 1904, grâce à laquelle il s’est lié d’amitié avec les peintres William Glackens, Robert Henri et John French Sloan. Il a exposé avec eux en 1908 aux Macbeth Galleries, aux côtés de George Luks, Everett Shinn et Arthur B. Davies, un groupe collectivement connu après l’exposition sous le nom de The Eight. Glackens en particulier est devenu un ami de toujours. Malgré une santé fragile qui entravait son travail, Prendergast a continué à exposer dans des expositions majeures tout au long du reste de sa vie. D’importants collectionneurs comme Albert Barnes et Ferdinand Howald sont devenus ses mécènes après ses expositions à la Carroll Gallery et à la Daniel Gallery. Ses sept œuvres présentées lors de l’emblématique Armory Show de 1913 offraient des exemples de sa maturité stylistique. Exposées aux côtés des exemples les plus audacieux du post-impressionnisme et du fauvisme, « sa réception critique est devenue plus favorable dans [la] période immédiate [suivant cette exposition]. » En 1916, il a participé à l’exposition « Fifty at Montross » à la Montross Gallery, qui comprenait également des œuvres de Cézanne, Matisse, Seurat et Van Gogh. Son travail a fait l’objet d’une rétrospective à la Joseph Brummer Gallery en 1921, mais le Metropolitan Museum of Art a refusé d’accueillir une rétrospective commémorative de Prendergast après sa mort en 1924 ; à l’époque, son art était encore considéré comme trop exigeant et avancé pour les administrateurs du Metropolitan. Sa première exposition commémorative new-yorkaise a eu lieu dix ans plus tard au Whitney Museum of American Art. Prendergast a exposé aux Macbeth Galleries en 1908 au sein de l’association éphémère d’artistes connue sous le nom de « The Eight », car il soutenait leur protestation contre les biais académiques et les politiques d’exposition restrictives de la puissante et conservatrice National Academy of Design. Il croyait en une ouverture « sans jury, sans prix » qui permettrait aux artistes indépendants ou non conventionnels de trouver plus facilement un public plus large et appréciant leur travail. Cette exposition controversée, qui a acquis un statut légendaire dans l’histoire de l’art américain, est considérée comme un moment fondateur de la réponse du public au réalisme de l’Ashcan School, puisque ce style d’art représentatif urbain âpre était pratiqué par cinq des participants (Henri, Sloan, Luks, Shinn et Glackens). Toutefois, Prendergast n’a rien en commun, tant sur le plan stylistique que thématique, avec cette école de peinture. Prendergast était bien plus moderniste que n’importe lequel des sept autres membres de The Eight. Ses liens avec The Eight n’ont pas nécessairement servi sa réputation à long terme : « L’association irréversible de Prendergast avec The Eight l’a laissé stylistiquement isolé dans les généalogies de l’art moderne. » Véritable indépendant, il ne rentre dans aucune catégorie particulière de l’art moderne américain. L’œuvre de Prendergast était fortement associée, dès le début, à des scènes de loisir se déroulant sur les plages et dans les parcs. Ses premières œuvres étaient principalement des aquarelles ou des monotypes, et il a produit plus de deux cents monotypes entre 1895 et 1902. Il a également expérimenté la peinture à l’huile dans les années 1890, mais ne s’est concentré sur ce médium qu’au début des années 1900. Il a développé tôt dans sa carrière un style hautement personnel, qu’il a continué à élaborer tout au long de sa vie, caractérisé par des couleurs contrastées et éclatantes, semblables à des pierres précieuses, ainsi que par des formes aplaties et décoratives disposées rythmiquement sur la toile. Les formes étaient radicalement simplifiées et présentées en aplats de couleurs vives et non modulées. Ses peintures ont été justement décrites comme rappelant des tapisseries ou des mosaïques.